¡Abróchate el cinturón, principiante! Este video es una introducción breve y directa al maravilloso mundo de los plugins. Qué son, cómo funcionan y, lo más importante, qué puedes hacer con ellos. ¿Te intriga? Dale al video, pero solo si te abrochaste el cinturón... ya te lo advertí.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Plugins. ¿Qué son? Si eres nuevo en esto de hacer música en una computadora, seguro ya te topaste con el término plugin. Te voy a explicar qué son, cómo funcionan y por qué te debería importar. Primero empecemos con esta aplicación de sintetizador. Esta es una aplicación normal, independiente, no es un plugin. Es Syntorial. La descargas, la instalas, la abres, y ahí tienes tu sinte.
El único problema con un sintetizador independiente como este es que no puedes grabarlo en tu aplicación de grabación, ¿verdad? O sea, estás usando Ableton o Logic o una de las tantas aplicaciones que hay, también conocidas como DAWs, que usas para hacer música. Y quiero usar este sinte junto con otros sonidos, pero no puedo hacerlo aquí en esta aplicación de sintetizador.
Para eso existen los plugins. Un plugin es como una aplicación, pero está diseñado para abrirse dentro de una aplicación de grabación, así puedes usarlo para hacer música junto con otros plugins.
Entonces, saltemos a Logic. Instalé la versión plugin del sintetizador de Syntorial, se llama Primer. Y lo hice de la misma forma: solo lo descargué y lo instalé, así es como se instalan todos los plugins. Sin embargo, una vez instalado, no lo verás en tu carpeta de aplicaciones o archivos de programa, no puedes simplemente abrirlo directamente, solo está diseñado para abrirse y usarse dentro de una aplicación de grabación.
Y cada aplicación de grabación lo hace un poco diferente en cuanto al diseño, pero por ejemplo, aquí en Logic, mi pista predeterminada es piano eléctrico. Pero quiero abrir Primer aquí. Entonces en su caso, entras a este menú. Vas a AU Instruments, ya te explicaré qué significa AU. Y Audible Genius es el nombre de nuestra compañía. Y ahí está Primer. Y ahora, es el mismo sinte de la versión independiente, los mismos controles, exactamente el mismo sonido, pero ahora está dentro de Logic, así que puedo grabarlo en Logic y reproducirlo. Y listo, puedo crear otra pista, abrir un plugin diferente y hacer batería, bajo, lo que quiera. Por eso los plugins son una parte tan importante de la música por computadora: son los sonidos, son los instrumentos.
Como puedes ver, tengo bastante movimiento aquí. Así que cada vez que instalas uno, simplemente se agrega a la lista de tu DAW. Ahora, este es un sinte. Por supuesto también hay samplers como para batería o instrumentos reales como piano. Y también puedes usar efectos. Digamos que quiero agregar algo de reverb, pero no quiero usar la reverb integrada de Primer.
Bueno, puedo tomar un plugin de reverb, tomemos este primero. Así que ahora, mi plugin Primer está siendo ruteado a través de esta Chroma Reverb. Como ves, tienes variedad infinita aquí. Hay tantos plugins y básicamente puedes encadenarlos todos juntos y crear cualquier sonido que quieras. Ahora, probablemente te has topado con diferentes formatos de plugin, como VST, AU y quizás hasta AAX.
Este no es tu tutorial de sintetizador común. Esto es Syntorial. Hace que programar sintetizadores sea fácil con un entrenamiento tipo videojuego. Te enseña a programar patches de sintetizador de oído. Cada lección comienza con una demostración, luego un reto interactivo, con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba Syntorial, ganador de múltiples premios, hoy mismo.
Ahora, probablemente te has topado con diferentes formatos de plugin, como VST, AU y quizás hasta AAX. Estos son simplemente tipos de archivo. El Primer, por ejemplo, viene como VST y AU. El sintetizador en sí es idéntico. No obtendrás un sonido diferente ni controles diferentes. Todo es exactamente igual. Donde importa esto es con tu host, ya sea Logic, Ableton, FL Studio, cualquiera que sea tu aplicación de grabación, necesitas verificar qué tipos de archivo permite.
Entonces, por ejemplo, VST es el más común. Casi todas las aplicaciones de grabación te permiten usar plugins VST dentro de ellas. Tanto así que el término VST se usa a menudo en lugar del término plugin. ¿Qué VST tienes?, ¿cuántos VSTs tienes?, ah conseguí un VST nuevo. En realidad es un formato específico, pero es un formato tan importante y popular que es casi ubicuo. Sin embargo, Logic, por ejemplo, no permite VST. Solo permite AU. Y hay otro DAW llamado Pro Tools que solo permite AAX. Así que por tu parte, mira qué host estás usando, averigua qué formatos permite y simplemente consigue tu plugin en ese formato.
Ahora, cada desarrollador decide qué formatos quiere crear. Nosotros decidimos hacer VST, AU, algunos quizás solo hacen VST, ya sabes. Así que puede que no tengas acceso al plugin exacto que quieres, pero una vez que sepas el formato que acepta tu host, busca ese formato. Y por cierto, está el VST y ahora está el VST3, que es la versión más reciente de VST. Pero de nuevo, por tu parte, simplemente verifica tu host. Si soporta VST3, consigue el VST3. Si soporta VST, consigue el VST regular.
Esto es en Mac. Windows funciona igual. Descargas, instalas, abres tu DAW, ahí está tu plugin. Sin embargo, iOS es una historia un poco diferente. Ahora en iOS, solo hay un formato, AUV3. Y en lugar de llamarse plugin, a menudo se les llama extensiones porque en realidad son extensiones de la aplicación independiente normal. Entonces en la esquina superior izquierda ves Primer. Y lo descargamos de la app store, como cualquier otra app. Y si toco eso y lo abro directamente, básicamente es solo un sintetizador independiente.
Ahora, si quiero grabarlo, tengo que ir a una aplicación de grabación. Vamos a GarageBand. Ahora GarageBand, como otras apps, te da diferentes tipos de instrumentos que puedes agregar. Y muchos de ellos tienen una extensión AUV3, así que vemos aquí abajo a la izquierda, audio unit extension. Toca eso y ahora ves Primer. Porque cualquier app que tenga una versión de extensión automáticamente instala la extensión cuando instalas la app, así que no tienes que andar buscando una extensión AUV3.
Solo tienes que encontrar apps que tengan extensiones integradas. Una vez que instalas la app, aquí está, y simplemente toco Primer. Puedo tocar y grabar Primer dentro de GarageBand. Bueno, espero que esto haya sido útil para entender todo el sistema de plugins. Y si tienes alguna pregunta, déjala abajo en los comentarios y con gusto la responderé. Y no olvides suscribirte a nuestro canal de YouTube. Publicamos videos cada semana sobre sintetizadores y diseño sonoro.
Todos hemos escuchado sonidos orquestales realistas… esos se hacen con samplers y eso no tiene gracia. ¿Qué tal diseñar sonidos de cuerdas con tus propias manos?
En este video, te mostraré cómo sacar ese carácter de cuerdas de tu sinte. Mucho más fácil que aprender violonchelo.
Cuando termines de ver el video, pásate por nuestro foro y sube tus patches para discutirlos.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Cuerdas de sinte. Te voy a mostrar las distintas cosas que podemos hacer a un patch para que suene más a cuerdas. Ahora bien, si buscas sonidos de cuerdas realmente precisos de un plugin, lo que necesitas es un sampler. Si quieres algo muy, muy, muy realista, sampler. Suenan increíbles, especialmente los que hacen hoy en día. Pero esto va más de sacar ese carácter de cuerdas de tu sinte, conseguir algo parecido o incluso incorporarlo a un patch.
Así que vamos a repasar todas las técnicas que le dan a un patch ese carácter de cuerdas. Aquí estamos, tenemos una onda de diente de sierra y nada más. Lo primero es lo primero, necesitamos algunas voces para poder crear un acorde. Vamos a buscar ese tipo de sonido orquestal de cuerdas.
Ahora mismo, una forma de onda por sí sola es muy estática, inmóvil, pero las cuerdas son un montón de violines y cosas así tocando al mismo tiempo. Todos tienen un sonido parecido tocando la misma nota, pero no son exactamente iguales. Así que tienen este sonido pulsante medio difuso. Podemos conseguir eso con unison. Creamos básicamente cuatro copias de nuestra onda de diente de sierra y ahora empiezan a oscilar entre sí.
Sin embargo, no queremos que sus fases empiecen al mismo tiempo. Eso nos da un transitorio de ataque muy abrupto. Y esto está demasiado rápido con la desafinación. Necesitamos ralentizarlo. Mucho más parecido a cuerdas. Y esto es una orquesta, así que queremos expandirlo. Siguiente, envolvente de amplitud. Vamos a hacer dos pequeños cambios aquí que marcan una gran diferencia.
Para empezar, nuestro sonido arranca de inmediato. Es muy repentino, es perfecto para sinte, pero estamos haciendo un sonido de cuerdas más realista y las cuerdas con arco tienden a entrar suavemente. Así que vamos a aumentar nuestro attack. Lo mismo con el release. No queremos un corte inmediato. Queremos una cola pequeñita. Bien, envolvente de amplitud.
Siguiente, filtro. Tenemos un sonido muy, muy brillante. Las cuerdas son brillantes pero no tanto. Queremos quitarle un poco de ese chisporroteo de arriba. Eso suena bien. Sin embargo, escucha las notas en el rango grave. Están demasiado brillantes, empiezan a sonar a sinte otra vez. Ya no suenan realmente a cuerdas. Así que si queremos un cutoff más bajo en el rango grave, cutoff más alto en el rango agudo, key tracking. Súbelo y ahora ajusta esto un poco. Vuelve a nuestro rango medio.
El key tracking es genial cuando tienes un patch que abarca un rango amplio y quieres un cutoff más consistente y uniforme en todo ese rango. Solo subes el key tracking, lo ajustas hasta conseguir lo que quieres. Y también tendrás que ajustar el cutoff sobre la marcha.
Bien, siguiente. Nuestra orquesta va a estar en una sala, así que vamos a añadirle algo de reverb. Muy bien, esto es una cuerda analógica básica, bastante sintética. Pero esto es legato, notas sostenidas. ¿Y si quieres notas cortas? Pues bajamos el sustain y el decay. Genial, querrás subir el volumen cuando hagas eso. Bien, ahora ¿qué pasa si queremos que se mantengan para conseguir ese tipo de ataque staccato pero que las notas se sostengan?
Excelente, y si queremos un pluck, bajamos eso de nuevo y luego bajamos nuestro attack. Eso empieza a sonar bastante sintético. Eso está mejor. Sigue siendo bastante sintético pero eso te da tu pluck. Una vez que perdemos ese carácter de arco, también empezamos a perder el carácter de cuerdas. Así que volvemos a ponerlo, subimos esto de nuevo. Bien, ¿cómo podemos hacer esto un poco más realista?
(anuncio) Este no es un tutorial de sintes cualquiera. Esto es Syntorial, que hace que programar sintes sea fácil con un entrenamiento tipo videojuego, enseñándote a programar patches de sinte de oído. Cada lección empieza con una demostración, luego un reto interactivo con más de 200 lecciones. Una vez completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy. (anuncio)
¿Cómo podemos hacer esto un poco más realista? Bueno, lo primero que podemos hacer es empezar a jugar con nuestra forma de onda un poco. Así que esto es solo una diente de sierra pero voy a cambiar al oscilador dos y vamos a hacer una onda de pulso. Tiene un carácter un poco más de cuerdas pero quiero llevarlo un paso más allá. Quiero transformar esta forma de onda. Podemos hacer eso con modulación de amplitud de pulso, que básicamente, déjame apagarlo, esto irá así. La transformará.
Así que de nuevo, conseguimos ese cambio realista de sonido. Podemos hacerlo automáticamente con un LFO. Puedes oírlo ahí, es demasiado obvio. Vale, eso es muy de cuerdas. Tiene más carácter de cuerdas pero aún suena un poco artificial. Ese es uno de los inconvenientes de una onda de pulso. Así que me gusta mezclar las dos juntas. Me gusta un poco más de diente de sierra que de pulso. Escucha nuestra diente de sierra sin el pulso. Con el pulso. También con nuestro pulso activado, podemos bajar un poco nuestro cutoff.
También para añadir otro poco de movimiento ahora que tenemos dos formas de onda, dos osciladores, podemos simplemente desafinarlos un poco entre sí. Muy bien, así que nos acercamos un paso transformando nuestra forma de onda y mezclando un par de formas de onda diferentes. Pero si quiero acercarme aún más, lo que voy a hacer es saltar a un sinte de tabla de onda, y vamos a usar Serum.
Realmente puedes usar cualquier sinte de tabla de onda. Ahora mismo, esto está configurado igual que nuestro sinte básico Primer de diente de sierra, cuerda analógica clásica. Vale, antes de meternos en tablas de onda, un paso realista que puedes dar es un filtro con una pendiente más suave. Así que Primer tenía una pendiente de 24 dB, que es bastante pronunciada. Eso es lo que tenemos configurado aquí pero si lo hago un poco más suave, vamos a 18. Ajusto mi cutoff.
Puede ser un poco más realista porque en la vida real, este tipo de pendientes de filtro tan pronunciadas no son tan comunes. Así que una cosa un poco más suave simplemente ayuda a darnos una forma brillante más realista.
Vale, ahora hablemos de tablas de onda. Así que tenemos aquí nuestra diente de sierra. Queremos mezclar una forma de onda diferente igual que hicimos con Serum o con Primer. Así que voy a copiar el oscilador A al B, voy a transponerlos entre sí, como hicimos con Primer pero este, para esta forma de onda, quiero encontrar una tabla de onda muy de cuerdas y si tienes un sinte que tiene una tabla de onda de cuerdas real, genial. Vas a acercarte mucho a conseguir un sonido un poco más realista.
En mi caso, pude encontrar una llamada bowed metal. Ahora por sí sola, suena así. Definitivamente tiene la vibra correcta. Aunque quiero encontrar un punto más realista. Y cuando buscas este punto, deberías hacerlo con la mezcla porque algo por sí solo suena un poco diferente a cuando está mezclado. Me gusta por ahí. Pero más importante aún, igual que con Primer, queremos modular esto. Así que vamos a tomar nuestro LFO, justo aquí.
Solo una modulación sutil y lenta. Muy bien, así que esto es un poco más real que ese ancho de pulso, porque esto en realidad probablemente está tomado, es una porción pequeñita de una grabación real de metal siendo frotado con arco. Así que es un sonido real de arco que ahora estamos como superponiendo. Más realista. Así que ese es nuestro sonido con arco. ¿Qué pasa con el staccato? Hay algunas cosas que podemos hacer para que el staccato sea un poco más realista y es, primero, obviamente queremos acortarlo.
Si puedes curvar tu etapa de decaimiento hacia arriba, un poco demasiado. Baja tu cutoff un poco más. Allá vamos. Tenemos este sonido staccato. Ahora cuando atacas una cuerda, pasan dos cosas y un ataque inicial, es un poquito más brillante que el resto del sonido, pero también hay casi como que el arco frotando contra la cuerda crea casi un ruido, este SHH justo al principio. Así que vamos a superponer algo de ruido blanco, pero solo como ataque.
Así que ahora mismo, es… Queremos que sea más corto que el sonido. Solo el principio, el mero principio del sonido. Así que voy a tomar esta envolvente y la vamos a hacer muy, muy corta. Y subimos un poco… Y enderezaremos la curva un poco. Y luego también queremos enrutar esta misma envolvente a nuestro filtro, solo una cantidad muy pequeña. Comparado con sin ella. Y ahí está.
Así que de nuevo, si necesitas algo muy, muy real, ve a por un sampler. Esto va más de cómo traemos carácter de cuerdas a nuestro patch. Así que si buscas hacer eso, puedes probar cualquiera de estas técnicas y te ayudarán a conseguirlo.
¿Sabes cómo siempre me escribes para que haga videos sobre modelos específicos de sintetizadores y yo siempre te digo "sí, tal vez más tarde" o "eso no es un sinte, es una calculadora"?
Bueno, esos días se acabaron: aquí está el primer video de nuestra nueva serie Synth Spotlight donde vamos a -adivinaste- destacar sintetizadores. De nuevo con los nombres creativos.
Primero: Spire. Vamos a cubrir:
Integración de wavetable
HardFM
Unísono Super Saw
Filtros analógicos/digitales/híbridos
Filtro Shaper
Chorus estilo Roland
X-Comp
Carácter del EQ
Tiempo/nivel de pendiente de la envolvente
Transformación de formas de onda del LFO
Formas extrañas de LFO
Stepper
Si tienes alguna pregunta o quieres unirte a la discusión, pásate por nuestro foro, pero por favor deja de pedirme calculadoras. Te lo suplico.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Muy bien, bienvenido al primer "Synth Spotlight". En este video, vamos a hablar sobre Spire y específicamente, vamos a hablar de cómo este sinte es diferente de otros. Por qué elegirías este sinte en lugar de otro. Ese es el objetivo de esta serie "Synth Spotlight".
Hay un montón de sintes ahora, lo cual es genial, pero la mayoría comparte al menos los mismos parámetros básicos. Pueden hacer los mismos sonidos fundamentales. Hablamos de esos parámetros en Syntorial. Por eso Syntorial funciona, porque puedes tomar lo que aprendes allí y aplicarlo a muchos sintetizadores diferentes, pero eso también es lo que hace muy difícil elegir un sinte. Si todos pueden hacer las mismas cosas básicas y comparten tantas características, ¿por qué debería importarte un sinte más que otro? De eso se trata esta serie "Spotlight".
Ahora, solo voy a cubrir cosas específicas que me gustan del sinte. Cosas que me llaman la atención. Pero si quieres discutir más sobre el sinte, tienes más preguntas, o solicitudes de que cubra más parámetros en otro video, solo en la descripción del video verás un enlace a nuestro foro. Hay un tema que he creado para este sinte. Pregunta lo que quieras y yo u otros usuarios te responderemos y te ayudaremos a navegar Spire.
Ahora, al momento de hacer este video esta es la versión 1.1.14 y en general, el tema más diferenciador de este sinte es que, sí, es un sinte de sonido muy moderno. Pero tiene todos estos elementos de emulación analógica que puedes incorporar. Lo vas a ver una y otra vez mientras repaso algunas de estas características y es un concepto realmente genial. Así que primero, empecemos con nuestros osciladores.
Ahora, tienes muchas opciones diferentes aquí. Classic, que te da diente de sierra o cuadrada, tienes ruido, FM, sync. Incluso puedes crear sonidos tipo vocales como un filtro de formantes. Pero luego, junto con todas estas que cambian lo que sucede aquí en el medio de nuestro oscilador, tienes este conjunto adicional de formas de onda y la capacidad de mezclarlas en tu tipo de oscilador principal aquí arriba, creando básicamente una opción de wavetable que acompaña todas tus diferentes opciones aquí arriba.
Así que déjame, déjame mostrarte un ejemplo aquí con este classic. Con classic, podemos elegir entre diente de sierra o cuadrada. Incluso podemos elegir un híbrido entre ambas, lo cual está bien. Me gusta una diente de sierra cuadrada. Mientras tanto, aquí abajo, tenemos una opción diferente. Podemos, por ejemplo, elegir una onda sinusoidal y mezclarla en su lugar. Podemos ir a sinusoidal completa si queremos. Así que esencialmente creas una tabla de onda que se transforma entre lo que elijas aquí abajo y lo que está pasando aquí arriba. Así que toma cada uno de estos tipos de oscilador y multiplica lo que puedes hacer con ellos. Es un enfoque realmente interesante, esta especie de estructura de diseño wavetable plus.
Específicamente de todas estas opciones, me encanta el hard FM. Es un enfoque realmente interesante del FM. Antes de explicar cómo funciona y por qué es beneficioso, veamos primero el FM. Entonces, si no estás familiarizado con FM, es cuando un oscilador modula a otro oscilador y normalmente obtienes estos tonos metálicos tipo cuerda. Así que por defecto, lo que tenemos es que lo que está seleccionado aquí abajo modula una onda sinusoidal y esta es la cantidad de modulación.
Tenemos una onda sinusoidal básica ahora, pero a medida que subimos esto obtenemos ese tono metálico. Luego aquí, esto establece el tono de uno de los osciladores. Nos muestra qué tan agudo o grave es ese sonido FM. Eso es FM. Es muy directo. Es un enfoque simple y agradable y me gusta. Es fácil de usar. Sin embargo, FM tiene una desventaja y es que el tono de tu sonido general puede cambiar. Ahora mismo estoy tocando en Sol. Ya no suena como un Sol. Casi suena desafinado. Si quieres mezclar esta forma de onda, está realmente desafinado porque esto en realidad está controlando el tono de este, el modulador. Esa es simplemente la desventaja de FM. Puedes tener problemas de afinación. Así que inventaron HardFM.
Entonces, HardFM es un poco diferente. Esencialmente toma cualquier forma de lo que hayas elegido aquí y se modula a sí misma. Así que esto de nuevo, por defecto, es una onda sinusoidal modulando una onda sinusoidal y en la superficie suena similar. Okay, genial. ¿Entonces cuál es la diferencia? La diferencia está aquí, en el tono. Va a saltar entre ajustes de tono, ajustes de frecuencia, y se esfuerza por mantenerse siempre afinado hasta que eliminamos ese problema de desafinación. ¿Escuchas cómo salta? Es realmente genial. Entonces es FM, pero hace que sea mucho más fácil mantenerse afinado y como un bono extra. Esto, en lugar de mezclar una de las ondas sinusoidales, mezclará la siguiente forma de onda en la lista una octava abajo totalmente sin ser afectada por FM. Así que es como un suboscilador.
