Serum no es solo un sintetizador wavetable—también es un sinte vocal. Bueno, más o menos. Puedes introducir una grabación de tu voz y convertirla en un sinte tocable. Así que hagamos que Serum diga "Serum".
Nota: Esto no se trata de crear un simple sampler; más bien, Serum analiza el audio para capturar la esencia de la voz en un proceso que la divide en subtablas. Este método permite la resíntesis vocal a partir de entradas de audio. Tampoco es un generador de canto con IA (¡obvio!). No hará que tu voz cante letras o mantenga una melodía como las populares herramientas de IA que existen. En cambio, estás moldeando tu voz en un sonido de sinte tocable—más robótico que humano.
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Primero, grábate diciendo "Serum" e importa el archivo al editor de tabla de onda de Serum. Serum lo dividirá en 256 pequeñas formas de onda (subtablas). ¿El resultado? Una versión tosca y entrecortada de tu voz que suena como un robot aprendiendo español. Todavía no es genial, pero lo arreglaremos. Ten en cuenta que estoy pronunciando exageradamente a propósito.
Seleccionar el Número Óptimo de Subtablas
Puedes comparar diferentes tamaños de importación FFT (Fast Fourier Transform: 256, 512, etc.) durante la importación. Esto afectará qué tan fluida aparece la palabra "Serum" mientras modulas a través de la tabla de onda. En nuestro caso, 256 dio el resultado más limpio. Prueba diferentes ajustes para ver qué funciona mejor para tu grabación.
Limpiar la Tabla de Onda de la Voz
Ahora, recorta el silencio al inicio y cualquier ruido extra al final. Luego, elimina 3/4 de las subtablas. Esto hará que la reproducción sea irregular al principio, pero no te preocupes—estamos a punto de suavizarla.
Hacer que la Resíntesis Vocal Sea Tocable
Aquí está la magia: activa Spectral Morphing. Esto mezcla las subtablas entre sí, transformando el desastre entrecortado en un sinte vocal suave y tocable.
Conclusión
Con un poco de edición, Serum puede tomar una palabra simple y convertirla en un sinte de voz personalizado. Pruébalo con diferentes palabras, ajusta la configuración y haz que tu sinte hable. O grite. O susurre cosas espeluznantes en tu track. Tú decides.
Recently I had a lesson with one of my 1:1 students, & he asked me to dissect how UK bass sounds are made. I was delighted to open up Serum and put the pieces of the puzzle together, and I want to share how it was made. So… In this … Leer más
Procede con cuidado, no sea que se te derrita la cara.
Receta
Osciladores:
4 osciladores en total – Osc 1-3: Onda de diente de sierra, unísono de 9 voces, con la desafinación del unísono subida justo hasta donde empieza a sonar un poquito desafinado. Esta cantidad de desafinación te dará la agresividad que buscas. También sube al máximo el ancho del unísono para conseguir un sonido grande y amplio. Luego desafina el pitch fino general del Osc 2 un poco hacia abajo, y el del Osc 3 un poco hacia arriba. Ahora tienes efectivamente un unísono gigante de 27 voces. CARA. DERRETIDA. – Osc 4: Ruido blanco. Súbele el pitch 4 octavas y aplícale un pase-alto. Solo queremos ruido blanco muy agudo y siseante. También aplica la misma configuración de unísono que en Osc 1-3 para conseguir un sonido grande y amplio. Y sube el volumen para que sea muy audible, pero que se mezcle con los otros osciladores de diente de sierra
Filtro
Pase-alto, pendiente de 12 dB. Sube el cutoff lo justo para quitarle un poco de pesadez a los graves.
Envolvente de amplitud
Baja el sustain bastante, y haz el decay rápido. Luego sube el volumen general para compensar el volumen perdido con el sustain bajo. Ahora tenemos un transitorio de ataque potente.
Distorsión
Añade solo un poquito de distorsión agresiva tipo clip. Luchará con las voces pulsantes del unísono y lo hará un poco más agresivo. No te pases aquí. Solo un toque.
Reverb
Tamaño grande, bastante wet. Amortíguala para eliminar algunos agudos, de modo que solo el cuerpo resuene por las cavernas.
Compresión
La perilla X-Comp de Spire es brillantemente simple. Solo la subí hasta la mitad y comprime el sonido, haciéndolo aún más agresivo. Pero cualquier compresor funciona. Solo baja el threshold hasta que empiece a apretarse.
¿No puedes esperar para probarlos? Pásate por el foro Patch Share y enséñanos lo que creaste!
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
En este tutorial vamos a crear un lead de trance supersaw gigante. Y la clave de este sonido es básicamente una onda de diente de sierra con montones de unísono. Sin embargo, si realmente quieres hacer uno grande e impactante, hay muchos cambios sutiles que necesitas hacer para conseguir ese sonido grande.
Estoy usando Spire, y como verás, hay un par de razones por las que se presta muy bien a este sonido. Pero en realidad, cualquier sinte que te dé un unísono grande, muchas voces de unísono, podrás lograrlo con ese sinte. Así que empecemos. Aquí solo tenemos una buena y simple onda de diente de sierra. Y vamos a cambiar a mono. Una voz a la vez. Y vamos a ir directo al grano, unísono.
Spire nos da hasta nueve voces, y cuantas más voces, mejor. Así que voy a usar las nueve, todas las que pueda. E iremos con el ancho completo. Bonito, amplio, sonido grande. La desafinación es clave aquí. A medida que la subes, sí, obtienes un sonido más desafinado, pero eso se traduce en un tono un tanto agresivo. Escucha cómo se vuelve un poco rabioso. Así que puedes ajustar cuánta rabia, cuánta agresividad quieres en el tono de tu lead.
Voy a dejarlo justo ahí. Ahora, Spire tiene algo único que realmente ayuda con esto y es esta perilla de densidad, que básicamente juega con cómo las diferentes voces, en este caso, las nueve, cómo se distribuyen exactamente. Ahora mismo estamos consiguiendo una distribución muy limpia y uniforme de nuestras nueve voces.
En realidad esto está diseñado para emular algo llamado hypersaw, que ves en el Access Virus, un sinte famoso. Pero si subo la densidad al máximo, se convertirá en un supersaw, que emula algo que vimos en un viejo sinte Roland, el JP-8000, era un sonido clásico y todavía se usa hoy porque es este gran supersaw. ¿Oyes lo agresivo y como caótico que es? Es ese analógico imperfecto, versus el digital hiper limpio. Cualquiera de los dos funciona, esto es realmente cuestión de gusto, pero vamos por un lead de trance supersaw grande y agresivo, así que voy con supersaw, densidad completa.
Otros sintes a veces te dan control sobre la distribución, como Serum que te permite ajustar cómo se distribuyen estas cosas de manera más compleja. Pero en cualquier caso, estás bien con cualquiera de los dos. A mí simplemente me gusta este supersaw, por lo grande y agresivo que es. Ahora quiero ir aún más grande. Pero estoy al máximo con nueve. Así que voy a añadir dos osciladores más con la misma configuración y desafinarlos.
Entonces, aquí está el oscilador uno. Puedo copiar, ir al oscilador dos y pegar. Ir al oscilador tres y pegar de nuevo. Así que ahora, los tres, uno, dos y tres, son todos estos grandes dientes de sierra de unísono de nueve voces. Luego voy a tomar el oscilador dos, subirlo al mismo volumen que el uno. Y voy a desafinarlo un poco hacia arriba. Veamos cuánto. Traigo el oscilador tres y lo desafino un poco hacia abajo. Bien, así que ahora efectivamente tenemos como un supersaw de 27 voces, esto es un sonido masivo.
Ahora, en la parte superior de nuestro sonido, tenemos ese tipo de chisporroteo lavado, el shh. Eso es simplemente lo que sucede cuando juntas un montón de dientes de sierra desafinados. Quiero enfatizar eso aún más añadiendo ruido blanco en capas. Oscilador cuatro. Y voy a apagar los otros osciladores por un momento para que puedas escuchar esto. Así que ahora mismo es un diente de sierra, cambio a ruido. Ahora, la clave aquí es que vas a tener que filtrarlo por separado de los otros dientes de sierra. Y Spire nos da esto integrado directamente en el propio oscilador.
Si estás usando otro sinte, y tienes como un segundo filtro, porque vamos a necesitar usar nuestro filtro principal para otra cosa, puedes usar ese filtro separado para moldear el ruido de la manera que voy a mostrarte o podrías simplemente usar otra copia completa del sinte, otra capa completa. Pero ahora mismo tiene pase-bajo. Así que solo estamos obteniendo este ruido bajo, un tanto tosco y redondo. Queremos esta parte superior brillante y chispeante, así que.
Cambio a pase-alto. Ahora nos hemos librado de los graves y solo tenemos los agudos. Y esto también tiene un gran pico resonante, quiero deshacerme de eso. Y necesita algo de anchura. Muy bien, ahora. Esa también es una característica poco común, la veo en Spire, no veo anchura de ruido en muchos sintes, así que, de nuevo, otra característica clave aquí. Voy a volver a activar mis otros osciladores.