Así que aquí viene un triángulo. Una octava abajo para solo una dimensión extra. Entonces ahora esto se convierte en esta mezcla de tabla de onda. Ahora se convierte en una perilla de volumen de suboscilador. Puedes hacer esto con cualquier sonido. Así que por ejemplo, este es un violín, cuando obtiene un FM realmente crudo y luego mezclas el siguiente violín dos, ¿verdad? Violín dos una octava debajo. Muy bien. Hard FM.
A continuación voy a saltar a nuestra sección de unísono. Así que por defecto, es bastante directo. Eliges el número de voces y luego puedes desafinar. Puedes jugar con cómo se distribuyen las voces. Creas acordes y cosas así, pero lo que realmente me gusta de esto es esta perilla de densidad. Esencialmente, la densidad cambia la distribución de todas las diferentes voces, las hace menos uniformes. Solo cambia el patrón un poco. La descripción no es muy específica. No sé exactamente qué está pasando, pero puedes escuchar cómo cambia la naturaleza del unísono a medida que lo aumentas
Específicamente, dicen en el manual que si subes la densidad al máximo, lo que obtienes es una emulación del super saw del Roland JP-8000. Es un sinte analógico clásico que era conocido por este unísono específico de diente de sierra. Es simplemente un unísono realmente exuberante y grueso. Compáralo con la densidad aquí arriba, que describen como el tipo de densidad media de siete voces como un hypersaw, que es un diente de sierra bien conocido del Virus TI, un sinte digital famoso. Solo compara. Este es un poco más limpio y preciso versus simplemente hay más cosas sucediendo ahí. Es más exuberante, más grueso. Realmente puedes escucharlo con nueve voces. Este es el primer ejemplo de poder ajustar una emulación tipo analógica en este sinte digital por lo demás muy moderno
Muy bien, siguiente. Vamos a saltar a nuestro filtro. Entonces, este es otro ejemplo del tipo de enfoque híbrido analógico digital. Este no es tu tutorial ordinario de sinte.
Esto es Syntorial. Facilita la programación de sintetizadores con un entrenamiento tipo videojuego que te enseña cómo programar patches de sinte de oído. Cada lección comienza con una demostración, luego un reto interactivo con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Tenemos muchos tipos de filtro diferentes aquí. Echemos un vistazo a Acido. Esta es una emulación del TB-303. Otro sintetizador de bajo analógico clásico y nuestra envolvente es muy parecida a nuestro cutoff, por cierto. Tenemos diferentes pendientes para nuestro pase-bajo. Este es como 24 dB, este es como 6dB. Muy bien, así que hay una opción. Hay un filtro estilo analógico o podemos ir con Infecto, que es como una imitación del Virus Ti. Así que este es un enfoque digital. Este es nuestro pase-bajo, este es un pase de banda de pendiente de 12 dB, pase-alto, Notch.
¡Muy bien, genial! Así que tenemos una opción analógica, tenemos una opción digital. Pero luego, como pueden hacer esto, crearon dos filtros híbridos. Este es perfecto, esto esencialmente dentro del algoritmo está tomando elementos de un filtro digital y elementos de una emulación analógica y combinándolos. Tenemos un pase-bajo de 24 dB, pase de banda, pase-alto y un peak, e hicieron lo mismo con este Scorpio. Este nuevamente es un híbrido analógico digital con varios tipos de pase-bajo y luego un pase-alto, un pase de banda. Entonces, tienes opciones aquí. Si sabes que quieres un pase-bajo, pase-alto o pase de banda, prueba estas diferentes cosas. ¿Quieres un enfoque analógico? ¿Enfoque digital? ¿Quieres algo intermedio?
Buenas opciones, lo que también me gusta de este filtro es que tienen esta opción, Shaper. Esto combina como un modelador de onda de distorsión con un filtro pase-bajo/pase-alto. Entonces nuestra resonancia, apagamos la envolvente. Nuestra resonancia se convierte básicamente en nuestra cantidad de distorsión y satura con un tipo de distorsión muy cálida. Puedes ajustar cuánta distorsión quieres y luego puedes usar el cutoff. Si lo bajas, es un pase-bajo. Súbelo - un pase-alto. En el medio no hay filtrado.
Muy bien, así que aquí hay una saturación de estilo cálido agradable. Puedes incorporarla en tu sonido o puedes ir más hacia algo digital agresivo. Casi comienza a sonar un poco machacado en ciertos puntos. Y luego podemos... Muy bonito, un toque genial para tener en el filtro. Como hay dos filtros aquí, este es más como un efecto. Pasas por este primero, luego puedes configurar tu segundo filtro como un pase-bajo-pase-alto pase de banda regular. Si quieres que ese filtro regular venga después del shaper. Porque por defecto, el filtro uno va al filtro dos. Muy bien, ese es nuestro filtro.
Siguiente, vamos a saltar a nuestros efectos. Así que tienes otro modelador de onda más, pero aquí hay un montón de opciones. Así que este es como un modelador de onda más detallado. Phaser, tienes delay, reverb buena, simplemente buenos efectos sólidos con muchos parámetros. De lo que quiero hablar es del Chorus porque aquí hay otro ejemplo de incorporar un elemento analógico en el sinte.
Tiene muchos modos y por defecto J8 está seleccionado, que es JP 8000. De nuevo, este sinte clásico de Roland. Una de las cosas por las que es conocido es por tener este chorus maravilloso. Es como el chorus que otros chorus tratan de emular. Lo que me encanta de esto es que no tienes que configurar nada. Si solo quieres este chorus exuberante clásico, solo aumenta tu dry wet. ¡Ah! Muy bonito. Pero de nuevo, tal vez quieras empezar a moverte hacia el terreno digital.
Muy bien, así que es un chorus más limpio, más preciso. Se vuelve más y más delgado. Así que finalmente, con uno tenemos más de un flanger. Aumenta tu feedback, activa tu delay y luego puedes obtener esto. Sonido realmente flangero. Así que me encanta su enfoque del chorus.
El siguiente efecto del que quiero hablar es este X-Comp. Este es un compresor multibanda ascendente descendente y si no estás familiarizado con eso, generalmente son mucho más complejos. Hay muchos parámetros diferentes. Este es literalmente solo una perilla. Todo lo demás está configurado internamente para ti. Es como una salsa secreta de este sinte. Lo subes un poco y al instante hace que tu sonido sea más frontal, más fuerte y agresivo. Simplemente ese tipo de, es realmente el tipo de resultado típico de compresor que quieres.
Todo lo que necesitas hacer es subir una perilla y con un diente de sierra simple no es tan obvio. Así que déjame mostrarte con un par de presets. Mira, aquí vamos sin él, con él. ¡Ah! Ahora está en tu cara. ¡Ah! Es simplemente impacto instantáneo. Veamos el siguiente preset, este no lo tiene activado. Ahora con él. ¡Ah! Si quieres tu sonido más fuerte, más agresivo, solo sube esta perilla. Si vas muy lejos con él, le quita la vida, lo cual es un efecto genial en sí mismo.
Típicamente, quieres mantenerlo justo por aquí. Muy bien, y por último en los efectos está este EQ. Ahora, en su mayor parte, es simplemente un EQ simple y aburrido. Está ahí para que lo uses. No hay necesidad de hacer el EQ complejo. Es lo que debe ser. Tienes un shelf, peak y shelf. Sin embargo, tiene estos presets de carácter aquí arriba. Así que aquí hay un diente de sierra simple. Puedes aumentarlo, eso simplemente lo hace más fuerte prácticamente. También puedes hacerlo más cálido. Escucha los graves, el cuerpo del sonido. Algo delgado.
Hay otro ejemplo, de cómo traer esta característica cálida casi tipo analógica al sonido. Luego también tienes la opción soft que solo quita un poco de los agudos. De nuevo, eso puede deshacerse de algo de esa nitidez digital aguda precisa. Muy bonito. Okay, esos son nuestros efectos.
Pasemos a algunas fuentes de modulación. Hablemos de nuestro filtro. Oh, perdón. Nuestra envolvente y tienes cuatro envolventes. Uno, dos, tres y cuatro. Tres está configurado en cutoff por defecto. Así que activémoslo. Tenemos un decay bajando a un sustain. Entonces, parece un ADSR al principio attack, decay, sustain, release pero hay dos parámetros en el medio. Esto es slope time y slope level. Es realmente como un segundo decay y sustain.
Déjame darte un ejemplo. Sabes, a menudo una envolvente con la parte de decay sustain, normalmente la usas para una de dos cosas. Puedes crear un transitorio de ataque como este. Correcto, así que bajo mi cutoff muy rápido, aumento este transitorio de ataque DEOW o puedes crear una especie de desvanecimiento más largo como este. ¿Pero qué pasa si quieres ambos? ¿Qué pasa si quieres un pequeño transitorio seguido de un desvanecimiento? Ahí es donde entra este segundo conjunto. Así que llevo mi sustain aproximadamente, digamos, a la mitad, creo un pequeño transitorio. Genial, ahí está mi transitorio. Dejo mi slope level completamente abajo y aumento mi slope time. Ahora mira qué pasa. Completa este primer decay/sustain para mi transitorio y luego pasa a este segundo decay/sustain. Muy bien, entonces ya sabes, es un simple ADSR más dos ajustes adicionales haciéndolo solo un poco más de una envolvente compleja, ADSDSR.
Muy bien, siguiente, hablemos del LFO. También tenemos cuatro LFOs. Uno, dos, tres y cuatro. Vamos a rutear esto al cutoff y lo que me gusta de esto es cómo manejan las formas de onda. Así que por defecto, es una onda sinusoidal. Pero puedes transformar entre una onda sinusoidal y una triangular o una cuadrada. Entonces, primero, sabes, a veces la gente pregunta cuál es la diferencia entre una sinusoidal y una triangular cuando se trata de LFO. Suenan más o menos igual.
La diferencia es lo que sucede arriba y abajo. Así que la onda sinusoidal se curva más suavemente, entonces el sonido se queda en la parte superior e inferior un poco más de tiempo. La triangular simplemente llega a un punto y se voltea inmediatamente. Así que solo escucha la parte superior e inferior. ¿Ves lo abrupto que es eso? Pero esto te permite obtener lo mejor de ambos mundos.
Muy bien. Así que te permite ajustar exactamente cuánto tiempo quieres que esto se quede en la parte superior y en la parte inferior. O tal vez te gusta la cuadrada. Quieres el salto, pero es demasiado saltón. Bájalo. Luego podemos determinar dónde comienza en esta forma de onda, ¿verdad? Entonces ahora, cada vez que tocamos una nota comienza justo en la parte superior o justo en la parte inferior, digamos.
Así que esoes un uso básico muy bueno de este LFOporque realmente este tipo de sinusoidal, triangular o cuadrada. Esas son algunas formas bastante comunes para ello. Sin embargo, si quieres ponerte un poco raro, si quieres experimentar con formas, tenemos una cantidad enorme de opciones aquí abajo. Es muy similar a nuestras opciones de forma de onda aquí. Así que solo elegiré una al azar, hagamos vocal. Así que puedes obtener algunas formas realmente extrañas y también puedes transformarlas. Podría ser realmente bueno para, digamos, un pad donde quieres algún tipo de movimiento irregular en él. Que no suene como un patrón de la forma en que una cuadrada o sinusoidal es tan obviamente un patrón. Muy bien, ese es nuestro LFO.
Una característica más. Me gustaría hablar de ella y esa es nuestro stepper. El stepper es, es como un LFO por defecto, ¿verdad? Entonces para rutearlo, vas a la matriz. Seleccionas stepper, que está fuera de pantalla. Stepper uno y voy a configurarlo en cutoff. Necesito desactivar la envolvente, okay, y aumentar nuestra cantidad. Así que simplemente ejecutando en esta pequeña luz. Está ejecutando un diente de sierra a la vez y puedo reducirlo. Así que ahora, solo va a usar los primeros cuatro. Uno, dos, tres, cuatro. Uno, dos, tres, cuatro. Así que ahora mismo es como un LFO de diente de sierra. Simplemente está repitiendo diente de sierra una y otra vez que puedo cambiar cada uno.
Entonces podría decir, entrar aquí y arrastrar esta forma hacia abajo o podría seleccionar una diferente y tiene algunos tipos de presets como este. O puedo crear múltiples repeticiones dentro de una pequeña columna, así que, correcto, puedes crear estas secuencias realmente complejas de formas de modulación.
Déjame mostrarte algunos ejemplos aquí. Este es ese tipo de wub clásico de dubstep, pero es complejo en lugar de ser, ya sabes, una forma repetitiva de un LFO, está cambiando a medida que avanza. Ese es un uso realmente divertido del stepper, pero también puedes hacer cosas más simples con él. Como por ejemplo, este. Este solo está ruteado al volumen del oscilador dos. Voy a apagar el oscilador uno y tres. Solo el oscilador dos y no se retriggerea. De eso se tratan estos botones.
Solo pasa por él una vez. Así que es básicamente como una envolvente, ¿verdad?, simplemente tiene un ataque muy rápido y luego tiene dos etapas de decay. Pero a diferencia de la envolvente, realmente puedes jugar con la forma de cada columna de cada etapa. Así que se convierte en una envolvente realmente precisa. E
sa es una de las razones por las que me encanta esto. Sí, puedes hacer estas secuencias largas y complejas. Pero también puedes tratarlo como un LFO personalizable o una envolvente personalizable. Es simplemente una fuente de modulación realmente ilimitada.
Muy bien, esa es mi opinión sobre Spire. Esas son algunas de las características realmente más geniales de Spire. De nuevo, si tienes alguna pregunta, quieres que cubra más parámetros, solo quieres hablar sobre el sinte en general, solo revisa la descripción abajo para el enlace al artículo.
In this video, I’ll take you through the process of creating an evolving pad from scratch using Serum.
Aprenderemos a diseñar el flujo y reflujo de un pad largo, exuberante y cambiante. También responderemos la pregunta "¿Cuántos adjetivos son demasiados adjetivos en un post de blog?"
Si tienes un pad evolutivo y quieres compartirlo, visita nuestro Foro. Dejaremos de hablar de adjetivos, lo prometo.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Un pad evolutivo.
Es un pad que cambia de diferentes formas continuamente durante un periodo largo de tiempo. Aquí hay uno que preparé.
Bien, la clave para un pad como este son dos cosas: capas y toneladas de modulación. Así que voy a recrear esto desde cero. Traigo el original aquí. Veámoslo… bien, ahora tenemos una simple onda de diente de sierra, así que lo primero que voy a hacer es darle un release largo.
Para la envolvente de amplitud, simple, solo para que cuando suelte la tecla suene. Luego quiero difuminar un poco el sonido, así que le daré algo de unísono. Perfecto. Después voy a filtrarlo y este será nuestro primer sonido evolutivo lento. Modulándolo con un LFO. Así que vamos a activarlo y estuve experimentando un rato y terminó gustándome cómo se sentía la pendiente de 18 dB.
Bien, voy a tomar el LFO 1, modular el cutoff y no necesito mucho aquí, solo un poco arriba y abajo. Y eso es demasiado rápido. Voy a configurarlo para que no esté sincronizado al tempo, hacerlo realmente lento. ¡Ahí vamos! Bien, ese es nuestro primer punto de evolución, ¿verdad? Es un cambio muy lento en nuestro cutoff. Y también hice este cambio para que siempre empiece arriba. No tienes que hacer esto, es solo una preferencia mía.
Me gusta cómo siempre obtengo este ataque brillante y agradable en el sonido, y realmente quiero acentuar este movimiento del cutoff, así que voy a aumentar la resonancia. Bien, ahí está nuestro movimiento del filtro.
Ahora agreguemos otra capa de movimiento y queremos que esté a un ritmo diferente para que interactúe con el movimiento del filtro de formas impredecibles. Así que voy a tomar nuestro oscilador aquí y cambiemos a una tabla de onda. De nuevo, estuve experimentando y me gustó cómo sonaba esta.
Por aquí. Ahora, esto no suena terriblemente diferente de un diente de sierra. Sin embargo, voy a modularlo con una envolvente. Voy a enrutar la envolvente dos aquí, estuve jugando con los rangos y me gustó este. Y vamos a ir con… voy a bloquear esta envolvente para poder ver todas las etapas, un ataque realmente muy lento. Mucho, unos nueve segundos para subir, y luego en lugar del sustain aquí abajo, y de nuevo nuestro decay será largo y suave. También haremos nueve segundos.
¿Ahora qué tenemos? Verás, para cuando esta envolvente sube y baja completamente, y esta tabla de onda cambia por completo y luego regresa, el LFO del filtro pasa por esto un poco menos de dos veces, ¿verdad? Así que obtienes estos ciclos que se contrastan. Modular dos cosas diferentes crea múltiples... mientras mantengo esto presionado, va a seguir cambiando incluso después de que la tabla de onda esté justo aquí y empiece a regresar, el cutoff comienza de nuevo.
Así que en este punto el cutoff se mueve arriba y abajo mientras la tabla de onda se mueve arriba y abajo. Pero cuando la tabla de onda termina de moverse, ahora escuchamos el cutoff moviéndose arriba y abajo sin el movimiento de la tabla de onda. Así que acabamos de crear una muy larga y compleja capa de cambio. Al principio escuchamos el movimiento del cutoff y el movimiento de la tabla de onda, y luego escuchamos solo el movimiento del cutoff. ¿Verdad? Así que son dos grandes etapas de cambio. De entrada tenemos esta larga evolución cambiante. Bien. Agreguemos otra capa-
Este no es tu tutorial de sinte ordinario, esto es Syntorial. Haciendo que programar sintes sea fácil con entrenamiento tipo videojuego que te enseña a programar patches de sintetizador de oído. Cada lección comienza con una demostración y luego un reto interactivo, con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Agreguemos otra capa usando nuestra fuente de ruido, y en Serum es más que solo ruido. Me gusta esta atmósfera 7, seguir el tono, ver la configuración. Ahora, de nuevo, no quiero que esto simplemente entre y se quede ahí, quiero traerlo y sacarlo, hacer algo con modulación, así que voy a enrutar nuestra envolvente a nuestro nivel.
Empiezo el nivel en cero, así que ahora, si le doy un ataque bastante largo, digamos que esto va a ser casi seis segundos, eso significa que tenemos ruido tardando seis segundos en entrar versus nuestra tabla de onda tardando nueve segundos en llegar hasta el final. Así que ahora nuestro ruido va a entrar como a mitad de camino de esta modulación de tabla de onda, y luego la modulación de la tabla de onda continuará. Ahí está el ruido.
Ahora, no quiero que el ruido simplemente se quede ahí. ¿Verdad? Quiero que comience a desvanecerse pero nunca completamente porque más adelante, siempre sigue ahí creando una pequeña capa de complejidad. Así que voy a tomar nuestro sustain y bajarlo a alrededor de 64 por ciento y nuestro decay a unos 8 segundos. Así que ahora, aquí
Agreguemos otra capa más con el oscilador B y para esta quiero crear un sonido realmente distintivo que sobresalga, bajémoslo un poco, filtrémoslo. Voy a subirlo dos octavas. Vamos a ir fuerte con el Unison: seis voces y lo voy a dejar con bastante desafinación. Bien, ahora eso es un poco abrasivo, realmente está ahí, muy visible o audible, así que vamos a modularlo.
Vamos a tomar un LFO y quiero hacer algo un poco diferente aquí. Voy a ir con cuadrada y voy a enrutar esto a nuestro nivel y escuchemos cómo suena ahora. Hazlo más rápido. Bien, de hecho me gusta eso, pero quiero que crezca gradualmente, ¿verdad? De nuevo, como con las otras cosas, no quiero que esto esté ahí de inmediato, quiero que entre gradualmente, así que vamos a usar el método rise de este LFO y eso básicamente hace un fade in del LFO mismo, y entonces lo que vamos a hacer es configurar el nivel del oscilador B ahí. Máximo ahí. Ahora:
Y si aumento el rise, pensarías que va a empezar bajo y luego se va a poner fuerte, pero no lo hizo. Esto me confundió al principio. Verás, en realidad está empezando aquí arriba. ¿Por qué hace eso? Bueno, porque Rise presta atención a dónde comienza esta forma de onda del LFO y comienza arriba, así que eso significa que va a empezar aquí arriba y va a subir así.
Bien, se va a quedar aquí arriba y luego va a aumentar gradualmente el rango hasta que use todo. Así que lo que queremos hacer es... hay algunas cosas que puedes hacer aquí pero me gusta esta solución. Lo que me gusta particularmente de esto es que casi suena como si el LFO tuviera varios fade ins. ¿Verdad? Tienes el fade in inicial del LFO y obtienes otro fade in cuando el cutoff vuelve a subir. Subiendo y luego el cutoff está aumentando, y luego se colapsa, aumenta de nuevo pero sin la tabla de onda, así que hace este más audible.
Bien, así que hay casi tres etapas diferentes de este oscilador B gracias al cutoff en los movimientos de la tabla de onda y el rise del LFO. Bien, hagamos una cosa más. Pongamos algo de chorus ahí para pegar las cosas un poco. Bien. Y luego hagamos una reverb y quiero que esta sea bastante intensa. Quiero hacer otra cosa interesante aquí: Quiero modular el mix de la reverb. Me encanta hacer esto. Realmente es algo raro lo que hace a la perspectiva.
Tomamos digamos el LFO 2, lo hacemos bidireccional y de nuevo no vamos a sincronizarnos, vamos a ir bastante rápido. Escucha lo que hace, me encanta. Es como este panoramizado dimensional que, sabes, es como de otro mundo. Realmente me encanta el sonido de eso, pero de nuevo, no quiero esto todo el tiempo sino que quiero que entre y salga gradualmente. Y podría usar rise, ¿verdad? Pero eso solo lo haría entrar y luego mantenerlo, quiero que entre y luego salga.
Aquí es donde podemos usar nuestra fuente auxiliar. Así que esencialmente aquí está nuestra modulación de nuestro LFO2 a reverb wet. Puedo configurar la fuente auxiliar a la envolvente 2. Ahora recuerda, la envolvente 2 es gradual durante nueve segundos. Esto es lo que está modulando nuestra tabla de onda. Así que ahora, esa modulación de reverb del mix va a entrar gradualmente con esta envolvente y luego salir. Escucha. Aquí viene
¡Eso es un pad evolutivo! De nuevo, no te estoy diciendo qué hacer aquí, solo te estoy dando ejemplos. En lo que quieres enfocarte es en capas y modulación.
Ah, la escurridiza Pendiente del Filtro: el bigfoot de la síntesis. Algunos la han visto, la mayoría no la entiende del todo, pero nadie puede negar su existencia.
Aquí te explico cómo funciona y cómo usarla (en este punto, la analogía del bigfoot ya terminó).
¿O NO?
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Pendiente del Filtro. Creo que es algo que muchos usuarios de sintes realmente no entienden. E incluso cuando lo entendemos, no estamos seguros de cómo usarlo, para qué sirve. Así que te voy a decir qué es, pero más importante aún, te voy a mostrar un patch que lo hace realmente obvio. Y además, como es tan obvio, significa que es muy importante que elijas la pendiente correcta.
Primero lo primero, ¿qué es la pendiente? Echemos un vistazo a nuestro filtro aquí. Voy a bajar la resonancia por un segundo. Como sabes, un pase-bajo como este te permite cortar los agudos de tu sonido. Cuando tengo el cutoff completamente arriba, no hace nada. brillo total. Y luego, a medida que lo bajo, empieza a cortar los agudos de nuestro sonido haciendo que suene más redondo. Nuestro cutoff está justo por aquí.
Ahora, mucha gente asume que, ya sabes, sea cual sea tu cutoff, todo lo que está por encima simplemente se corta de golpe. Pero en realidad, es más bien un corte gradual, como puedes ver aquí. Nuestro cutoff está aquí y luego simplemente empieza a eliminar algunos agudos gradualmente. Nuestra pendiente determina qué tan pronunciado es eso. Este es un pase-bajo de 12 DB, si lo aumento a 18, se vuelve más pronunciado. Mira cómo aumenta esta línea. Auméntalo a 24. Como podrías imaginar, mientras más pronunciada la pendiente, más redondo se vuelve el sonido, ¿verdad?
Porque estamos cortando más agudos, una pendiente más pronunciada está eliminando más agudos. Entonces podrías pensar, y creo que mucha gente piensa, bueno, ¿por qué no simplemente, ya sabes, si quieres eliminar más agudos, en lugar de cambiar la pendiente, por qué no solo bajas el cutoff? Y tienes razón parcialmente. Sin embargo, en algunos casos realmente importa. Importa que cambies los agudos usando la pendiente en lugar del cutoff. Y este patch aquí es un gran ejemplo.
Este no es tu tutorial de sinte ordinario. Esto es Syntorial. Haciendo que programar sintes sea fácil, con entrenamiento tipo videojuego, enseñándote cómo programar patches de sinte de oído. Cada lección comienza con una demostración. Luego un reto interactivo, con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Entonces, con este patch. Ves que es una envolvente, modulando el cutoff de nuestro filtro, haciendo un sonido "EEUNG" con un montón de resonancia, mostrando realmente ese cutoff. Y esto es lo que yo había hecho. Esta fue una solicitud de patch en nuestro foro. Y alguien había publicado un patch que sonaba así. Y el mío sonaba así. Está muy cerca, pero la gran diferencia es que, como notarás, el patch oculto es más brillante.
Todo ese chisporroteo arriba. El mío es. así que estoy pensando, bueno, si el oculto es más brillante, el mío más oscuro, ¿debería simplemente aumentar la cantidad de mi envolvente de filtro, verdad? Para que comience más arriba. Consigo más brillo ahí. Entonces, eso es lo que intenté. Intenté aumentar esto. Así consigo, ya sabes, empezar mi filtro desde un punto más brillante. Bien. Así que era más brillante.
Comparemos eso. Ahora, logré el brillo, pero es diferente. Y más importante, ¿ese sonido EEUNG? ¿Verdad? Esa envolvente, movimiento, cutoff, resonancia, esa forma que está generando, ahora es diferente, el mío empezando más arriba que el oculto. Tiene más de eso en la parte superior, mientras que el de ellos es más de. Así que pierde ese carácter realmente importante. Entonces supe que eso no era correcto.
Y lo bajé de nuevo. Aún así, tenía este problema. El otro patch es más brillante. Entonces, ¿cómo puedo hacer esto más brillante, sin tocar mi cutoff? Y ahí fue cuando me di cuenta, la pendiente. Puedo bajar mi pendiente para hacer una caída más suave aquí. Y eso no cambiará mi cutoff ni mi resonancia en absoluto. Solo añadirá agudos encima. Así que veamos. Intentemos bajar a 18. Eso es mejor, 12. Ahí está. Escuchemos el oculto. Ahí está.
Así que ves esa forma. Esa forma de envolvente de cutoff y resonancia realmente importante, se mantiene exactamente igual, sin importar cuál sea mi pendiente. Pero mi pendiente me permite añadir o quitar brillo encima de eso. Demasiado brillante. Bien, bueno, espero que esto ayude a aclarar qué hace la pendiente del filtro y por qué querrías usarla.
¿Alguna vez pensaste "Oye, sería genial tener un video de 8 minutos que me muestre cómo sintetizar un bombo, caja y hi-hat desde cero"?
¡Pues hoy es tu día de suerte! Además, es un pensamiento muy específico. Qué raro.
Si te dan ganas de crear y compartir tu nueva pista de batería, únete a nosotros en el mundo de los posts del foro.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Baterías. Tenemos un bombo, caja y hi-hat, todo sintetizado en este caso usando Primer. Pero puedes usar prácticamente cualquier sinte.
Vamos a empezar con nuestro bombo. Suena así. Ahora voy a reiniciar esto para que podamos diseñarlo desde cero. Así suena como una diente de sierra simple. Es un tono muy, muy grave, Do menos uno. De hecho, es el tono que estoy tocando. Vamos a cambiar a una sinusoidal.
Ahora casi no vas a poder oírlo. Apenas se escucha. Para conseguir ese sonido de bombo, lo que hacemos es empezar con el tono muy alto y bajarlo muy rápido con una envolvente de modulación o, en este caso, una envolvente de pitch. Así que lo voy a subir al máximo. Y con un decaimiento bien largo, esto es lo que obtenemos.
Estoy tocando una nota bastante corta, así que esto es lo que suena si mantengo la tecla presionada. Ahora, cuando hacemos eso muy rápido, voy a ajustarlo a unos cuatro o cinco milisegundos, esa caída de tono empieza a sonar percusivo. Por alguna razón, ese tono que baja rápidamente da un sonido percusivo. Este es básicamente nuestro bombo.
Ahora voy a agregar un poco de distorsión. Para engordarlo un poco. Ahora, si mantengo la tecla presionada, obtienes esa nota al final. No queremos eso. Así que vamos a tomar la envolvente y hacerla bien corta. Así, podemos ajustarla con el release. Ahora, teníamos esa pequeña 'T' al inicio de nuestro sonido, podemos eliminarla si no la queremos aumentando un poco nuestro attack. Pero puede que la quieras.
Yo usé la sinusoidal, pero puedes usar otras formas de onda si quieres un sonido un poco más abierto y brillante, como aquí hay una onda de pulso, suena como si la fuéramos a filtrar. Casi un poco flojo, pero es simplemente un tono diferente. Diente de sierra, prueba triangular. Pero la sinusoidal te dará el más limpio. Así que ese es nuestro bombo.
Ahora pasemos a nuestro hi-hat. Es una combinación de ruido blanco y una onda de pulso media muy, muy aguda. Así que voy a reiniciar esto. Esto es lo que tenemos. Estoy tocando una nota muy aguda, Do7. Y vamos a empezar cambiando a una onda de pulso media. No es una gran diferencia, pero es un poco más... Un poco más de vibra metálica. Lo que estamos obteniendo de este oscilador es ese tono metálico que obtienes cuando golpeas un hi-hat real, porque están hechos de metal.
Luego, tenemos que acortarla bastante. Eso nos da un poco de ese ataque metálico y luego podemos aplicarle un pase-alto. Estamos quitando todos los graves que podamos. Solo nos quedamos arriba en esta parte bien pequeña. Y luego subimos nuestro ruido. Apago el oscilador. Solo hay ruido. Así ves cómo se combinan para crear ese tono metálico y el shh-shh real que queremos en el hi-hat.
Ahora me gusta bajar esto un poco para que ese pequeño tono metálico no sea tan notorio. Para hacer eso en Primer, voy a apagar el oscilador dos y empezar a girar la mezcla alejándola del oscilador uno. Así que es todo ruido blanco. Depende de ti. ¿Cuánto de ese metálico quieres ahí? A mí me gusta que sea bastante sutil.
Un detalle más que quiero mencionar sobre los hi-hats es el volumen. Ahora mismo es muy rígido. Cada hi-hat tiene el mismo volumen. Pero es más común tener el volumen variando para que algunas notas sean más fuertes que otras. Esto crea un poco de rebote en nuestro groove.
Podemos hacer esto enrutando nuestra velocidad al volumen. Vamos a hacerlo al máximo. Y ahora cuando grabé este hi-hat, golpeé algunas notas más fuerte que otras. Así es como suena. Tiene un poco más de rebote. Comparado con cuando no hay nada, todo fuerte ahora. Es sutil, pero realmente lo puedes sentir. Y ese es un aspecto importante del hi-hat.
Ahora, la caja. La caja en realidad consiste en dos sonidos diferentes. Tienes el tambor, algo así como un bombo, y luego tienes el wash. Combinas esos dos para crear nuestra caja. Empecemos con el tambor. Por sí solo, suena así. Y para hacer esto, literalmente solo tomé nuestro bombo, que es este, y lo toqué a un tono más alto.
Entonces, si el bombo lo estaba tocando en Do menos uno, ahora estoy tocando exactamente el mismo preset en Do cero. Y luego bajo un poco el decaimiento para hacerlo más corto. Sí. Esa es la parte de tambor de nuestra caja. Casi idéntico al bombo. Ahora voy a traer el wash.
La caja y esto... Es simplemente ruido blanco que ha pasado por un pase de banda. Así que si reinicio esto primero, voy a apagar nuestra diente de sierra, subir nuestro ruido blanco hasta aquí más o menos. Y luego queremos darle forma. Tal vez un poco más largo. Y luego... Y me gusta un poco de distorsión en esto también, solo para hacerlo más agresivo. Ahora traigo el tambor de vuelta. Ahí están juntos. Aquí está solo el tambor. Ahora, el wash. Ahora, todo el bombo. ¡Baterías!
Look at me! I’m posting about #PatchFriday on the blog!
Esta semana se trata de la modulación de frecuencia y la diversión vertiginosa que viene con hacer gruñir un sinte. ¡Es gracioso porque los sintes no gruñen! Estás pensando en leones, error común.
Siéntete libre de conversar entre ustedes en la sección de comentarios.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Gruñido con Operator. Hay un millón de formas de hacer esto. Todas suenan diferente por las distintas formas de onda usadas, las distintas distorsiones usadas, ya sabes, lo que sea. Hay muchas formas de hacerlo, así que aquí va solo una. Voy a deconstruir esto, apagar todo.
Empecé con una onda cuadrada. Queremos algo bonito y brillante así, y ajusté el nivel hasta cero y bajé el volumen principal. Me gusta tener esto en cero; me ayuda, ya sabes, a entender un poco mejor cómo están interactuando porque todo se trata de los volúmenes de los diferentes operadores.
Y lo subí de tono a dos porque eso nos permitirá poner un operador una octava abajo y luego otro operador una octava más abajo. ¿Por qué? Bueno, porque de ahí viene nuestro gruñido. Así que si traigo este segundo operador, lo ajusto a saw 64, me gustó cómo interactuaban esos dos.
De nuevo, puedes experimentar con las formas de onda que quieras. Esto está una octava más abajo. Empezamos a conseguir algo de gruñido. Escuchemos. Ahora, lo haremos de nuevo con este tercer operador otra octava más abajo. Este es cuadrada. Ahora sí estamos gruñendo. Así que ese es nuestro sonido base.
Ahora queremos moldearlo y hacerle cosas. Filtro. Entonces, esto nos da ese wow, ¿verdad? Ajustamos un cutoff muy bajo y nuestra envolvente tiene un ataque bastante rápido, la parte wah y luego un decaimiento lento, un wow, así mismo. La envolvente aquí; la ajusté casi a la mitad. Sin embargo, una razón por la que me gusta este OSR es porque nos da filter drive. Sin eso, bueno, igual gruñe, pero eso realmente lo empuja, lo satura, suena bien. Buscamos conseguir agresividad de donde sea posible.
Así que conseguimos algo de gruñido de aquí, conseguimos algo de saturación y distorsión del filter drive. Ahora, agreguemos nuestro movimiento de tono. Esto es bastante simple; puedes ir con un tono descendente o ascendente. Yo fui con un tono descendente y lo subí a alrededor del 46% y luego solo alargué el decaimiento, así que conseguimos un... Bueno, ahí está el sonido básico, pero no es lo suficientemente sucio, así que metemos vinyl distortion.
Me gusta esto porque te permite ubicar en el espectro de frecuencia dónde quieres esa distorsión. Me gusta justo ahí. O sea, puedes hacerlo en cualquier lugar. Me gusta ahí, y también lo ensanché. Estaba así. El drive está súbelo al máximo, y tienes que tener en cuenta que su volumen aquí realmente importa; mientras más alto sea el nivel que entra aquí, más distorsión vas a conseguir, así que no quieres ni muy poco ni demasiado.
Bájalo, si realmente quieres hacerlo más sucio, pero me gusta justo por aquí. Y luego, ambiente, y simplemente usé su preset llamado ambience para esto, ajusté el dry/wet.
En este tutorial de sinte, Joe Hanley, el creador de Syntorial, te guiará paso a paso mientras crea un patch de bajo estilo analógico. No olvides descargar el patch de Monark aquí abajo:
Hola, soy Joe Hanley, creador de Syntorial, y bienvenido a un tutorial rápido de sinte sobre cómo crear un bajo gordo estilo analógico. Así es como suena. Es un patch muy sencillo, no requiere toneladas de programación. Pero es una colección de cambios muy sutiles, y algunos cambios en los que mucha gente ni siquiera piensa. Y es un tono muy buscado: ¿cómo conseguimos ese bajo analógico gordo y cálido, especialmente desde un soft synth?
Este no es un tutorial de sinte cualquiera. Esto es Syntorial. Haciendo que programar sintetizadores sea fácil. Con un entrenamiento tipo videojuego, enseñándote cómo programar patches de sinte de oído. Cada lección comienza con una demostración, luego un reto interactivo con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba hoy el galardonado Syntorial.
Ahora bien, este es un soft synth modelado según el sintetizador analógico Moog. Se llama Monark de Native Instruments, pero hay montones de sintes como este. Y realmente, para conseguir este sonido, solo necesitas un sinte que tenga un filtro estilo analógico con una opción de filter drive, de lo que hablaré en un segundo. Muy bien.
Primero, voy a inicializar esto, para que tengas un sonido simple... Y voy a aumentar nuestro rango una octava. Y podría haber tocado más arriba en el teclado, pero tuve que hacer esto porque más adelante vamos a entrar en key-tracking y depende de este ajuste. Ahora mismo tenemos una onda cuadrada. Pero quiero usar un diente de sierra. Una cuadrada también funcionaría, pero después de todos los ajustes, verás cómo este diente de sierra realmente nos da ese sonido de sinte cálido, clásico y auténtico.
Ahora, para conseguir nuestro sonido de bajo, necesitamos quitar algunos agudos para que nuestro sonido esté más enfocado en los graves, así que... Bajemos el cutoff. Y ahora tenemos un bajo simple y redondeado. Esto está bien. Es bueno para un grave sutil. Es genial para mezclar con otros sonidos de bajo. Digamos que has creado un sonido de bajo que tiene mucha más personalidad. Es más brillante, pero le faltan graves. A veces un sinte simple estilo analógico con un diente de sierra y el cutoff bajo mezclado te da esos buenos graves.
Pero queremos que este sonido en sí sea un poco más notable y mucho más gordo, y ahí es donde entra nuestro filter drive. Ahora, en este sinte lo llaman "load", pero es la misma idea. Estamos aumentando el nivel de sonido que entra en nuestro filtro. Así que escucha. Oyes este overdrive. Un poco de distorsión cálida que sale del filtro. Los filtros estilo analógico aman ser saturados. Oh, qué sonido tan bonito.
Esta es realmente la clave para obtener un carácter analógico de un filtro analógico. Todo se trata de este filter drive. Y ves esto en otros sintes, así que nuestro ejemplo sería Sylenth1. Tiene un filtro estilo analógico realmente bueno, y su filter drive te da la misma distorsión, el mismo overdrive. Así que esa es realmente la clave para conseguir ese tono analógico.
Pero hay otras cosas sutiles que podemos hacer para conseguir un sonido más gordo. Una es aumentar nuestro amp release solo un poquito. Entonces, en este sinte tenemos attack, decay, sustain, pero no hay opción de release, lo cual, sí, es un poco raro ¿verdad? Bueno, sí hay una opción de release, está oculta. Y si activo estos interruptores, nuestra perilla de decay lo controla. Así que lo que sea que esté ajustada nuestra perilla de decay, también establece un tiempo de release.
Así que ahora mismo, cuando suelto una tecla... Se corta muy abruptamente. Si lo aumento solo un poquito. Simplemente elimina ese corte incómodo. Si lo aumento mucho. Escuchas la nota desvanecerse con el tiempo. En cero. Es algo antinatural, pero también hace que el sonido sea un poco más pequeño. Con esta cola diminuta, simplemente crea un poco más de sonido, y en realidad crea notas más gordas.
Es una de esas cosas realmente sutiles en las que nunca pensarías cuando buscas un sonido gordo. También imita un bajo eléctrico real un poco más. Ya sabes, cuando detienes una nota, no es cero milisegundos, es el mundo real ¿verdad? La cuerda deja de vibrar rápidamente, pero hay una cola diminuta. Así que conseguimos un poco más de un sonido humano y real aquí.
Siguiente. De nuevo, para conseguir un sonido más real y darle algo de carácter sutil, queremos que la nota comience un poco más brillante y luego se oscurezca. Queremos agregar un transitorio de ataque sutil. Podemos hacer eso con nuestra envolvente de filtro. Así que voy a subir nuestro decay primero. Todavía no pasará nada. Pero si aumento el contour, lo voy a hacer mucho para que realmente puedas escuchar qué sucede.
Lo que sucede es que nuestro contour establece un punto de cutoff más alto para que nuestro sonido comience ahí. Y nuestro decay lo lleva desde ese punto más brillante hasta nuestro cutoff. Si aumento nuestro decay, tomará más tiempo. Pero queremos algo bastante rápido, para que esté solo al comienzo de nuestro sonido. Hagámoslo por aquí. Y no queremos que se ponga tan brillante. Es solo ese pequeño transitorio al principio. Ahora es un poco más tocable. No es tan estático, no es tan rígido. Simplemente se siente mejor.
Ahora, recuerda lo que dije antes: en realidad estaba comenzando como una cuadrada. Bueno, probemos con cuadrada a ver cómo suena. Suena bastante bien. Tiene una sensación un poco más pesada, pero... Hay algo en cómo el diente de sierra interactúa con el cutoff. Simplemente nos da mejores graves. Por eso elegí el diente de sierra. Muy bien, así que aquí tenemos un bonito bajo analógico gordo. Tiene un poco más de expresividad gracias a nuestro filtro y nuestro amp. Suena bien.
Pero digamos que queremos ir un paso más allá, queremos hacer algunos rellenos de bajo con esto. Queremos ser un poco más notorios, pero no queremos perder esos graves. Key-tracking. El key-tracking, cuando activamos ambos interruptores, hará que las notas altas sean significativamente más brillantes que las notas bajas. Así que aquí está mi nota baja sin key-tracking. Es un poco más brillante. Pero este cambio es bastante sutil. Ahora comparemos la nota alta. Mucho más brillante. Así que ahora todavía tengo estas notas bajas. Cuando salto ahí arriba, la nota realmente destaca. Y como obtuve un poco de brillo extra en esa nota baja, voy a bajar el cutoff. Así que ahora tengo mis graves para ese bajo gordo y luego estos bonitos... rellenos gordos arriba.
Y luego voy a aumentar la resonancia un poquito. Y lo que esto hace es, básicamente hace dos cosas. En realidad hace que la nota baja sea un poco más retumbante, un poco más grave, y hace que las notas altas estén un poco más definidas y puntiagudas, así que, primero escuchemos la nota baja. Lo voy a subir para que realmente puedas oír. Es sutil pero casi añade este retumbo por debajo. Así que eso es bueno, ahora ¿qué pasa con la nota alta? ¿Lo escuchas? Básicamente las define un poco. Las hace un poco más puntiagudas. Solo queremos algo sutil.
¿Por qué está pasando esto? Bueno, nuestra resonancia aumenta nuestro sonido en nuestro punto de cutoff. Así que si tu cutoff está bajo, obtendrás un aumento en los graves. Si tu cutoff está en el medio, obtendrás un aumento en los medios, etcétera. Pero tenemos el key-tracking activado ¿verdad? Así que aunque nuestra perilla esté ajustada aquí, cuanto más alto tocamos, más alto está realmente nuestro cutoff. Así que cuando toco esa nota baja. Estoy obteniendo un aumento en los graves. Cuando toco la nota más alta. Estoy obteniendo un poco más de aumento en los medios, así que le está dando forma en lugar de graves.
De nuevo, un cambio simple pero realmente sutil. Son este tipo de cosas las que separan, ya sabes, los patches aceptables de los grandes patches, estos pequeños toques finales. Y por último, queremos agregar un poco de actitud a esas notas altas superiores. Aumentemos nuestro glide para que las notas se deslicen entre sí. Eso es un poco demasiado. Compara.
Simplemente se deslizan entre sí, adquieren un poco de actitud. El problema es cuando quiero volver a bajar. Toma un tiempo. Así que si activo legato. Cuando toco notas por separado, con espacio entre ellas. Sin deslizamiento. Pero cuando las conecto. Se deslizan. Así que ahora con mi ejecución, puedo elegir cuándo entra el glide y cuándo no. Así que puedo... Puedo conectar las notas superiores para obtener ese deslizamiento, y separar las notas bajas para poder saltar de vuelta a ese bajo pesado. Así que ahí lo tienes, un bonito bajo analógico gordo y tocable.
Este no es un tutorial de sinte cualquiera. Esto es Syntorial. Haciendo que programar sintetizadores sea fácil. Con un entrenamiento tipo videojuego, enseñándote cómo programar patches de sinte de oído. Cada lección comienza con una demostración, luego un reto interactivo con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba hoy el galardonado Syntorial.
Mira a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras demuestra cómo dibujar una forma de onda distorsionada en el Editor de Wavetable de Serum. En este extracto del Paquete de Lecciones de Serum, veremos exactamente qué le hace la distorsión a la forma de una onda.
Consigue 4 videos más de Serum gratis a través de la Demo de Syntorial.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
En este video, veremos cómo dibujar una forma de onda distorsionada en el editor de wavetable de Serum. Así que veremos exactamente qué le hace la distorsión a la forma de una onda. Y personalmente, esto me parece fascinante.
Este video es en realidad un extracto del Serum Lesson Pack para Syntorial. Syntorial es una app de entrenamiento de sintetizador que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo hace combinando demostraciones en video con retos interactivos en los que programas patches en un sinte virtual integrado.
El Serum Lesson Pack añade 55 videos que te muestran cómo aplicar todo lo que aprendes en Syntorial a Serum, además de cubrir todas las muchas funciones adicionales que Serum ofrece. Y puedes conseguir los primeros cuatro videos del Serum Lesson Pack gratis yendo a syntorial.com, haciendo clic en Try For Free y descargando la demo de Syntorial para Mac, PC o iPad. Esta incluye las primeras 22 lecciones de Syntorial y también los primeros cuatro videos del Serum Lesson Pack.
Una vez que descargues Syntorial, simplemente ve a este desplegable, Download Lesson Packs, y verás este Serum Lesson Pack arriba. Solo haz clic en el botón Download. También tenemos paquetes de lecciones para Massive, Sylenth y un par más. Y como dije, la demo incluirá los primeros cuatro o cinco videos de cada uno de estos paquetes. Cuando compras Syntorial, todos los paquetes y todos sus videos están incluidos. Bien, vamos al extracto.
Empecemos con la distorsión. Al final del día, la distorsión nos da básicamente dos tipos de sonidos. Puede crear esta especie de distorsión cálida de saturación de válvulas, o puede crear esta distorsión desagradable, áspera y zumbante en los agudos. Y para dibujar estas formas, necesitamos entender mejor qué está haciendo realmente la distorsión a nuestra forma. Así que aquí tenemos un osciloscopio.
Un osciloscopio simplemente nos muestra la forma de onda real de cualquier sonido que pase por él. Así que ahora mismo tengo una diente de sierra simple, entonces cuando toco una nota, verás dientes de sierra. Voy a poner una distorsión para que puedas ver visualmente qué le hace al sonido. Primero empezaré con algo de filtrado, y pongamos drive en cero, ¿qué obtenemos? Vale, hemos redondeado esos giros bruscos. Ahora mira la forma mientras aumento el drive. Se vuelve más parecida a una cuadrada. Esa es más o menos la esencia de este tipo de distorsión cálida de válvulas. Simplemente añade una tendencia cuadrada a tu forma, y pondrá esa distorsión cálida de válvulas.
Probémoslo con una forma de onda aleatoria. Entremos aquí y voy a dibujar a mano alzada. Vale, ahí está nuestro sonido. Añadamos nuestra distorsión, sin drive. Mira esta gran cuadrada que se le añadió. Todavía tenemos otras cosas pasando ahí, porque es una forma de onda mucho más compleja que una diente de sierra, pero de nuevo, hemos puesto una tendencia cuadrada. Así que si queremos crear una forma de onda que tenga algo de esa calidez distorsionada de válvulas, necesitamos dibujar esta tendencia cuadrada.
Así que para dibujar una distorsión, me gusta empezar con una cuadrada. Y luego la voy a desplazar un poco para que podamos ver todos los bordes. Y voy a dibujar a mano alzada una especie de redondeado de estas esquinas afiladas. Así que ahora, en lugar de tener esta cuadrada muy limpia, tenemos esta cuadrada ligeramente redondeada. Y tiene un bonito sonido distorsionado. Esto es similar a lo que obtuvimos cuando subimos el drive al máximo en la unidad de distorsión.
Ahora podemos jugar con esto e intentar crear un sonido que quizás no suene tan típicamente cuadrado, pero que aún tenga ese cuerpo distorsionado. Como si le doy una inclinación más pronunciada aquí, ahora es como una diente de sierra distorsionada. O si recuerdas uno de esos resultados finales de esa forma aleatoria que hice, tenía un elemento extra ahí como esto. Así que todavía tiene ese bonito cuerpo cuadrado de válvulas, pero ahora también estamos añadiendo y editando nuestros agudos.
Y esa es la clave aquí, ¿sabes?, ¿puedes cambiar esta forma de onda sin perder ese cuerpo distorsionado? Así que quitemos eso. Para tener un sonido agradable y suave. Y ese segundo tipo de distorsión, mencioné esa aspereza en los agudos. Encuentro que la mejor forma de añadirla es simplemente con algunas formas irregulares aleatorias.
Así que volvamos a nuestra forma redonda y cuadrada. Y podemos añadir algo, y empezamos a conseguir ese zumbido en los agudos ahí. De hecho, podemos aplicarlo en toda la forma con este ruido aquí. Y cuando estás en cero cero, si simplemente hago clic aquí y arrastro arriba y abajo, no consigo mucho. Así que lo que quieres hacer es moverte arriba y abajo mientras vas del lado izquierdo al derecho así. Y si quiero más, simplemente quiero moverme arriba y abajo un poco más alto en la pantalla así. Y eso es dibujar distorsión. A continuación quiero hablar sobre crear sonidos 8-bit y Lo-Fi...
Para ver el resto de este video y los otros 54 videos de Serum, necesitarás el Serum Lesson Pack para Syntorial. Pero de nuevo, puedes conseguir los primeros cuatro videos gratis. Si descargas esta demo del tutorial aquí y luego en Syntorial, vas a Download Lesson Packs, y, Download This Lesson.
Mira a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras demuestra cómo hacer una rueda de modulación de dos niveles en Serum. En este fragmento del Paquete de Lecciones de Serum, aprenderás a configurar la rueda de modulación para activar un tipo de modulación con su mitad inferior y otra modulación con su mitad superior.
Consigue 4 videos más de Serum gratis a través de la Demo de Syntorial.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
En este vídeo te voy a enseñar cómo hacer una rueda de modulación de dos niveles en Serum. A lo que me refiero es a una rueda de modulación cuya mitad inferior activa una modulación y luego la mitad superior activa otra. Para aprender esto, vamos a ver las curvas de modulación así como la fuente auxiliar de modulación.
Este vídeo es en realidad un fragmento del paquete de lecciones de Serum para Syntorial. Syntorial es una app de entrenamiento de sintetizadores que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo hace combinando demostraciones en vídeo con retos interactivos en los que programas patches en un sinte integrado.
El paquete de lecciones de Serum añade 55 vídeos que te muestran cómo aplicar todo lo que aprendes en Syntorial a Serum, además de cubrir todas las muchas características adicionales que Serum ofrece. Y puedes conseguir los primeros cuatro vídeos del paquete de lecciones de Serum gratis yendo a Syntorial.com, haciendo clic en Pruébalo Gratis, y descargando la demo de Syntorial para Mac, PC o iPad.
Incluye las primeras 22 lecciones de Syntorial pero también los primeros cuatro vídeos del paquete de lecciones de Serum. Una vez descargues Syntorial, simplemente ve a este menú desplegable, descarga paquetes de lecciones, y verás el paquete de lecciones de Serum arriba del todo. Solo tienes que hacer clic en el botón de descarga. También tenemos paquetes de lecciones para Massive, Sylenth y algunos otros, y como dije, la demo tendrá los primeros cuatro o cinco vídeos de cada uno de estos paquetes. Cuando compras Syntorial, todos los paquetes y todos sus vídeos están incluidos. Muy bien, vamos con el fragmento.
Y luego tienes estas cajas de curva. Entonces, lo que hace la curva es que hace que la fuente pase más tiempo en la parte superior o inferior de su rango de modulación. Por ejemplo, digamos que ruteo el LFO. Ahora, si curvo esto hacia arriba, lo que termino haciendo es como empujarlo hacia la parte superior del rango, así que ahora va a pasar más tiempo cerca de la parte superior. ¿Ves cómo se queda arriba y simplemente baja y vuelve a subir? ¿Y si hago lo contrario? Ahora lo he empujado hacia abajo.
Pasa más tiempo abajo en la parte inferior y simplemente sube y baja desde arriba. Esta curva también va bien para la rueda de modulación, así que digamos que ruteo nuestra rueda de modulación al cutoff y también lo haré para la resonancia. Entonces, quizás quiero poder moverme más despacio por este rango inferior; como la mayor parte del trabajo con mi rueda de modulación, quiero que esté por aquí, y luego tener la opción de dispararlo hasta arriba cuando lo necesite.
Bueno, la curva al rescate. Ahora puedo mover la rueda de modulación bastante drásticamente y el cutoff, ya sabes, se queda en esta zona inferior. Pero tengo esa opción, de vez en cuando puedo coger un valor alto. Y si lo hago muy extremo, hasta arriba del todo, ahora cuando está completamente abajo, estoy bien. Solo tengo que moverlo apenas hacia arriba y salta hasta arriba. Así que convierte tu rueda de modulación en un interruptor de encendido/apagado.
Siguiente, cantidad de LFO. Entonces, no hay cantidad de LFO ahora, ¿verdad? No hay perillas de cantidad de modulación. La cantidad de modulación siempre se hace en el destino mismo, ¿no? Entonces, lo que necesitamos hacer es modular este ajuste de cantidad, pero no puedes simplemente arrastrar una fuente a estas perillas pequeñas. En su lugar, vamos a la matriz, vemos nuestra configuración actual de LFO modulando el cutoff, vamos a esta sección aquí, fuente auxiliar.
Lo que se configure como fuente aquí ahora controlará la cantidad aquí, así que si mi rueda de modulación está completamente abajo tengo cantidad cero, sin modulación, pero a medida que subo mi rueda de modulación va a aumentar la cantidad de modulación hasta este punto. Es un buen diseño, porque ahora puedes modular cualquier cantidad de modulación configurada aquí ajustando tu fuente auxiliar aquí.
Ahora, esta caja de curva aquí, es lo mismo, pero funciona sobre la fuente auxiliar. De nuevo, esto es genial para la rueda de modulación. Digamos que tengo un rollo de vibrato. Y ruteo mi rueda de modulación aquí, así que ahora bueno, puedo curvarlo. Quizás solo quiero activarlo de golpe. Déjame darle un poco más.
Veamos un ejemplo, un ejemplo interesante de esto en uso, la verdad. Estas dos filas aquí me parecen interesantes. Nuestra rueda de modulación está controlando nuestra cantidad de LFO y esta rueda de modulación también está controlando esta cantidad de LFO, pero hay dos destinos diferentes; uno va al master tune y otro al nivel de ruido, y tienen curvas opuestas para la rueda de modulación.
Lo que esto significa es que cuando subo mi rueda de modulación solo un poquito, esta curva va a saltar hacia arriba. Entonces, enseguida voy a acercarme a mi ruido máximo, y vas a oír que entra el ruido. Por ahí, oyes ese tipo de hhhhg. Pero esto está curvado al revés. Así que esta pequeña cantidad apenas creará este vibrato, este LFO del master tune.
A medida que empujo la rueda de modulación más arriba, entonces empezarás a oír que entra eso. Así que es como una rueda de modulación de múltiples capas; súbela un poco para ruido, un poco más para vibrato.
Para ver el resto de este vídeo y los otros 54 vídeos de Serum, necesitarás el paquete de lecciones de Serum para Syntorial, pero de nuevo, puedes conseguir los primeros cuatro vídeos gratis si descargas la demo de Syntorial aquí y luego en Syntorial, ve a Descargar Paquetes de Lecciones, y descarga el paquete de lecciones de Serum.
Mira a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras demuestra el modo Envelope y punto Loopback del LFO de Serum. En este extracto del Paquete de Lecciones de Serum aprende a usar estos juntos para obtener un híbrido de LFO y Envelope, también conocido como LFEnvelope.
Consigue 4 videos más de Serum gratis a través de la Demo de Syntorial.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
En este video, te voy a mostrar cómo funcionan el modo Envelope del LFO y los Loopbacks. Cuando los usamos juntos, podemos crear un Envelope de LFO híbrido, o como me gusta llamarlo, LFEnvelope. Este video es en realidad un extracto del Serum Lesson Pack para Syntorial.
Syntorial es una aplicación de entrenamiento de sintetizadores que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo hace combinando demostraciones en video con retos interactivos en los que programas patches en un sinte virtual integrado. El Serum Lesson Pack añade 55 videos que te muestran cómo tomar todo lo que aprendes en Syntorial y aplicarlo a Serum.
Además de cubrir todas las muchas funciones adicionales que Serum tiene para ofrecer. Y puedes obtener los primeros cuatro videos del Serum Lesson Pack gratis yendo a Syntorial.com, haciendo clic en Try For Free y descargando el demo de Syntorial para Mac, PC o iPad. Este incluye las primeras 22 lecciones de Syntorial, pero también los primeros cuatro videos del Serum Lesson Pack. Una vez que descargues Syntorial, simplemente ve a este menú desplegable, descarga de paquetes de lecciones, y verás el Serum Lesson Pack en la parte superior. Solo haz clic en el botón de descarga. También tenemos Lesson Packs para Massive, Sylenth y un par más.
Y como dije, el demo tendrá los primeros cuatro o cinco videos de cada uno de estos paquetes. Cuando compras Syntorial, todos los paquetes y todos sus videos están incluidos. Bien, vamos con el extracto.
El modo Envelope recorre nuestro LFO solo una vez. Va de aquí a aquí y luego se detiene en este valor. Así que básicamente lo convierte en una envolvente, ¿verdad? Porque nuestra envolvente solo se ejecuta una vez. Y entonces, esto nos permite crear formas de envolvente realmente únicas. Ya sabes, con la envolvente estamos limitados a lo que nos dan, un ADSR estándar con hold. Aquí podemos hacer lo que queramos. Así que veamos algunos ejemplos.
Entonces este LFO está asignado a este sync warp. En normal, escuchas cómo hace "Yip"? A este valor, pero solo está ahí una fracción de segundo. Y luego comienza de nuevo. Solo se repite una y otra vez. Pero una envolvente, se queda ahí. Otro ejemplo. Este LFO está enrutado a nuestro volumen. Y lo que obtenemos es este LFO creando esto y luego subiendo. Y luego nuestra envolvente de amplitud regular mantiene nuestro volumen en la cima por un rato para permitir que esto se escuche, y luego se desvanece eventualmente.
Así que obtienes dos envolventes de amplitud, esencialmente. Obtienes una con la forma única y otra con la forma estándar, simplemente, como de gate de retención. Ahora, dentro de esta envolvente hay un par de funciones. Tenemos puntos de loopback. Entonces, lo enrutaré a ti. Bien, entonces vayamos al modo envelope. Muy bien, solo una vez. Pero si establezco un punto de loopback en esta nota aquí. Ves que aparece una pequeña "L" ahora. Ah, entonces ejecuta todo el LFO una vez y luego se repite desde el punto de loopback. Puedo ponerlo en una nota diferente, y ahora hará loop desde aquí. Puedo moverlo. Así que efectivamente obtenemos un LFO y una envolvente en uno.
Gran ejemplo de esto en uso... Entonces este LFO está mayormente en esta posición de tabla de onda. Y casi puedo garantizar que esto fue un sample real, como un soplido de botella, como un "Hoo" cuando soplas sobre la parte superior de una botella de vidrio. Lo importaron, porque la primera parte de esta tabla de onda es el ataque. Cuando pasas sobre esta área rápidamente, es ese, es ese soplido inicial. El transitorio de ataque del soplido de botella. Luego esto es todo el cuerpo.
Ahora... Lo que obtenemos aquí es este barrido rápido. Bien, este "shoom" que nos da ese transitorio de ataque. Y luego nos movemos arriba y abajo y hacemos loop a través de esto. Bien, ¿cuál es el punto del loop? Vamos a quitarlo. Ves, es el movimiento de esta tabla de onda. ¡Oh! Perdón. Entonces, cuando lo mueves, es cuando obtienes ese tipo de sonido aéreo.
Así que el movimiento es realmente importante para el sustain de esto. Pero con un LFO regular, escucharíamos este ataque. Una y otra vez. Entonces, solución perfecta. Escuchamos el ataque una vez porque estamos en modo Envelope, y luego hacemos loop solo para el cuerpo. Podemos aplicar este mismo principio...
Para ver el resto de este video y 54 videos más de Serum, necesitarás el paquete de lecciones de Serum para Syntorial. Pero de nuevo, puedes obtener los primeros cuatro videos gratis si descargas el demo de Syntorial aquí, y luego en Syntorial, ve a descargar paquetes de lecciones. Y descarga la lección de Serum.
Mira a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras te guía por las tablas de onda de Massive y sus controles relacionados. Para orientarte en la enorme lista de tablas de onda de Massive, revisa la herramienta de tablas de onda de Massive por atributo.
Este video es un extracto del paquete de lecciones de Massive para Syntorial, que contiene 41 videos, más de 2 horas de material y cubre cada rincón de Massive. Consigue 4 videos más de Massive gratis a través de la demo de Syntorial.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
En este video, voy a mostrarte cómo funcionan las tablas de onda, la posición de tabla de onda y la intensidad en Massive. Y voy a ir más allá del manual. En lugar de hablar de esto desde un punto de vista matemático, te lo voy a explicar de forma más musical y práctica. Así sabrás por qué realmente usarías estas cosas en un sentido musical. ¿Qué efecto tendrá en tu sonido?
Este video es un extracto del paquete de lecciones de Massive para Syntorial. Syntorial es una app de entrenamiento de sintetizadores que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo hace mediante demostraciones en video y retos interactivos en los que programas patches en un sinte integrado. El paquete de lecciones de Massive añade 41 videos que te muestran cómo aplicar lo que has aprendido en Syntorial a Massive.
Puedes obtener los primeros cuatro videos gratis yendo a Syntorial.com. Haz clic en el enlace de prueba gratuita y descarga la demo de Syntorial para Mac, PC o iPad. Esa demo incluye las primeras 22 lecciones de Syntorial, además de una muestra de cada paquete de lecciones. Ve al menú desplegable de descargar paquetes de lecciones, y verás ahí arriba el paquete de lecciones de Native Instruments Massive. Descárgalo y obtendrás los primeros cuatro videos. También tenemos paquetes de lecciones para Sylenth1, Z3TA+ 2 y el Minimoog Voyager, al momento de hacer este video.
Empecemos. Tablas de onda de Massive, parte dos. Como ya sabes, tienes un montón de opciones de tablas de onda en Massive. Al final, todo se reduce a experimentar, probarlas, familiarizarte con ellas y encontrar el sonido que funcione para el patch que estás haciendo. Pero con tantas, casi empieza a sentirse como si estuvieras trabajando con presets.
Es difícil saber exactamente cómo van a sonar como sabemos cómo suenan una diente de sierra y una cuadrada. Así que descubrí que recategorizarlas según atributos sonoros ayuda mucho a entender y asimilar todas las opciones de tablas de onda que tenemos aquí. Las categorías predeterminadas no son muy útiles. Así que hice las mías. Puedes revisarlas en el sitio web de Syntorial.
Verás que están agrupadas en nueve categorías como distorsionado, metálico y órgano. Simplemente haz clic en una casilla y te mostrará las tablas de onda que tienen ese atributo en Massive. Veamos algunos ejemplos de cada categoría. La primera es sustractiva, que ya cubrimos. Ahí tenemos Square-Saw, Sin-Triangle o Sin-PWM.
La siguiente categoría es metálico. Son tablas de onda con ese tono metálico que puedes obtener de FM o ring mod, como Escalation o Sonic. La siguiente categoría es distorsionado. Son formas de onda que suenan como si hubieran pasado por distorsión. La primera son estos Drives, o un ejemplo más agresivo con Dirty Needle. Y la perilla de posición simplemente da un tono diferente dentro de esa distorsión.
La siguiente categoría es bitcrushed. Si recuerdas el Bitcrusher que está aquí abajo, es un tipo de distorsión digital muy agresivo, casi como papel, diferente de la distorsión cálida a la que estamos acostumbrados. Un par de ejemplos son Crusher, o justo debajo Reducer. La siguiente categoría es formante. Son tablas de onda con un sonido vocal, como de vocales. Revisemos un par: Gentle Speech, donde la perilla de posición cambia la vocal. O justo debajo Modern Talking. Esta también tiene un sonido metálico o distorsionado. Así que podrías ponerla en varias categorías.
La siguiente categoría es cuerda. Estas tablas de onda tienen la textura de una cuerda eléctrica. Como un bajo eléctrico, una guitarra, un Rhodes o un clav. Las dos más obvias son Guitar Pulse y E-Bass pulse. Una textura muy de cuerda. Additive mix V, si bajas la perilla de posición completamente, obtenemos un tono de bajo eléctrico. O con Roughmath-I, obtenemos un sonido muy de clav. Y con Herbie, obtenemos un sonido tipo Rhodes. La siguiente categoría es órgano. Tienes algunas tablas de onda que simplemente suenan a órgano, como estos Flenders.
La siguiente categoría es multi. Son tablas de onda que contienen múltiples notas. Como Polysaw, donde la perilla de posición cambia las notas. O Multiplex. Y la última categoría es disonante. Son tablas de onda que suenan realmente caóticas, como Camchord. Suena como un timbre de teléfono antiguo demente, o Cicada. Como puedes ver, muchas de estas tablas de onda tienen mucha personalidad. Es casi como si parte de la programación ya estuviera hecha. Algunas están algo distorsionadas, otras suenan tipo FM. Así que en algunos casos no tendrás que programar tanto si encuentras una tabla de onda que te dé parte del sonido que buscas.
Ahora, sabemos qué hace esta perilla de posición. Nuestra tabla de onda contiene varias formas de onda y la perilla de posición simplemente recorre esas formas de onda. ¿Pero qué está haciendo realmente con el sonido? Al final, ¿cuál es el efecto resultante en nuestro sonido? Bueno, en algunos casos, cambia entre formas de onda muy distintas entre sí. Como Square-Saw. O esta Carbon. Varias formas de onda con sonidos diferentes dentro de esta posición. Realmente cambia conforme mueves la perilla.
Otro ejemplo es cambiar el tono real. Como vimos con Polysaw. En algunos casos, obtenemos un efecto de desplazamiento armónico. Como cuando usas algo como Hard-Sync, que realmente mueve uno de los osciladores sincronizados. O con Additives, obtenemos el mismo tipo de efecto. Es como si estuviéramos cambiando el tono de un oscilador FM. En otros casos, esta posición actúa como un pase-bajo. Como con la tabla de onda Acid. Simplemente obtenemos un efecto de redondeo. O con una tabla de onda estilo formante, simplemente cambia la vocal.
De nuevo, en realidad no está haciendo estas cosas. Simplemente está recorriendo las formas de onda dentro de la tabla de onda. Entonces, por ejemplo, para la sincronización del oscilador, esta tabla de onda HardSync no está haciendo ninguna sincronización real de osciladores ni cambiando el tono de un oscilador. Ellos crearon previamente estos sonidos, estas formas de onda, las juntaron en una tabla de onda, y esto simplemente las recorre.
Ahora pasemos a la perilla de intensidad. Por defecto, esta actúa como un pase-bajo. Cambiemos a una simple diente de sierra vieja. Simplemente redondea nuestro sonido. También puedes escuchar que añade otras cualidades, casi como una cualidad tipo FM por aquí. Se oye un poco de metalicidad. Pero su característica predominante por defecto, encuentro que suele ser un efecto de pase-bajo. Sin embargo, si cambias este menú desplegable aquí arriba, cambiará lo que hace la perilla de intensidad.
Por defecto, estamos en modo spectrum y eso es lo que le da a la intensidad una cualidad tipo pase-bajo. En realidad, la intensidad toma tu forma de onda y la transforma y cambia de diferentes maneras. Sin embargo, en lugar de entender matemáticamente lo que cada modo de intensidad le hace a tu forma de onda, encuentro mucho más útil comparar cada modo con un atributo sonoro que ya conocemos. Así que con Spectrum, es como un pase-bajo.
O por ejemplo, veamos Formant. Esto añade una especie de sonido de sincronización de oscilador a cualquier tabla de onda. No importa cuál, solo toma una diferente. Así que puedes aplicar ese tipo de desplazamiento armónico de la sincronización de oscilador usando esta intensidad Formant.
Y luego tenemos estas tres opciones diferentes de Bend. Empecemos con Bend minus plus. Para el bend, encuentro que la característica más predominante es la de un cambio de ancho de pulso. Si lo pongo en el medio, no hace nada. Así que la intensidad Bend es totalmente neutra en el medio. Solo estamos escuchando nuestra tabla de onda. Pero conforme lo alejo del medio, tiene ese efecto de adelgazamiento que el ancho de pulso tiene en nuestra onda cuadrada.
Tiene otros efectos en el sonido, pero principalmente tiene ese efecto tipo ancho de pulso. Y encuentro útil compararlo con el ancho de pulso. Así sé qué esperar y cuándo usar la intensidad Bend. Ahora, en este caso, nuestro máximo a la derecha o nuestro mínimo a la izquierda, es el mismo sonido. No importa hacia qué lado vayamos desde el medio.
Pero en el caso de algunas tablas de onda, va a ser diferente. Por ejemplo, Multiplex. Así que tenlo en cuenta. Si decides que quieres añadir este tipo de sonido de intensidad Bend, prueba ambas direcciones. En algunos casos obtendrás un sonido diferente. Y cuando es diferente, de una manera u otra, ahí es donde esta opción minus o plus es útil. Si solo quieres la mitad plus, la mitad de arriba, puedes cambiar a Bend plus.
Ahora, cuando tu intensidad está completamente abajo es neutral, y subirla te da el rango plus. Viceversa, cuando es Bend minus, completamente abajo es neutral y subirla te da el rango negativo. Ahora te estarás preguntando, ¿por qué molestarse con Bend minus y Bend plus cuando los tenemos combinados aquí? Lo encuentro útil para modulación. Tal vez quiero modular esto con un LFO, que se mueva de un lado a otro. Y solo quiero uno de los rangos, solo quiero el sonido plus. Es más fácil simplemente ajustar Bend plus, poner esto donde quiera y configurar mi LFO.
Lo último sobre nuestra perilla de intensidad es que en dos casos cambia su comportamiento por completo. Entonces, pulse width modulation, tabla de onda, es un control de ancho de pulso real como hemos visto. Y nuestra tabla de onda sync, es una perilla de sync real. Así que hemos revisado nuestra intensidad. Hemos revisado la posición de tabla de onda, todas estas diferentes tablas de onda y hemos podido comparar los diferentes sonidos con cosas que ya sabemos hacer. Como filtrado pase-bajo, distorsión o FM, todos esos diferentes tipos de cosas.
Así que de muchas formas, este tipo de programación ya está hecha. Está integrada en la tabla de onda. No necesitamos hacerlo en otros lugares. Sin embargo, donde esto es realmente útil es con la modulación. Podemos modular la posición o la intensidad, y nos permite transformarnos entre estos diferentes atributos sonoros de maneras que de otro modo no podríamos hacer.
Por ejemplo, para ver el resto de este video, así como videos que cubren cada rincón de Massive, necesitarás el paquete de lecciones de Massive para Syntorial. Y recuerda, puedes obtener los primeros cuatro videos gratis yendo a syntorial.com, haz clic en el enlace de prueba gratuita. Descarga una demo, y luego dentro de la demo, ve a Descargar paquetes de lecciones y descarga el paquete de lecciones de Massive.
Mira a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras demuestra técnicas de capas de patches de sinte con Sylenth1. Este video es un extracto del paquete de lecciones de Sylenth1 para Syntorial, que contiene 38 videos, más de 2 horas de material y cubre cada aspecto de Sylenth1. Obtén 4 videos más de Sylenth1 gratis a través de la Demo de Syntorial.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
En este video, te mostraré algunas técnicas de capas de patches de sinte usando Sylenth1. Crear capas en nuestros patches de sinte nos permite crear patches más ricos y detallados, y Sylenth1 está perfectamente diseñado para trabajar con capas.
Este video es en realidad un extracto del paquete de lecciones de Sylenth1 para Syntorial. Syntorial es una aplicación de entrenamiento de sintetizadores que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo hace mediante demostraciones en video y retos interactivos en los que programas patches en un sinte de software integrado. El paquete de lecciones de Sylenth1 añade 38 videos que te muestran cómo aplicar todo lo que has aprendido en Syntorial Synth a Sylenth1. Y en realidad puedes obtener los primeros cuatro videos del paquete de lecciones de Sylenth1 gratis. Solo ve a syntorial.com, haz clic en probar gratis y podrás descargar la demo de Syntorial para Mac, PC o iPad.
Esta demo incluye las primeras 22 lecciones de Syntorial, pero también puedes ir al menú, seleccionar descargar paquetes de lecciones y descargar una muestra del paquete de lecciones de Sylenth1, así como un paquete para Z3TA+ 2 y un Minimoog Voyager, y añadiremos más en el futuro.
Así que empecemos y hablemos sobre capas. Parte A y B de Sylenth1. A lo largo de estos videos te he mostrado muchos ejemplos diferentes de cómo puedes usar la parte A y la parte B, pero realmente solo hemos tocado la punta del iceberg. La parte A y la parte B son absolutamente geniales para crear capas en este sinte y hay opciones infinitas de cómo combinarlas.
Una de las formas más obvias es crear dos sonidos muy diferentes, lo que básicamente trata la parte A y la parte B como dos sintes distintos. Te muestro un ejemplo en los presets de fábrica, el patch 103 Moon Cloud. Tenemos dos patches muy diferentes aquí. Tenemos este pad redondo y suave y luego tenemos este ruido rítmico. Y es un uso genial de diferentes envolventes de amplitud.
En la parte A tenemos el ataque lento para crear esa oleada, pero la parte B tiene un ataque inmediato para que ese ruido entre justo cuando tocamos una nota y obtenemos una buena combinación. Esto trata la parte A y la parte B como dos sintes en uno, y en los presets de fábrica hay muchos ejemplos geniales de esto, pero quiero mostrarte una forma de usar la parte A y la parte B enfocándose en los dos filtros.
Podemos hacer todo tipo de cosas interesantes usando el filtro A y el filtro B. El primero que quiero mostrarte es el patch número seis. Así que echemos un vistazo a nuestra configuración de filtros aquí. Para el filtro A tenemos osciladores de A y B entrando. Así que eso probablemente significa que nuestro filtro B está deshabilitado, hemos hablado de eso un montón. Veamos. No, el filtro B está haciendo lo mismo, los osciladores de A y B también están entrando aquí.
Así que básicamente lo que hemos hecho aquí es tomar los cuatro osciladores y hacer una copia de ellos. Una copia va a través del filtro de la parte A y otra copia va a través del filtro de la parte B. ¿Por qué? Bueno, escuchémoslos individualmente. Ahora, cuando usas este botón de solo, lo que realmente estás aislando es la salida del filtro. Así que cuando estamos en la parte A y estamos en solo, solo escuchamos lo que sale del filtro A, que en este caso son los osciladores de la parte A y la parte B. Muy bien, tenemos un LFO moviendo un pase de banda arriba y abajo en nuestro sonido.
¿Qué hay de la parte B? Ok, solo un filtro completamente abierto, sin movimiento. ¿Qué obtenemos cuando los combinamos? Básicamente obtenemos un efecto phaser. Este es un phaser muy simple, directo y marcado. Otro uso genial para estos filtros duales es este patch. Entonces, ¿cuál es nuestra configuración aquí? El filtro A toma los osciladores de A, ok, eso es normal. El filtro B toma los osciladores de A y B, pero los osciladores B están deshabilitados, cero voces para ambos.
Así que los únicos osciladores que están produciendo algún sonido son los osciladores de la parte A, y están siendo duplicados, se están enviando a través del filtro A y del filtro B. Ok, así que vamos a aislar el filtro A, ¿qué obtenemos? Este es nuestro sonido principal, es el cuerpo de este sonido de flauta.
¿Qué es la parte B? Ok, es un pase de banda marcado barriendo hacia abajo creando una especie de transitorio de ataque. Así que vamos a quitar el solo, ¿qué obtenemos? Es sutil, así que voy a quitar el solo y volver a activarlo para escuchar la diferencia. Esto nos permite simplemente añadir una capa con el transitorio de ataque, así que no está al frente y fuerte, simplemente es algo sutil. Podemos controlar qué tan sutil es ahora con el mix B, que controla el volumen de nuestro filtro de la parte B.
Un ejemplo más. Voy a deshabilitar el compresor en el arpegiador y cuál es nuestra configuración aquí. Ok, así que el filtro A está tomando osciladores de la parte A y B, y el filtro B está haciendo lo mismo, tomando osciladores de la parte A y B. Así que de nuevo, estamos tomando todos los osciladores y haciendo dos copias de ellos, una para pasar por el filtro A y otra para pasar por el filtro B. Entonces, ¿qué escuchamos en A? Un bajo grande y agradable con graves, ¿la parte B? Este es un pase de banda alto más pronunciado sin graves. Combínalos.
Así que esto es genial porque tal vez quieres ese movimiento de pase de banda marcado y pronunciado pero quieres mantener tus graves porque es un patch de bajo, esto nos permite combinar ambos. Ahora, a veces cuando haces capas con A y B, pueden combinarse de una manera inesperada.
Por ejemplo, este patch tenía el compresor activado, así que vamos a activarlo y escuchar cuánto más silenciosa se vuelve la parte B cuando quitamos el solo, así que aquí está por sí sola, sin solo. Esto se debe a que cuando quitamos el solo, tanto la parte A como la parte B se activan y se vuelve mucho más fuerte, estamos enviando mucho más volumen a través del compresor. Así que el compresor va a golpear más fuerte y termina reduciendo el volumen de nuestra parte B. Es simplemente una combinación inesperada.
Otro ejemplo es el patch 11. Escucha la parte B en solo. Sin solo. Casi desaparece. Vamos a la parte A y aislémosla para escuchar qué añade la parte B. Así que en lugar de ser todo como una campana cuando está en solo, simplemente termina siendo este tipo de borde agudo una vez que los combinamos. Esto se debe a la distorsión. Si apago esto, se mantiene como campana cuando los combinamos. Pero como en el patch anterior, cuando habilito ambas partes, estamos obteniendo volumen del filtro A y del filtro B, así que estamos aumentando el volumen de la entrada que va a esta distorsión, lo cual es similar a simplemente aumentar la cantidad. Todo va a distorsionar más fuerte ahora que tienes dos partes entrando. Así que tienes que tener mucho cuidado cuando combinas las dos partes.
Mi consejo es que cuando decidas añadir una segunda capa a tu patch y vayas a la parte B, intenta programar la parte B sin usar el botón de solo. Vas a tener una idea mucho mejor de cómo se van a combinar las cosas y exactamente cómo suenan las partes juntas si las programas mientras ambas están sonando. Puede ser más complicado, pero puede ahorrarte tiempo y darte un patch mucho más preciso.
Bueno, eso es todo, gracias por ver. Recuerda, puedes obtener cuatro videos más de Sylenth1 gratis simplemente yendo a syntorial.com, prueba gratis, descarga la demo y luego dentro de la demo, haz clic en este menú desplegable, descarga paquetes de lecciones y descarga tu muestra para Sylenth1.
En este tutorial de sinte, Joe Hanley, el creador de Syntorial, te guiará paso a paso mientras reconstruye la introducción de "Gun" de Chvrches. Joe usará principalmente plugins gratuitos y donationware, enfocándose en emulaciones de sintetizadores de hardware clásicos. No olvides descargar los presets y archivos MIDI. Plugins utilizados:
Hola a todos, hoy voy a mostrarte cómo recrear estos patches de sinte de la introducción de "Gun" de Chvrches. Estaré haciendo estos videos regularmente sobre diferentes sonidos, canciones, técnicas y cosas por el estilo. Y acepto solicitudes. Así que si hay algo que quieras aprender, solo haz clic en el enlace en la parte superior de este video, te llevará a la página de tutoriales del sitio web de Syntorial. Y en el lado derecho hay un foro donde puedes enviar una solicitud de tutorial. Escríbelo, envíalo y puede que lo cubra en un video futuro.
En esta página verás este video junto con muchos otros, échalles un vistazo mientras estás ahí y debajo de cada video hay un enlace de descarga donde puedes obtener los presets y archivos MIDI del video. Y si quieres que te notifiquen cuando salga un nuevo video, solo desplázate hasta el final de la página y suscríbete a nuestro boletín.
Por último, mientras estás ahí, prueba la demo gratuita de Syntorial, que incluye 22 lecciones gratuitas de sinte. Syntorial es un software de entrenamiento en sintetizadores que te enseña a programar sintes y diseñar sonido, todo de oído usando videos y retos interactivos. Así que pruébalo.
Así que para este video, vamos a usar principalmente donationware y plugins gratuitos. Todos excepto uno, y cada vez que abra un nuevo plugin aparecerá un enlace en la parte superior del video para que puedas conseguirlo. Ahora escuchemos los patches terminados antes de empezar a construirlos desde cero. Empezando con el bajo, vamos a usar Moog.
Los chicos de Chvrches usan sintetizadores de hardware vintage como Moogs, Juno 106, Prophet. Así que decidí usar emuladores de esos sintes. Empiezo con el Moog y este es el único plugin de sinte que estoy usando que no es gratuito. Está hecho por Arturia. Sin embargo, hay uno gratuito para usuarios de Windows y puedes verlo, Mini Moog VA, y ese es el enlace en la parte superior del video. Para usuarios de Mac, en realidad es un patch bastante simple, así que puedes usar cualquier sinte para seguirlo.
Empezando con el Moog, lo vamos a resetear para que sea solo una simple onda de diente de sierra. Queremos usar una onda de pulso de ancho medio. Y la vamos a bajar dos octavas. Bien. Y luego vamos a activar el segundo oscilador. Este va a estar una octava por encima del primero. También va a ser una onda de pulso de ancho medio.
Y lo vamos a subir solo un poco, solo va a agregar un poco de agudos. Y luego lo vamos a desafinar un poco hacia abajo y esto va a agregar solo un toque de movimiento, un poco de grosor al sonido. Es bastante sutil. Solo añade un poco de grosor al sonido pero mantiene ese bonito sonido sólido de oscilador único también.
A continuación, recuerda bajar nuestro cutoff para obtener un tono un poco más redondo. Por ahí. Y luego queremos usar la envolvente de filtro para darle un attack. Queremos que el sonido empiece brillante e inmediatamente baje a este bonito punto redondo. Así que subimos nuestro contour para determinar ese punto de inicio brillante. No es mucho más brillante. Solo un poco, va a ser otro efecto sutil.
Ahora, la forma en que funcionan las envolventes es que empiezan en este contour y bajan hasta el nivel de sustain. Un nivel de sustain de cero es lo mismo que tu frecuencia de cutoff y eso es lo que queremos. Queremos empezar desde este brillo que nos dio nuestra perilla de contour y bajar hasta la frecuencia de cutoff. Así que bajamos nuestro sustain completamente y así es como suena. Ahora estas son notas cortas, así que no se está moviendo de contour a cutoff lo suficientemente rápido. Así que vamos a bajar nuestro tiempo de decaimiento para hacer que eso suceda más rápido. Así que sin contour. Así le da una bonita forma al sonido.
Y por último, no queremos que la nota se corte tan abruptamente cuando soltamos la tecla. Definitivamente se corta rápido, pero cuando es tan abrupto, suena algo antinatural. Así que lo vamos a aumentar solo un poco. Ahora en el Moog, la etapa de decaimiento de tu envolvente de amplitud también determina tu etapa de release. Así que solo subimos el tiempo de decaimiento. Es un poco más sutil. Pero le da un sonido más natural. También engrosa un poco el sonido, porque cuando lo cortas, solo tienes esa nota corta y distinta.
Cuando tienes un poco de cola, simplemente da la impresión de más sonido. Es un pequeño truco agradable. Así que ese es tu sonido básico de sinte. Es un patch de bajo realmente simple y típico, pero es algo débil. Así que vamos a agregar algo de overdrive. Algo de distorsión de tubo.
Así que vamos al plugin TAL aquí, tomamos el efecto TAL tube. Por defecto, no escuchas mucho. Así que lo que queremos hacer es aumentar el input, queremos enviar más de nuestra señal, más de nuestro sinte a esta cosa. Así que estamos forzando los tubos más, obteniendo más de esa rica calidez de ellos.
Y luego la distorsión en sí, queremos que sea lo más sucia posible, así que subimos el drive al máximo. Y eso nos dio un buen aumento en volumen, así que bajaremos el output un poco. Y luego esto te da la opción de una distorsión dura, puedes hacerla más agresiva y puntiaguda. Así que la activamos. Engordamos el sinte un poco, lo hicimos algo agresivo. Ahora queremos hacerlo aún más gordo.
Así que vamos a traer un compresor y no voy a usar un compresor típico con, ya sabes, attack, release, threshold, ratio y todo eso. Porque todo lo que realmente quiero es solo un buen grosor de él. Solo quiero cambiar el sonido de ello. Y me encanta el plugin Camel Crusher para eso. Este también tiene distorsión, filtro y todo eso. Solo queremos el compresor.
Así que apago la distorsión. Y por defecto el compresor está encendido, está subido bastante alto y el modo fat está activado, que es lo que queremos. Así que está apagado. Encendido. Modo fat apagado. Encendido. Así que lo aplasta, lo embarra y lo engrosa. Aunque lo vamos a bajar un poco. Así que tenemos un bajo gordo y agresivo y solo queremos agregar un poco de graves.
Así que solo voy a traer el EQ de Ableton. Puedes usar cualquier EQ para esto. Es bastante simple. Solo queremos un shelf, queremos una frecuencia de 155, y subiré el gain. Así que tiene esos buenos graves, solo asegúrate de usar un shelf porque por defecto usa una especie de pico pero un shelf realmente levantará todos los graves. Y ese es tu patch de bajo. Lo voy a bajar un poco para que cuando traigamos los agudos o el lead no lo sobrepase.
A continuación, el lead. Para esto, vamos a usar otro plugin TAL. Los plugins TAL son geniales y casi todos son donationware. Así que puedes descargarlos gratis, pero si te gustan recomiendo, ya sabes, donar al tipo porque hace un trabajo increíble con estos plugins o comprar uno de sus plugins premium.
Veamos, así que este es una emulación o está inspirado en el Juno 60. Y el Juno 106, que es un sinte diferente, usado por los chicos de Chvrches, y elegí este sinte que es similar a ese en su sonido. Por una razón en particular, que explicaré en un segundo.
Primero lo primero, queremos mono. Y vamos a apagar esta subonda, solo queremos una bonita onda de diente de sierra única. Ahora queremos agregarle una cola porque las notas se están cortando de inmediato. Queremos que la nota suene después de que suelto la tecla, así que activamos la envolvente de amplitud y aumentamos nuestro release. Bien. Y no queremos ninguna envolvente de filtro, así que vamos a bajar la envolvente completamente para eso. Y voy a bajar la frecuencia del cutoff para hacer el sonido un poco más redondo.
Ahora si comparas eso con el sonido real, es mucho más redondo. Eso es porque vamos a agregar un plugin de distorsión más adelante, que lo va a re-iluminar de nuevo. La distorsión agrega su propio brillo. Así que hacemos esto un poco redondo o simplemente creamos una paleta para la distorsión.
Ahora por último está el chorus, y esta es la razón por la que elegí este sinte, en las líneas de sintes Juno como el 60 y el 106, tenían estos chorus integrados y son como un aspecto característico de estos sintes. Son muy simples, son básicamente solo botones de encendido y apagado. Realmente no puedes ajustar nada, pero tenían un sonido muy distintivo. Y por eso elegí este porque suena como que están usando esos chorus.
Así que en realidad vamos a activar ambos. Así que lo ensancha, le da esa especie de inestabilidad sutil. Lo cual es muy importante para esta pista. A continuación lo vamos a comprimir. Hacerlo grande y gordo. Y de nuevo vamos a usar Camel crusher. Apagamos la distorsión. Y vamos a subir la compresión al máximo. Eso lo hizo mucho más fuerte, así que lo bajamos.
Ahora también vamos a agregar algo de distorsión y me gustó la distorsión del plugin Camel Crusher para esto. El problema es que va primero a la distorsión y luego al compresor. Después de jugar mucho con ello, descubrí que quería el efecto inverso. Quería comprimir primero y luego distorsión.
La razón es porque ese chorus en el sinte hace un sonido realmente inestable. Lo hace como más fuerte, más suave, más fuerte, más suave. El volumen fluctúa, se mueve. Y cuando pasas eso por este compresor gordo y potente, los dos como que pelean. El compresor pelea con el chorus y obtienes ese sonido realmente inestable. Y es como un aspecto característico de este patch.
Así que definitivamente quería el compresor justo después del sinte. Así que en lugar de solo usar la distorsión dentro de esta instancia del plugin, voy a traer otro Camel Crusher. Y usar esta distorsión. Así que va compresor y luego distorsión. Apagamos el compresor. Subimos los efectos de tubo al máximo. Esto es como una distorsión cálida agradable. Y luego para darle realmente algo más de borde sucio vamos a usar la distorsión MEK, la subimos a la mitad. Eso es muy fuerte, así que lo bajamos.
A continuación está el delay, volvemos a nuestros plugins TAL. El plugin TAL-DUB III. Ahora este plugin es genial porque no solo hace, ya sabes, las cosas regulares de delay, sino que emula los delays analógicos de la vieja escuela que saturan tu sonido. Así que si los forzabas lo suficiente obtienes ese tipo de compresión como una especie de efecto de distorsión como el que tenemos.
Ahora eso está bien y todo, pero ya tenemos eso a través de nuestro plugin Camel Crusher. Así que vamos a bajar el drive un poco para obtener un delay limpio. Luego queremos los delays más fuertes, más del delay, así que vamos a subir nuestro wet. Queremos que esté sincronizado. Los delays para una corchea.
Ahora este plugin tiene una función genial donde puedes cambiar solo uno de los delays, el derecho o el izquierdo. Puedes hacerlo el doble de rápido con estos botones times two. Así que ahora mismo el delay izquierdo es una corchea pero el delay derecho es una semicorchea. No queremos eso, ya tenemos un bonito estéreo ancho entrando. Así que solo queremos un conjunto de delays yendo por el medio que sean tan anchos como el sinte. Así que apagamos eso.
Y luego estos low-cut, high cut te permiten dar forma al sonido del delay con filtros pero tampoco queremos eso, no queremos high cut, no queremos low cut. Así que bajamos el little cut, subimos el high cut y ahora obtenemos el sonido completo siendo retrasado. Y luego bajaremos el feedback solo para hacerlo un poco más corto.
Por último vamos a agregar algo de ambiente o perdón algo de reverb. Estoy usando este plugin gratuito ambience. Puedes usar cualquier plugin de reverb y es bastante simple. Número uno, nuestro dry gain está en cero ahora mismo. Así que todo lo que vamos a escuchar es el sonido de la reverb. Pero no queremos eso. Así que ahora tenemos nuestro dry. Y luego nuestro wet está demasiado alto. Solo queremos un poco, no tan obvio. Y ese es tu sonido.
Ahora hay una nota importante que voy a mostrarte. Es mirando aquí abajo estas notas MIDI, cada frase tiene aproximadamente ocho notas de largo. Voy a tocar esto el doble de lento para que puedas escucharlo. Ahora, como es mono, cada vez que tocas una nota nueva corta las anteriores. Así que obtienes estas dos notas agudas y luego eso es cortado por estas dos notas graves. Notas agudas cortadas por las notas graves. Pero en el patch real las notas agudas como que resuenan.
Así que los separé, aquí arriba. Par de notas agudas, par de notas graves. Par de notas agudas, par de notas graves. Tienes el patch, exactamente el mismo patch en ambas pistas pero ahora están separadas. Así que las notas agudas resuenan mientras las notas graves están sonando. De vuelta a este. Y esto me permitió bajar un poco los graves para que los agudos sean un poco más dominantes que los graves.
Ahora puede que te estés preguntando por qué no simplemente usé un sinte y lo hice polifónico, y el problema es que sí, si lo cambio a digamos seis voces, ahora todas van a resonar unas sobre otras. Pero como estoy pasando por distorsión cuando esas voces se apilan una sobre otra, empujan la distorsión y el compresor muy fuerte. Así que es desigual. Si estoy tocando una sola nota suena bien, pero si toco múltiples notas a la vez, que es lo que hará polifónico con releases largos, entonces empuja la distorsión de compresión demasiado fuerte.
Así que quédate con voz mono y simplemente divídelas en dos. Ya sabes, todo junto. Gracias por ver. Y de nuevo si tienes alguna solicitud, solo haz clic en el enlace en la parte superior de este video, ve a nuestra página de tutoriales y suscríbete a nuestras listas de correo, y prueba la demo de Syntorial. Gracias por ver.
En este tutorial de sinte, observa a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras recrea la pista del estribillo de "Retrograde" de James Blake. Puedes descargar los presets y archivos MIDI del video. Joe trabajará en Logic usando el sinte Z3TA+ 2 . Entre otras cosas, el video te mostrará cómo usar envolventes de pitch para crear un efecto de "enjambre de abejas".
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Hoy te voy a mostrar cómo recrear los patches de sinte de "Retrograde" de James Blake. Vamos a usar Z3TA+ 2 para hacerlo. Antes de comenzar, quiero mencionar rápidamente un software que hice llamado Syntorial.
Syntorial es un software de entrenamiento estilo videojuego que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo diseñé para darte la habilidad de hacer lo que estoy haciendo en este video: tomar los patches que escuchas en tu cabeza o en otras canciones y recrearlos, simplemente saber cómo hacerlos.
Lo logramos combinando demostraciones en video con retos interactivos en los que programas un sinte incluido, y hay más de 700 patches en total, casi 200 lecciones. Recientemente agregamos un paquete especial de lecciones de Z3TA+ 2 con 37 videos que cubren cada detalle de Z3TA+ 2. Si quieres probarlo, hay una demo gratuita con 22 lecciones, solo haz clic en el enlace que aparece en el video ahora, y también hay una versión especial de la demo para Z3TA+ 2, ese es el enlace que aparece ahora. Por supuesto, ambos enlaces están en la descripción debajo del video.
Bueno, comencemos. Aquí está el beat. Antes de meternos con los sintes, la batería es muy simple, solo es un kick clap 808. Empezaré aquí. Usé battery, pero cualquier cosa que tenga samples 808 funcionará. Lo ajusté un poco, subí el pitch del kick y bajé el del clap, pero eso fue solo para igualar su pista.
Ahora vayamos directo al lead, porque estoy seguro de que es por eso que estás viendo este video. Mucha gente me ha escrito pidiendo un tutorial sobre este lead, y muchos lo describen como polifónico porque escuchan varias notas. Pero no lo es, es monofónico, es una sola voz, solo está presionando una tecla y manteniéndola, pero tiene múltiples osciladores, y cada uno tiene su pitch manipulado en cantidades diferentes, lo que hace que suene como tres voces convirtiéndose en una. Déjame mostrarte cómo funciona.
Vamos aquí arriba, inicializo Z3TA+ 2, así que ahora no hay sonido. Es una saw wave, así que vamos al oscilador uno y ponemos una saw. Tienen cuatro saws aquí, cuatro Vintage saws, siempre uso la One, tiene el sonido más lleno, es la que más me gusta. Como dije, son tres osciladores, así que el oscilador dos también será una saw, el oscilador tres también una saw. Antes de tocar una nota, va a estar algo fuerte, así que lo bajo aquí. Y retrocedo un poco, vamos como hasta aquí.
Todavía suena como un solo oscilador. Pero voy a desafinar el primero hacia arriba un poco, y vas a escuchar cómo empieza a engrosar y a moverse un poco. Luego voy a tomar el tercer oscilador y bajar su pitch más o menos la misma cantidad. Este es un truco muy, muy, muy viejo: cuando tomas las mismas formas de onda y las desafinas entre sí, obtienes un sonido gordo y con movimiento.
Así que tenemos nuestros tres osciladores, tres saws, ligeramente desafinados para darnos este sonido gordo y con movimiento. Ahora queremos tomar una envolvente y aplicarla a cada oscilador, y la usaremos para doblar su pitch. Voy a desactivar el oscilador dos, y también el tres, para que solo escuchemos uno por ahora. Será más fácil entender cómo funcionan estas envolventes cuando veamos solo una.
Mod matrix, aquí es donde configuramos todas nuestras rutas de modulación. Queremos la envolvente uno, la vamos a enrutar al pitch del oscilador uno. Casi siempre que modulo pitch en Z3TA, voy a curve y selecciono una de estas curvas de pitch. Esto simplemente nos permite ajustar cantidades según valores de pitch, octavas, tonos enteros, semitonos, nos ayuda a elegir notas específicas en nuestra modulación un poco más fácil.
Lo voy a poner en una octava y voy a maximizar el rango. Así que ahora podemos usar la envolvente para llegar hasta una octava. Voy a ir a la envolvente uno. Y ahora mismo no vamos a escuchar nada. Sin movimiento de pitch. Esta cantidad de envolvente está en cero, por eso no pasa nada. Voy a mantener presionada una nota, y mientras la subo, vas a escuchar la nota subir, y queremos subirla hasta llegar a donde queremos que esa nota empiece. Porque cuando él presiona esa tecla por primera vez, escuchas que uno de los osciladores empieza más alto y luego baja.
Voy a mantenerla presionada hasta llegar a ese pitch. Ahí está. Ahora nuestra envolvente está en la parte superior, solo mantiene la nota aquí arriba. Eso es porque nuestro nivel de sustain está al máximo. Lo voy a bajar completamente, y ahora nuestra nota va a empezar aquí y bajar.
Eso es un poco rápido, así que vamos a aumentar nuestro sustain time. Esto es un poco confuso, la mayoría pensaría en esto como decay, que es básicamente lo que es, pero Z3TA lo llama sustain time, aunque puedes pensar en esto como decay y esto es sustain. Ahora esa es una mejor duración, pero si te fijas, al final baja muy rápido. Pero en "Retrograde" se ralentiza mucho cerca del final y casi suena desafinado por un momento, eso es lo que crea toda esa tensión.
Así que queremos ralentizarlo al final cambiando la curva aquí. Ves, ahora baja algo rápido, pero luego se ralentiza aquí, así que ahora obtenemos esto. ¿Escuchas cómo se queda ahí al final por un rato? En general es un poco demasiado rápido, así que lo vamos a subir hasta aquí. Y listo, ese es el oscilador uno. Voy a apagar ese.
El oscilador dos, queremos que haga lo mismo, pero queremos que venga desde abajo y suba. Así que le vamos a dar su propia envolvente, envolvente dos, con ajustes similares aquí, una octava, pero esta va al pitch del oscilador dos. Y queremos que las envolventes sean casi iguales, y lo que puedes hacer con Z3TA es hacer clic derecho, copiar, luego clic derecho, pegar, y ahora dos y uno son iguales.
Pero queremos poner una cantidad negativa de envolvente, porque lo que esto hará es, en lugar de disparar el pitch hacia arriba y luego bajar gradualmente, va a disparar el pitch hacia abajo y subir gradualmente. Aunque visualmente parece que sube y luego baja, cuando lo ponemos en cantidad negativa hace lo opuesto de lo que ves. Así que ahora obtenemos esto. Si fuera hacia arriba: Pero voy hacia abajo.
El tercer oscilador también va a venir desde abajo, solo que no va a empezar tan bajo como el segundo oscilador. Entonces, envolvente tres, al máximo, pitch una octava, y pitch del oscilador tres. Vamos a copiar y pegar la envolvente, y queremos una cantidad negativa, solo que no tanto, así que lo subimos hasta aquí. Y nuestro tercero es así. Trayendo el segundo. Trayendo el primero de vuelta. Y así es como obtienes ese efecto de enjambre de abejas, de pitch doblándose.
No hemos terminado todavía, está demasiado brillante ahora mismo, vamos a necesitar filtrarlo. Así que vamos a enrutar los tres osciladores al filtro uno, así. Y vamos a hacer un filtro low-pass. Ahora está demasiado oscuro. Lo que el sonido hace en realidad es que empieza algo oscuro, y mientras esos pitches se doblan, se aclara un poco. Así que vamos a poner nuestro cutoff en el punto más oscuro, como empieza, que es aquí.
Y luego vamos a usar otra envolvente para aclarar el cutoff, para subirlo, en esa parte inicial de la nota, así que envolvente cuatro, maximiza esto, enrútala al cutoff del filtro uno. Y luego, tal como subimos esta cantidad para encontrar el pitch más alto con los osciladores, vamos a subir esta cantidad para encontrar el cutoff más brillante que queremos. Y no es mucho. Es por ahí. Y ahora usamos el attack para llevarnos del cutoff a la cantidad de envolvente. Unos 1.6 segundos. Ahí.
El sonido está un poco plano, no está cortando hacia adelante tanto como me gustaría, así que vamos a usar una cantidad considerable de resonancia, y escucha lo que hace. Por ahí. Lo hace un poco más agresivo, lo hace empujar hacia adelante y cortar. Esto es genial para leads y bajos. O para cualquier cosa en realidad, la resonancia realmente puede hacer que un patch pase de plano a cobrar vida solo empujándolo un poco hacia afuera.
Y luego, si escuchas con cuidado, el sonido se desvanece un poco al entrar, no entra con fuerza. Así que vamos a nuestra envolvente de amplitud y aumentamos nuestro amp attack. Y eso hará que entre suavemente ahí.
Una última cosa. De vez en cuando, escuchas que uno de los osciladores baja un tono completo y vuelve a subir, hace eso de vez en cuando. Él lo activa cuando quiere, así que querrías usar algún tipo de control de modulación con tus manos, tal vez el pitch wheel o el mod wheel. Pero para esto, me gusta particularmente usar aftertouch.
Para los que no lo sepan, aftertouch viene de serie en la mayoría de los sintes y controladores MIDI ahora, y normalmente cuando tocas una nota solo mantienes la tecla presionada. Pero cuando un teclado tiene aftertouch, puedes presionarla aún más, tienes que darle un poco más de fuerza, y ese empuje adicional, yendo más profundo en la tecla, puede activar una modulación. Lo encontrarás en esta columna de control, channel aftertouch. Y queremos modular el pitch del oscilador dos. Con Z3TA+2, cuando quieres usar uno de estos controladores, tienes que poner source en On para habilitar esta fila. Y esto va a determinar qué tan bajo va a bajar ese pitch, volveré a esta cantidad en un segundo.
Ahora, por defecto, cuando presiono esta tecla más profundo, subiría el pitch. Pero no queremos hacer eso, queremos bajarlo. Así que para invertir esta modulación positiva natural, vamos a linear, y vamos a unipolar linear minus. Suena elegante, pero realmente solo invierte la dirección. Ahora si presiono la tecla más profundo, va a bajar el pitch del oscilador dos, escucha. Y déjame desactivar estos por un segundo. Esa es presión normal, ahora si presiono más profundo: Eso es lo que hizo. Y puedo presionar lentamente hacia adentro y luego lentamente hacia afuera para hacer una especie de doblado lento.
Me gusta particularmente para esta pista porque suena como si estuviera luchando, y si tienes que empujar físicamente tu teclado, obtienes esa sensación de lucha en el sonido. Por cierto, el rango solo determinará qué tan bajo se doblará ese pitch cuando presione el aftertouch. Solo lo ajusté de oído, lo modifiqué hasta que sonó bien. Así que ahora tenemos eso configurado, traigamos estos, y ahora tenemos nuestro patch.
Aquí viene el aftertouch, justo aquí. Así que presioné, luego solté lentamente la tecla. Y aquí viene un poco más. Presioné para bajarlo, y luego lo solté lentamente. A continuación haremos el bajo y el sinte tipo órgano.
Por cierto, puedes descargar estos patches para Z3TA+2 y el archivo MIDI, para que puedas ver qué notas estoy tocando simplemente haciendo clic en el enlace que aparece en tu pantalla ahora. Te llevará a una página especial con este video en el sitio de Syntorial, y hay un enlace debajo que puedes hacer clic y descargar. Y por cierto, tenemos muchos más de estos tutoriales y artículos, contenido gratuito en el sitio de Syntorial. Cuando vayas a esa página, verás una suscripción al newsletter en el lado derecho, solo danos tu email y te enviaremos un enlace a una página llena de este contenido.
Hagamos el bajo ahora. Ponlo en solo por un segundo. Es un bajo súper redondo, subby, que se mueve y gira. Ábrelo. Un patch bastante simple. También vamos a inicializar. Y esto es una saw, y al principio pensé que era solo un sub-bass simple, eso fue lo primero que programé. Está algo fuerte en este rango, así que déjame bajar un poco nuestro volumen maestro. Ahí está nuestra saw.
Obviamente, para obtener ese sonido redondo y subby, usamos un filtro low pass. Así que vamos a enrutar esto al filtro uno, 24 dB, low pass, y lo vamos a bajar bastante, en este caso va a bajar hasta 175, ahí mismo. Ahora, si realmente quieres hacer que estos... Darle a estos sub-bass algo de potencia, puedes usar resonancia, y la voy a subir bastante. Sí.
La resonancia simplemente empuja una parte de tu sonido hacia afuera. Si tienes el cutoff bien ajustado, empujará justo la parte correcta, y realmente hizo que este sub-bass siguiera sonando redondo y pesado, pero lo sacó y lo empujó, evitó que fuera plano, igual que hizo que el lead dejara de ser plano también. Simplemente lo hace avanzar un poco en la mezcla.
Esto es lo que programé originalmente, pero si escuchas la pista, oyes que el volumen fluctúa un poco, y oyes que el bajo se mueve. Así que hice un doblaje y desafinación. Voy a copiar, pegar esto, y los vamos a desafinar. Vamos a hacer 16 arriba, 16 abajo, escuchémoslo mientras lo hago. Ahí vamos. Sí.
Ten en cuenta que estos están sincronizados ahora mismo, y eso es muy importante. Cuando doblas y desafinas sonidos... Perdón, cuando doblas y desafinas osciladores, obtienes un pequeño punto al principio de cada sonido, le da un transitorio de ataque natural.
Algunos sintes, si estás haciendo esto en un sinte diferente, particularmente sintes analógicos o modelados analógicos, no tienen eso. Pero con estos sintes digitales, puedes sincronizarlos, y eso te dará un punto en sonidos doblados y desafinados. Eso es lo que le da a este bajo un al principio de cada nota. Eso es importante.
Por ejemplo, si cambio a free, los desincroniza, y escúchalo. El inicio de cada nota. Algunos tienen un punto, otros no, es muy inconsistente. Así que esta sincronización es muy importante. Si tienes este tipo de opción en el sinte que estés usando, asegúrate de que esté activada para este bajo. Ahí está nuestro bajo. Traigamos de vuelta las otras cosas. Es un sonido enorme.
Por último, tenemos este sinte tipo órgano que realmente llena el medio. Y suena así. Inicializamos. Este va a usar una combinación de saw y pulse wave mediana. Pero como estamos tocando muchas notas, necesito compensar bajando nuestro volumen aquí, de lo contrario es muy fuerte. Saw, oscilador uno. Oscilador dos, vamos a ir a una onda cuadrada, y vamos a usar este control aquí para estrechar el pulse width.
Aquí está nuestro sonido combinado. Queremos agregar algo de movimiento, engrosarlo un poco, porque un tono tipo órgano tiene eso. Así que los doblaremos y desafinaremos. No mucho, pero un poco. Hay un attack en el sonido que es algo nítido, como cada vez que tocamos una nota. En este caso, realmente no queremos eso, esto está destinado a solo llenar el medio de nuestra pista, no queremos ese punto sobresaliendo.
Como mencioné con el bajo, cuando está sincronizado, cuando tienes osciladores doblados y desafinados y los sincronizas, obtienes ese punto. Así que vamos a quitar eso, y veamos si eso ayuda. Ayudó un poco, pero estamos tocando muchas notas de un patch muy, muy brillante, así que todavía vamos a obtener ese attack nítido.
Así que vamos a usar un amp attack y simplemente cortar el comienzo del sonido con un amp attack muy, muy rápido, 0.04 segundos. Así que ni siquiera escucharás un aumento de volumen, solo cortará esa parte frontal. Ahí vamos. Por último, queremos añadir un flanger. Voy a bajar a, veamos, mono flanger, y esto es lo que tenemos por defecto. No se está moviendo, la velocidad por defecto es muy lenta, así que vamos a aumentar la velocidad para que empieces a escuchar el flanging moverse arriba y abajo.
Y luego podemos usar el feedback para acentuar realmente el sonido del flanger. Luego queremos que este flanger baje más profundo. Si aumentamos nuestro delay, llegará a un punto más profundo, escucha. Muy bien, y por último, podemos usar nuestra profundidad para bajar esos agudos. La profundidad también puede subir un poco los graves, es algo como la cantidad del LFO si estás familiarizado con los LFOs.
Y para ser honesto, con profundidad y delay tuve que experimentar mucho, no siempre es obvio lo que están haciendo. Pero puedes pensar en ellos como una forma de controlar el punto más alto y más bajo de ese flanger, y eso te ayudará a descifrar cómo ajustarlos.
Esto está demasiado wet, hay demasiado flanging en esto, así que vamos a bajar nuestro nivel. Es un flanger sutil. Lo interesante de este patch, si escuchas, suena como si hubiera dos capas, suena como si hubiera casi un cuerpo redondo y una parte superior brillante y chispeante. Tanto que en realidad pasé la mayor parte de mi tiempo intentando hacer este patch con dos patches, uno para la parte inferior, uno para la superior. Y lo logré, y luego mientras hacía este video, me di cuenta de que esto podría ser simplemente un patch totalmente abierto sin filtro. Y lo era, mucho más simple de lo que pensaba. Así que algo a tener en cuenta es intentar siempre la solución más simple primero, o puedes perder mucho tiempo intentando hacer algo innecesariamente complejo.
Entonces, en total, tenemos... Oh, quitemos ese loop. Antes de reproducir todo, copié este primero, lo pegué, así que este es exactamente el mismo lead doblándose, y luego lo hago entrar más tarde. Porque si escuchas, cuando el estribillo vuelve a empezar, porque lo repite varias veces seguidas, escuchas ese lead doblándose entrar de nuevo, pero el primero todavía se está manteniendo, así que eso es lo que sucede aquí, escucha.
Y eso es todo. De nuevo, puedes descargar los patches para Z3TA+ 2 y el archivo MIDI para que puedas descifrar qué notas están sonando. Mira Syntorial, 22 lecciones gratis con la demo, todos los enlaces están en la descripción, y gracias por ver.
En este tutorial de sinte, mira cómo Joe Hanley, creador de Syntorial, recrea "Let's Go" de Calvin Harris usando Ableton Live y varios plugins gratuitos. También puedes descargar los archivos MIDI, presets de sinte, archivos de audio, archivos de sesión y todo lo demás que necesitarás para seguir el tutorial en casa. Plugins utilizados:
¡Bienvenido! Hoy vamos a recrear el beat de "Let's Go" de Calvin Harris. Usaremos únicamente plugins y efectos gratuitos para los sintes, así que podrás descargar todo y seguir el tutorial exactamente.
Hemos puesto a tu disposición todos los presets, archivos de audio y archivos MIDI para que los descargues. Solo haz clic en el enlace en la parte superior del video. Te llevará a la página de kickstarter de Syntorial. Desplázate hacia abajo y verás un montón de tutoriales. Cada video tendrá un enlace encima.
Busca tu video, haz clic en el enlace y recibirás una mezcla del audio, un archivo con los enlaces a todos los plugins para descargar, sesiones de Ableton y Reason. Para los usuarios de Ableton solo necesitarás esos plugins gratuitos y estará listo. Y para quienes no tengan Ableton o Reason, tenemos todos los archivos MIDI y los presets de cada pista, además del audio de la batería.
Así que puedes importar todo al software que uses y armar el beat ahí. Mientras estés en esta página, échale un vistazo a Syntorial. Es el tutorial definitivo de sintetizadores. "Software de entrenamiento totalmente interactivo que te convertirá en un gurú de la programación de sintes". Empecemos.
Empecemos con la batería. En este momento, estas pistas de batería son solo audio. Originalmente las hice en Reason. Así que si quieres obtener el MIDI, si quieres reconstruirlas con tus propios samples o simplemente ver exactamente cuáles son los ritmos, puedes descargarlos con el enlace en la parte superior del video.
Desglosándolo tenemos kick, palma. La palma se envía a una reverb medium hall. Así suena sin ella. Así suena con ella. Simplemente puse el medium hall en "no return" y luego puedes enviarle las pistas que quieras, incluida la palma. Hi-hat. Pandereta. Y al final de este loop tienes este sonido de golpe fuerte. Está empapado en reverb. Al máximo. Y eso es la batería.
Lo siguiente es el Big Synth del estribillo. Vamos a usar synth one, que es un VST. Para quienes necesiten un audio unit para GarageBand o Logic, tenemos presets disponibles para Automat, que es un excelente sinte audio unit gratuito, pero para el video usaremos synth one.
Para empezar, necesitamos cargar un patch inicializado que hice, que básicamente pone todos los valores en cero, porque por defecto synth one carga uno de sus patches. Y antes de darle play, voy a bajar esto porque suena muy fuerte. Un poco más arriba. Listo.
Primero cambiamos a una onda de diente de sierra, y luego la desafinamos. Esto básicamente duplica esa forma de onda y desafina una de ellas, así obtienes este gran efecto de remolino. Luego añadiremos un suboscilador una octava abajo. Queremos onda de diente de sierra. Eso le añade mucho cuerpo al sonido.
Añadimos un oscilador más, con una onda triangular. Así suena solo. Es medio campanudo. Obviamente no queremos tanto. Queremos esto. Luego añadiremos algo de ataque usando la envolvente de amplitud. Mantenemos el decaimiento corto, que ya lo está. Te mostraré qué hace.
Bajamos el sustain. Eso le añade un ataque medio abrupto. No necesitamos tanto, queremos esto. Luego, para añadirle una cola, aumentamos el release. Por aquí. Después queremos quitar solo un poco de agudos. No mucho. Así que cambiamos a un pase-bajo de 12dB. Y bajamos el cutoff hasta aquí. Solo un recorte muy sutil de los agudos.
Ahora, para hacerlo aún más grande y con más remolino, añadimos unísono. Queremos tres voces por nota. Cuando haces esto, asegúrate de tener suficientes voces disponibles porque básicamente el unísono de tres voces triplica cada nota que tocas y luego desafina cada una. Si tu conteo de voces fuera demasiado bajo, solo para mostrarte. Ves, estás perdiendo un montón de notas.
Necesitamos aumentar el nuestro hasta el punto donde podamos meter todas estas notas. Veinte parece funcionar. Luego queremos extender nuestro sonido y ahora cubre todo el campo estéreo. Bonito y grande. Después queremos desafinarlo más, para que cada una de estas voces se desafine ligeramente de las demás.
Pero queremos hacerlo aún más. Esto lo hace más intenso. Si me paso de verdad, empieza a desafinarse mucho, así que no queremos llegar tan lejos que se desafine, pero sí lo suficiente para lograr el tipo de intensidad que buscas. Por último, añadimos delay.
Vamos a separar los delays un poco más entre sí para que los escuches en el canal izquierdo y derecho. Aumenta el número de delays y reduce el feedback. Y no queremos que el delay suene tan fuerte, así que lo bajamos hasta ahí y ese es tu sonido.
También tiene un poco de reverb. Te mostraré cómo suena. Esto añade algo de espacio alrededor al aumentarlo. Es bastante sutil porque el delay ya le da mucho espacio, pero esto simplemente le da más. Y ese es el Big Synth. Ahora tenemos el Synth Bass. Es un sonido de bajo de sinte muy simple. Usaremos Tal NoiseMaker, un excelente sinte VST/audio unit gratuito.
Primero voy a bajarlo un poco. Ups, demasiado. Por ahí. Ahora, si apago el suboscilador, solo escuchas el oscilador principal, que es una onda de diente de sierra. El suboscilador está una octava abajo y es una onda cuadrada. Ahí es donde está ese lindo grave. Así que ese es tu sonido de forma de onda completo. Luego queremos añadir un poco de cola. No mucho, solo un poco. Esto evita que suene demasiado abrupto, pero también ayuda a llenar el espacio.
Si hay notas que se van desvaneciendo entre cada nota, eso llena los graves, que es justo lo que necesita este tema. Ahora queremos ajustar el punto más bajo del sonido, la parte más redondeada del sonido, aquí. En .43. Pero no queremos empezar tan bajo y redondeado, en realidad queremos empezar brillante y que vaya bajando hasta ahí.
Así que ajustamos el contour al punto donde queremos empezar, y luego aumentamos el decay y bajamos el sustain. Bajamos el sustain hasta donde está el cutoff, porque ahí es donde queremos que vaya la envolvente, y subimos el decay hasta ahí.
Entonces ahora empieza en el contour y rápidamente baja hasta el cutoff. Para asegurarnos de que las notas que se sueltan antes hagan lo mismo que el decay, ajustamos el release para que coincida con el decay. Así, sin importar cómo toques este patch, notas muy cortas o notas más largas, el filtro bajará del punto contour al punto cutoff de la misma manera, siempre.
Cuando usas una envolvente de filtro y la aplicas a esta velocidad, con un decay muy rápido, en lugar de escuchar cómo va bajando el cutoff, lo que escucharás es casi como un ataque brillante al principio del sonido de bajo. Eso es lo que buscamos. Ayuda a que se destaque en la mezcla.
Entonces, con todo lo demás, por último hay un poco de pitch bend en esto. Lo ajustamos al máximo para que haga bend de una octava completa y luego lo escuchas. Ahí al final de esa línea. Lo siguiente es lo que llamo el Big Noise.
En este tema hay una especie de ruido en el fondo. Ruido blanco. Está por todas partes, a la izquierda y derecha, moviéndose, y es genial porque simplemente llena el sonido. Lo hace sonar mucho más activo y grande. Así que lo que voy a hacer aquí es mostrarte cómo hacerlo con un sinte. Ahora mismo, Tal NoiseMaker, voy a bajarlo antes de poner esto en marcha.
Ok, justo ahí. Entonces ahora es una forma de onda real. Sin suboscilador y queremos cambiar esta forma de onda de diente de sierra a ruido. Ahí está. Ese es el sonido simple en sí. Ahora solo necesitamos que se vaya desvaneciendo. Ahí vamos. Y queremos eliminar algo de los graves porque llenará demasiado espacio y hará todo confuso. Así que ponemos un pase-alto. En este caso usé un pase-alto de 24dB.
Obviamente no queremos cortarlo todo porque eso no dejaría nada. Veamos. ¿Qué tan bajo quiero ir? Lo pondré por aquí. Y ese es tu ruido blanco. Tiene el mismo ritmo que el Big Synth. Suena al mismo tiempo. Luego queremos que sea muy ancho, así que usaremos un truco de ensanchamiento con delay. Este es el delay Tal-Dub.
Ahora mismo puedes escuchar los delays y la cola. No queremos eso. En cambio, te mostraré cómo usar esto solo para ensanchar el sonido. Primero lo primero. Ponlo wet. Cien por ciento wet. No queremos nada de damping, no queremos resonancia.
Entonces ahora escuchas bien esos delays. Queremos deshacernos de eso. En su lugar, lo pondremos en manual en vez de sincronizado. Pondremos un canal en cero.
Básicamente es solo el ruido pasando, sin que le pase nada. El derecho lo quieres ajustar lo más que puedas sin escuchar los dos delays separados. Si vas muy pequeño, no queremos que vaya tan lejos como para escucharlos separados, así que lo pondremos por aquí. Ahora el feedback. Aquí se pone complicado. Muy bajo y no obtienes nada. Se hace cada vez más silencioso. Demasiado, uy, obtenemos un poco de feedback.
Lo pondremos por aquí. Ahí está. Ruido ancho. Apagado, está en el centro; encendido, y está ancho. Por último, queremos darle algo de reverb, así que volvamos a encender todo. Medio sutil. Ahí vamos. Ahí vamos. Es muy sutil ahora. Apagado. Encendido. Voy a subirlo para que lo escuches bien. No lo queremos así. Es más bien un relleno sutil en el fondo. Ese es el Big Noise.
Bueno, por último está este sonido de Bending Noise en el cuarto tiempo de cada compás. Podría ser un sample, pero te mostraré cómo hacerlo desde cero con un sinte, un filtro y un flanger. Empecemos con NoiseMaker y vamos a bajar esto considerablemente. Está hecho con ruido, así que sin suboscilador y cambia esto a ruido. Muy bien.
Ahora le añadiremos un poco de ataque. Te mostraré cómo hacerlo. Baja el sustain más o menos a la mitad. Luego sube el decay. No sé si pudiste escuchar ese pequeño TSK al principio. Si bajo el sustain realmente lo escuchas.
Entonces tiene un pequeño ataque al principio. No queremos tanto, solo queremos esto. Ahora quitaremos algunos agudos y graves con el pase de banda, lo ajustamos más o menos a la mitad, bien, eso le da forma. La resonancia le dará aún más forma, le dará algo de medios, hará que muerda un poco más. Ahí está. Hace que corte un poco. Queremos cortar algo más de graves, solo un recorte un poco más sutil para ayudar a que realmente muerda en la mezcla.
Entonces otro pase-alto y ajusta el pase-alto por aquí. Sí, le da un poco más de filo. Y luego el flanger es lo que hace que gire y se doble. Este es un flanger estéreo. Pero solo necesitamos mono para que se quede en el centro. Así que ponemos el spread en cero, la ganancia en cero para que no lo haga más silencioso o más fuerte.
El delay es la parte más efectiva. Ahora mismo, si lo reducimos, obtenemos menos de ese sonido metálico granulado y más remolino y barrido. Sí, ahí vamos. Depth, queremos que vaya muy alto y muy bajo, así que es un flanger extremo. Así que subimos ese depth. Ahí vamos.
Y por último, lo hacemos un poquito más lento. Y ese es tu Bending Noise. Ahora con todo lo demás. Súbelo un segundo. Voy a darle algo de reverb. Ayuda a que se asiente en la mezcla un poco. Lo bajaré de nuevo. Y ese es el Bending Noise.
¡Gracias por ver! Haz clic en el enlace en la parte superior del video para descargar todo lo que necesitas para hacer esto en casa, y échale un vistazo a Syntorial mientras estés ahí.
En este tutorial de síntesis, mira cómo Joe Hanley, creador de Syntorial, recrea el lead sintetizado de "Phantoms Can't Hang". El video incluye información valiosa sobre cómo apilar patches de sinte, y usar el diseño sonoro para construir una pista. No olvides descargar los presets y archivos MIDI. Plugins y software utilizados:
Muy bien, hoy vamos a analizar el lead sintetizado de Phantoms Can't Hang de Deadmau5. Es un lead interesante, porque recorre casi toda la pista, pero cambia, pasa por cuatro etapas distintas. Las notas se mantienen iguales, pero el sonido en sí cambia en capas, es algo muy interesante.
Antes de empezar, quiero contarte brevemente sobre Syntorial. Syntorial es un software de entrenamiento tipo videojuego que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo diseñé específicamente para darte la capacidad de hacer lo que estoy haciendo en este video. Tomar una canción que escuchas en tu cabeza, o en otra pista, y recrearla.
Lo hace combinando demostraciones en video con retos interactivos, en los que programas más de 700 patches en un sinte incorporado. Y puedes probarlo gratis las primeras 22 lecciones con nuestra demo gratuita, solo haz clic en el enlace que aparece en la pantalla.
Ahora, Phantoms Can't Hang. Como mencioné antes, el lead pasa por cuatro etapas diferentes. Empezaremos aquí. Comienza con este sonido. Se repite durante un rato, y finalmente se reemplaza por una versión más agresiva. Esta se repite, y luego agregan una capa una octava más alta. Y después meten el lead de trance.
Vamos a empezar con ese primer lead aquí. Este. Ahora. Vamos a usar Synth 1 para esto. Synth 1 es un sinte gratuito que puedes descargar con el enlace que aparece en tu pantalla. Está disponible como VST para Mac y PC, y acaban de lanzar una versión Audio Unit para usuarios de Logic. Así que solo haz clic en el enlace de la pantalla y puedes descargarlo ahí.
Y nuestro primer paso es inicializarlo. He creado este patch inicializado. Puedes descargar este patch ahora, junto con todos estos otros patches y los archivos MIDI con el enlace que aparece en tu pantalla. Te llevará a una página con este video y el enlace de descarga. Y cuando estés ahí, puedes suscribirte a nuestro boletín y te enviaremos a una nueva página que tiene este tutorial, junto con un montón de otros tutoriales en video, cosas interactivas, todo tipo de recursos para sintes. Así que suscríbete al boletín mientras estés ahí.
Tenemos nuestro sonido inicializado. Está un poco fuerte, así que lo bajo por ahora. Y probablemente escuches algo de reverb. Tengo una reverb configurada como efecto de envío aquí. Así puedo tomar todos estos leads y enviarlos a esa reverb. Voy a apagarla ahora mismo. Volveré a la reverb en un momento. Así que ahora tenemos nuestro verdadero sonido en crudo.
Lo primero es lo primero: queremos una forma de onda diferente. Sí queremos la onda de pulso, pero queremos que sea de ancho cuadrado completo. Y luego, este sonido empieza brillante cuando tocas una nota y se oscurece al final de la nota. Así que vamos a usar una envolvente de filtro para lograr eso.
Primero, ajustamos nuestro cutoff al punto más oscuro, el final de la nota que es… por ahí. Pero queremos que empiece brillante. Así que usamos la cantidad de envolvente de filtro. Eso determina el inicio de nuestro sonido, el punto más brillante. Y nuestro sustain, si lo bajamos completamente, la envolvente de filtro nos llevará hasta nuestro cutoff. Sustain en cero es nuestro cutoff.
Entonces ahora, si llevamos esto a cero, nuestro sonido empieza en esta cantidad de envolvente de filtro y baja a nuestro cutoff así. Y queremos que ese movimiento descendente sea más rápido, porque realmente queremos un buen sonido de pluck rápido. Así que vamos a hacer el decaimiento más rápido. Ahora hemos creado ese transitorio de pluck. Solo lo voy a subir un poco, porque bajar el cutoff lo hace bastante más silencioso. Vamos más o menos hasta ahí. Listo.
Ahora, algo interesante sobre el patch real en la pista de Deadmau5 son las notas altas. Estas de arriba son más brillantes que estas notas graves. Por defecto, un filtro pase-bajo hace lo contrario. Hace las notas graves más brillantes y las notas agudas más oscuras. Y podemos usar key tracking para revertir ese efecto. Pero en este caso, no solo lo vamos a revertir para equilibrarlo, vamos a ir más allá, y hacer las notas agudas más brillantes y las notas graves más oscuras. Así que voy a subir el key tracking al máximo. Y ahora nuestra nota más aguda va a ser más brillante que nuestra nota más grave.
Desafortunadamente, esto aclaró todo. Hizo nuestras notas agudas más brillantes que las graves, pero aclaró todo incluyendo las notas graves. Así que necesitamos compensar eso bajando la frecuencia, el cutoff. Ahora tenemos lo que buscamos. Antes teníamos esto. Las notas graves suenan genial, pero las agudas no son lo suficientemente brillantes. Subes esto, bajas esto. Ahora. Solo las notas agudas se volvieron más brillantes.
Y luego, vamos a agregar un poco de resonancia, para darle algo de presencia. Sacar ese sonido, hacerlo resaltar un poco. Agregar un poco de resonancia es una excelente forma de darle vida a un sonido plano. Hacerlo más presente, traerlo al frente en la mezcla.
Y luego, solo queremos cortar la nota un poco más corto, está sonando demasiado. Así que vamos a bajar el sustain del amp completamente. Ahora, eso es demasiado. Así que voy a alargar el decaimiento. Listo. Antes era así. Ahora es. Solo quitamos un poco del final. Este es un patch mono. Y luego, queremos extenderlo. Así que activamos el unísono y subimos la extensión al máximo.
Ahora, como en la pista de Deadmau5, el sonido se mueve de izquierda a derecha muy sutilmente, y tenemos eso con la extensión del unísono. Pero está pasando muy rápido. Suena un poco maníaco. Así que lo vamos a ralentizar reduciendo la cantidad de desafinación. Perfecto.
Ahora queremos traer esa reverb de vuelta. Así que voy a aumentar este envío. Voy a exagerarlo para que realmente escuches la reverb por un momento. La reverb que estoy usando se llama Ambience. Es otro plugin gratuito, y lo voy a borrar para meter uno nuevo y poder diseñarlo desde cero. Y todo lo que hice fue un pequeño cambio. Aquí está por defecto. Es muy corta. Así que simplemente aumento el tiempo. Y luego, no la queremos tan wet. Listo. Entonces es una reverb larga, pero no muy, muy wet. Está como en la distancia. Nuestro sonido debe seguir siendo agradable y dry al frente con esta cola de reverb larga en el fondo.
Ahora tenemos el lead un poco más agresivo. Volvamos a eso. Y vamos a inicializarlo. Aquí está nuestro sonido en crudo. Lo subo un poco por ahora. Y en este también vamos a usar una onda de pulso, pero no vamos a ir a cuadrada completa. En este también queremos notas más brillantes arriba, notas más oscuras abajo.
Así que vamos a subir el key tracking de antemano. Y también queremos que esto empiece brillante, usando una envolvente de filtro y que se oscurezca. Pero queremos que se oscurezca tanto que ni siquiera podamos escucharlo. Así que vamos a usar la envolvente de filtro, como si fuera también una envolvente de amplitud, la vamos a usar para cortar el sonido. Así que vamos a empezar en más o menos… este brillo. Y si quieres bajar completamente al cutoff, tenemos que bajar el sustain a cero. Listo. Y por cierto, también tenemos reverb en este, puedes escucharla en el fondo. Tenemos reverb en todos estos leads. Y es la misma reverb que estamos usando para los cuatro leads.
Y luego, queremos que esto sea un poco más largo, darle un poco más de cuerpo. Es sutil. Pero está ahí. Iguala el release con el decaimiento. Solo le da un poco más de duración. Ahora no suena nada parecido. Así que vamos a usar saturación de filtro, que es básicamente como overdrive. Si empujas este filtro lo suficiente, empieza a saturarse, distorsionarlo de una forma cálida y agradable. Escucha. Ahí es donde obtenemos nuestra distorsión.
Él puede usar un plugin de distorsión u overdrive real, pero cuando puedes saturar el filtro dentro del sinte, es agradable, generalmente es un efecto de overdrive cálido y agradable.
De nuevo tenemos un patch mono aquí, solo una nota a la vez. Y vamos a usar unísono como la última vez para extenderlo. Así que unísono con dos voces, subimos la extensión al máximo. Y luego, vamos a aumentar nuestra desafinación solo para engrosarlo un poco. Generalmente, mientras más desafinación le das a un patch, más gordo se vuelve el efecto. No necesitamos mucho más.
No queremos exagerar. Pero voy a aumentarlo solo un poco. Es sutil, pero le da un poco más de movimiento, un poco de pulsación, un poco de grosor. Y luego, voy a bajar el volumen. En realidad, lo voy a subir. Ahí está. Ya tenemos la reverb ahí.
Ahora, la última diferencia es que el patch en la pista tiene un poco más de cuerpo, tiene un poco más, digamos de medios-graves. Así que voy a meter un EQ, y puedes usar cualquier EQ para esto. Y voy a realzar 450. Así que escucha la diferencia con y sin. Con. Sin. Solo le da un poco más de ese oomph.
Y luego, voy a cortar los graves más profundos. Esto a veces aprieta tu sonido, y es genial para la mezcla. Si te deshaces de esos graves que no necesitas, limpia un poco la mezcla. Así que lo vamos a hacer shelf. Lo bajamos completamente. Y ahí. Y luego aumentamos este para que cortemos, de forma algo abrupta como puedes ver. Pero solo tenemos que cortar este pedazo de graves.
Pero no queremos afectar este realce que agregamos aquí. Así que le damos algo de cuerpo y lo apretamos un poco, al mismo tiempo. Ahí está ese sonido.
Ahora, el siguiente sonido es en realidad el mismo sonido, pero una octava más alta. Así que todo lo que voy a hacer es copiar este sinte. Lo muevo ahí. Este MIDI aquí es exactamente igual a este, pero una octava más alta. Entonces lo que obtenemos es… eso. Y luego, cuando juntas los dos. Ahora, hay un par de diferencias.
Para este más agudo, queremos reducir el volumen, no queremos que sea tan fuerte. Tiene que ser la capa, no el sonido principal. El más grave es nuestro sonido principal. Bien. Queremos que suene un poco más tiempo que el grave. Este es un gran truco: si quieres que un sonido más silencioso se escuche más, sin subirlo, solo aumentas su cola. Aumentas su duración, y sonará un poco más que el otro.
Así que voy a aumentar el decaimiento y el release del filtro solo un poco. Ahora, sigue siendo más silencioso, pero podemos escucharlo mucho mejor solo dándole una cola más larga. Y luego, también le vamos a aplicar EQ. Porque ahora mismo, cuando entra, no solo escuchas esos agudos, sino que cambia el patch grave, escucha. Es más difícil escuchar ese patch grave por sí solo, se han mezclado.
Ahora, si eso es lo que buscabas, esto sería perfecto. Pero no es lo que buscamos. Queremos que este más agudo sea más pequeño y separado. Así que voy a cortar un gran pedazo de los graves, usando un shelf, lo bajo, y vamos hasta… más o menos… aquí. Y lo ajusto. Es algo pronunciado. Y ahora, sin el lead agudo. Cuando lo meto, no va a cambiar el patch grave. Lo mantiene más separado. Sin EQ. Escucha lo que pasa con el patch grave cuando apago el EQ. Aquí está encendido. ¿Ves cómo cambia el carácter? Entonces en este caso, estamos usando EQ para separar estos dos patches, para que suenen más distintamente diferentes entre sí.
Y finalmente, traemos nuestro lead de trance. Este también va a tener EQ, lo borraremos por ahora. Synth 1, inicializar. Vamos a subirlo un poco. Este va a ser diente de sierra. Y luego, para lograr ese sonido gordo y desafinado agradable, usamos nuestra desafinación aquí, y esto duplicará este oscilador y lo desafinará. Agradable, gordo y amplio.
Pero queremos que la cola, cuando soltamos la tecla, sea más corta. Queremos que sea un poco más abrupta. Así que vamos a bajar el release del amp. Y quiero resaltar ese chisporroteo de agudos un poco más. Como nuestro cutoff ya está al tope, usaremos la resonancia para eso. Quiero bajar ese chisporroteo ligeramente, para que sea un poco menos ruidoso y un poco más filoso. Y luego, vamos a agregar algo de esta saturación, este drive de filtro, para darle un poco más de agresividad. Es un patch mono. Y luego, vamos a usar unísono no solo para extenderlo, sino para engrosarlo un poco. Así que lo vamos a activar, e ir con tres voces. Y agregar un poco de grosor subiendo la desafinación.
Esta es como la capa de fondo, así que vamos a bajar el volumen. Tiene reverb, escuchémoslo todo junto. Ahora, voy a apagar el agudo para que solo podamos escuchar el lead principal y este lead de trance. Cuando se agrega el lead de trance, perdemos algo del cuerpo del lead principal, escucha. De repente, ese lead principal, solo escuchas más el corte, el ataque. El filo, digamos. Pero no escuchas ese oomph, ese cuerpo. Eso significa que algo de este lead de trance está enmascarando ese lead principal.
Ahora, si recuerdas, con este lead principal realzamos 450. Así que vamos a entrar al trance y vamos a cortar 450. Vamos a remover ese, ese pedazo de cuerpo de este lead de trance, y eso nos permitirá escuchar el cuerpo del lead principal mucho mejor. Eso era 450. Y lo vamos a cortar. Cuando cortas, siempre quieres estrecharlo un poco.
Así que escucha el lead principal, no el lead de trance, cuando activo y desactivo este EQ. Activado. Es sutil, pero ese lead principal de repente se vuelve un poco más delgado, un poco más ligero. Pierde algo de cuerpo cuando este EQ está desactivado. Entonces de nuevo, estamos usando EQ para separar los dos sonidos.
En este caso, estas tres capas necesitan estar claramente separadas. Así que usamos EQ para cortar diferentes aspectos de ellas, para que todas funcionen bien juntas. Es básicamente una técnica de mezcla que estamos usando en el diseño sonoro. Y eso es todo. Gracias por ver.
Through the development of Syntorial I’ve formed some pretty strong opinions when it comes to synthesis. So I figured I’d share them with the world in the form of a Top Ten List. I organized them into a Top Ten List because I once read that people like Top Ten … Leer más
En este tutorial de sinte, Joe Hanley, creador de Syntorial, recreará "Lights" de Ellie Goulding en Ableton Live. No olvides que puedes descargar los archivos MIDI, presets de sinte, archivos de audio, archivos de sesión y todo lo demás que necesitarás para seguir el tutorial en casa. Plugins utilizados:
Bienvenido. Hoy vamos a recrear el beat de "Lights" de Ellie Goulding. Estoy usando plugins gratuitos tanto para los sintes como para los efectos, así que sin importar el software que uses, podrás seguir el tutorial exactamente igual.
Para descargar los presets, archivos MIDI y archivos de audio, simplemente haz clic en el enlace en la parte superior de este video. Te llevará a la página de Kickstarter de Syntorial. Desplázate hasta la sección de tutoriales en la parte inferior; cada video tendrá un enlace de descarga.
Cuando descargues, obtendrás el bounce del audio, un archivo con enlaces a todos los plugins gratuitos, todo lo que necesitas para recrear cada pista, incluyendo los archivos MIDI y los presets AU o VST, y si usas Ableton o Reason, las sesiones completas. Para Ableton, solo necesitarás esos plugins gratuitos y todo estará listo para funcionar en cuanto lo abras.
Mientras estés en esa página, echa un vistazo a Syntorial. Es el tutorial de sintetizador definitivo: un software de entrenamiento completamente interactivo que te convertirá en un gurú de la programación de sintes. Empecemos.
Bien, empezando con la batería. Estos drums se hicieron originalmente en Reason y luego se hizo el bounce del audio para traerlos a Ableton, así que tienes el audio del kick, del snare, del hi-hat, etcétera. En las descargas se incluyen todos estos archivos de audio, así como el MIDI original de Reason, así que puedes traer estos archivos de audio como lo hice aquí o puedes importar el archivo MIDI, ver más de cerca cómo son los ritmos y luego reconstruir la batería usando tus propios samples. Tú decides.
Desglosando la batería tenemos: un kick, snare, snare, hi-hat, shaker, floor tom, y luego un fill de mid tom que viene aquí al final. Y luego, dos platillos. Es el mismo sample de crash, solo que en lados diferentes, así que empieza a la izquierda y aproximadamente a la mitad lo oyes de nuevo a la derecha. ¡Esa es la batería!
Ahora tenemos el sinte saltarín, esa cosa que oyes al principio de la canción. El MIDI ya está grabado y por supuesto puedes descargarlo para ver qué notas están sonando y qué ritmo tienen. Me gusta tener el MIDI grabado y reproduciéndose mientras programo, de lo contrario tienes que tocar el teclado con una mano y programar con la otra, y esto es mucho más fácil. Así que vamos a hacer solo de esto.
El sinte que estamos usando es TAL Noize m4k3r, un buen sinte gratuito VST/AU, Mac/PC. Este es el sonido por defecto, que no se parece en nada a lo que necesitamos. Primero necesitamos múltiples notas, poly. Sin suboscilador. Y la forma, es como un mazo, una nota corta, así que vamos a bajar el sustain completamente porque ahí es donde queremos que vaya el sonido mientras tocamos, queremos que se desvanezca a cero y queremos que eso suceda bastante rápido. Así que ponemos el decay aproximadamente… aquí.
Eso nos da una nota corta y cuando quieres un sonido tipo mazo, quieres que reaccione igual sin importar si mantienes la tecla presionada o la sueltas, así que haces que el release y el decay sean iguales y ahora responde igual sin importar cómo toques. Además, el sonido real en la pista es un poco más suave en el attack, así que subimos el attack un poco, solo para suavizarlo.
Bien, ahora volvamos aquí arriba al tono. La nota está demasiado baja, así que la subimos hasta aquí. La forma de onda no es diente de sierra, es pulse y ahora mismo está en cuadrada completa pero en realidad necesitamos algo intermedio. El tipo de filtro es low-pass de 24 dB. Después de experimentar con el sonido, descubrí que este otro low-pass de 24 dB sonaba más preciso.
El cutoff podemos bajarlo bastante para conseguir ese tono redondo y agradable. ¡Y la resonancia! La resonancia es la clave de este sonido, aquí es donde conseguimos ese sonido percusivo muy parecido a un mazo subiendo la resonancia al máximo. Así mismo. Ahora está empezando a sonar mucho más parecido.
Key tracking. Para quienes no lo sepan, el key tracking básicamente ajusta el cutoff. Lo sube a medida que vas más alto en el teclado y lo baja a medida que vas más bajo. El punto es que sin él, los sonidos agudos sonarán más apagados que los graves que sonarán más brillantes, así que si estás tocando una parte como esta donde tienes notas agudas y graves, quieres tener el key tracking activado para mantener un sonido parejo y redondeado en toda la parte.
Ese es tu sonido básico, vamos a bajarlo un poco. Ese es tu sonido de sinte básico. Ahora solo necesitamos un buen delay. Este es el delay por defecto en TAL-DUB, está bastante cerca pero no del todo. El timing está bien, tienes corchea a la izquierda, negra a la derecha. Damping, veamos… un poco más amortiguado. Es muy común amortiguar el sonido del delay para que el sonido fuente sea más brillante al frente y el delay sea un poco más redondeado detrás.
No queremos nada de esta resonancia, un sonido suave y limpio. El feedback, que es cuántas veces se repite el delay... está un poco largo. Lo vamos a cortar hasta aquí y podríamos usar un poco más de ese sonido con delay. Ese es tu delay. Volvamos a traer la batería. Lo último es: para esta pista vamos a tener una reverb en un canal auxiliar para que podamos enviar cualquier pista que queramos.
Este es un preset Church en Ableton pero puedes usar cualquier reverb de sala grande que tengas en tu software. Y vamos a enviar una cantidad bastante generosa... ya sabes, porque añadirá espacio y ambiente. ¡Y ese es el sinte saltarín!
Lo siguiente es el bajo, vamos a usar TAL Noisemaker de nuevo. Voy a bajarlo un poco antes de empezar porque está muy fuerte. También voy a bajar este sub por ahora. Lo vamos a usar pero todavía no. Lo primero es que voy a subir el segundo oscilador para que coincida con el primero. Entonces... Lo bajamos un poco... y bajamos el pitch del segundo para que coincida con el primero.
Así que ahora tenemos dos formas de onda idénticas al mismo pitch con la misma forma de onda y el mismo volumen. Ahora, lo único que tienes que hacer es desafinar ligeramente el segundo. Eso nos da ese sonido arremolinado, como un efecto de chorus. Ese es más o menos el tono principal aquí.
Luego volvemos a traer el suboscilador para dar los graves. Ahí está tu bajo. El suboscilador en este sinte es una onda cuadrada. Está configurado así de forma permanente porque esa es la forma de onda de suboscilador más típica. Es simplemente una forma de onda sólida, unos graves agradables y consistentes. Casi siempre uso cuadrada y tengo que hacerlo con este sinte.
Así que esta es una versión brillante del bajo. El bajo empieza brillante pero luego baja a un sonido redondo, como un sonido más oscuro al final. Entonces, configuramos el cutoff donde queremos que llegue. Ese va a ser el punto más oscuro que alcanza al final de cada nota. Déjame subir el contour, que es la cantidad de envolvente de filtro, hasta donde queremos que empiece el sonido.
Sí, así que queremos que vaya desde ese brillo hacia ese cutoff. Bajamos el nivel de sustain completamente a cero, que es el cutoff. Y luego subimos el decay hasta... más o menos ahí. Así que empieza un poco más brillante y se vuelve más oscuro. Aparentemente el paso clave es la resonancia. Le da como un efecto de wah. Siempre que tengas una envolvente de filtro en uso, puedes aumentar la resonancia para mostrar realmente lo que hace la envolvente y básicamente darle como un efecto de wah.
Ahora, en cuanto al volumen... lo subimos de nuevo. Y ese es tu sonido de bajo. Ahora la única diferencia es que esto es muy estrecho en el centro. En la pista real es un sonido más ancho. Así que vamos a usar un delay para ensancharlo.
Ahora en realidad no queremos oír todos estos pequeños delays, así que te mostraré cómo hacerlo ancho sin escuchar delay. Primero, ponlo wet al 100%, no queremos oír el sonido dry, luego vamos a ignorar estos valores sincronizados, vamos a poner el delay izquierdo en nada y vamos a bajar este hasta más o menos aquí.
Si lo bajas demasiado, obtienes sonidos extraños. Si lo subes demasiado, oyes notas separadas. Así que justo ahí. Sin damping, sin resonancia. Feedback: muy poco y el sonido empieza a desaparecer. Demasiado y se retroalimenta, así que listo. Y ahí está tu bajo ancho. Bajo estrecho. Bajo ancho. Ese es el bajo. Así que, en total tenemos:
Así que ahora solo nos falta el sonido de cuerdas, el sonido de cuerdas de sinte, un pad muy básico y común usado en muchas pistas. Voy a bajarlo primero, porque va a estar demasiado fuerte pero si no lo hago... ¡ok! Así que como suena ahora mismo es: notas individuales, para empezar, pero estamos tocando múltiples notas así que tenemos que darle más voces.
Sin suboscilador, eso está un poco mejor. Demasiado bajo así que vamos a subirlo... oh, demasiado alto. Ahí está. Ahora queremos el mismo efecto arremolinado que tenía el bajo, así que activamos un segundo oscilador al mismo volumen que el primero. Ahora, la razón por la que el pitch acaba de subir es porque cuando pones dos formas de onda idénticas una encima de la otra, puede hacer cosas raras.
Mira cómo lo desafino para obtener el sonido arremolinado y el pitch volverá a la normalidad. Ahí está. Así que ahí está nuestro sonido básico. Ahora... Queremos que se desvanezca un poco al final. De esa manera cuando vas de acorde en acorde, se va apagando un poco.
Y ahora mismo estamos usando un low-pass, todo abierto, pero en realidad el sonido tiene tanto algunos de sus agudos como algunos de sus graves recortados. Esto significa que está usando un pase de banda; un pase de banda literalmente recorta algunos agudos y graves, así que cuando lo pones aproximadamente en el punto medio, puedes oírlo. No es súper brillante pero tampoco tiene muchos graves, es una buena manera de adelgazar un sonido.
Ahora en realidad queremos que el sonido empiece brillante y se vuelva oscuro como el bajo, pero queremos que baje completamente si mantienes la tecla presionada el tiempo suficiente. Así que baja hasta nada pero empieza aproximadamente ahí. Así que queremos bajar hasta nada, sustain a cero para coincidir con el cutoff y decay aquí arriba. Perfecto.
Ahora quizás hayas notado que perdimos la cola, aunque nuestro release de amp todavía está arriba, ya no se está desvaneciendo. Eso es porque cuando soltamos la tecla, el cutoff se cierra súper rápido porque el release está en cero. Así que subimos el release para que coincida con nuestro decay. De modo que si sueltas la tecla o mantienes la tecla, no importa qué, el filtro va a operar de la misma manera. Así que ahí está tu sonido básico.
Lo único que falta es algo de reverb. Dale un poco de wet. Te mostraré cómo suena realmente. Le pone mucho espacio alrededor, no necesitamos tanto. Volvemos el volumen a... y esa es la pista completa.
¡Eso es todo! Gracias por ver, haz clic en el enlace en la parte superior de la página para descargar todo lo que necesitas para recrear la pista. Nos vemos la próxima.
Option anxiety. It’s a struggle that we synthesists must toil with ’til the end of our days. Overwhelmed are we by these magnificent creatures and their many knobs, buttons, sliders and switches, vying for our attention all at once… Read More
We've detected you might be speaking a different language. Do you want to change to:
EN 
JA 
FR 
ES 
DE