Ahora, este ruido todavía tiene demasiados graves. Aunque tiene pase-alto, lo quiero más brillante, lo quiero más alto. Así que voy a subirle el pitch. Ya está. Bien, así que ahora tenemos este gran sonido lavado y desafinado. Y esto tiene que ser brillante y cortante, y algunas de estas notas más bajas tienen muchos graves y cuerpo. En realidad quiero eliminar eso, así que simplemente voy a usar un pase-alto básico. Y por defecto, Spire tiene una envolvente de filtro, así que voy a quitarla. Y luego simplemente voy a quitar.
No queremos eliminar demasiado del cuerpo, queremos que sea un sonido lleno, pero solo quiero deshacerme de esos graves profundos. Vale, así que hemos establecido nuestro sonido. Ahora quiero darle más mordida, más impacto, realmente remacharlo. Pero antes de hacerlo, solo unas palabras rápidas sobre nuestra app de entrenamiento de sintes, Syntorial.
Este no es tu tutorial de sinte ordinario. Esto es Syntorial. Haciendo que programar sintes sea fácil con un entrenamiento tipo videojuego, enseñándote a programar patches de sinte de oído. Cada lección comienza con una demostración. Luego un reto interactivo. Con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Bien, así que lo primero que quiero hacer es crear un transitorio de ataque, quiero que esto realmente golpee en cada nota. Vamos a usar nuestra envolvente de amplitud para eso. Así que ahora mismo, solo tenemos sustain al máximo, no está pasando nada realmente, solo está encendido, apagado. Así que voy a bajar nuestro sustain. Hasta aquí más o menos. Y para que puedas escuchar lo que está pasando voy a darle un decay largo por un momento. Así puedes escuchar, durante este decay, simplemente se va haciendo más silencioso.
Pero quiero hacerlo más rápido para que cree más un TKK al frente del sonido. Así que voy a ir justo por aquí. Y como nuestro sustain está tan bajo, hemos perdido mucho volumen general. Así que súbelo. Bien, ahora tenemos ese pico al frente del sonido. Ahora quiero hacerlo un poco más rabioso. Voy a usar distorsión. Hay muchos tipos diferentes de distorsión aquí, voy a ir con clip. Subo nuestro drive, y luego solo quiero añadir un poquito, ¿vale? Así que no hay distorsión aplicada, está completamente dry ahora mismo.
Hace que el ruido sea un poco más notorio y hace que los dientes de sierra sean un poco más rabiosos, un poco más combativos. Y puedes usar otros tipos de distorsión. No hay una gran diferencia en este caso, pero me gusta el clip, tiene un poco más de mordida.
Luego quiero comprimirlo con compresión. Spire tiene esta maravillosa perilla x-comp. Es simplemente un compresor simple de una perilla. Todo este movimiento que ocurre con el unísono, todas estas voces, intentar comprimir eso crea este sonido realmente combativo donde todo está como luchando y simplemente se vuelve incómodamente rabioso. Muy bien.
También podrías hacer esto con un compresor normal, tendrás que ajustar más los parámetros, pero la idea es que estás obligando a este sonido en movimiento a comprimirse, lo estás apretando. Finalmente, esto necesita ser grande y épico, vamos a usar reverb para eso. Voy a añadir una buena cantidad de wet. Quiero que esté en un espacio enorme, que un decay más largo nos dará. Oh sí, estamos en un cañón, en una caverna.
Ahora, eso está bien, pero esa reverb grande, larga y brillante como que choca con el sonido principal. Solo crea mucho sonido, es un poco caótico. Así que voy a amortiguar la reverb. Es como poner un pase-bajo solo a la reverb. Así que todavía obtenemos ese sonido grande pero ya no hay más brillo en él, así que no está llenando demasiado el sonido, no está realmente luchando con el patch normal. Y ahí lo tienes, gran lead de trance supersaw.
Ahora, si hay algunos patches con los que te gustaría recibir ayuda, cualquier tipo de patch, dirígete a nuestro foro en syntorial.com y publica una solicitud allí. Y yo u otra persona te ayudaremos con eso. Hay un enlace en la descripción para eso. Y por supuesto, tenemos muchos videos como este en YouTube, así que por favor suscríbete.
Puedes ver cómo hacer un sub sinusoidal simple en el minuto 00:19, un sub de diente de sierra personalizable alrededor del 2:02 y cómo hacer capas en el 3:10
Ah, y aquí abajo están las recetas. ¡Buen provecho!
Simple
Oscilador: Sinusoidal
Filtro: Si quieres añadir más medios para "escuchar" mejor el tono, usa un filtro pase-bajo y súbele al máximo el Drive.
Distorsión: De nuevo, si quieres añadir más medios, agrega algo de distorsión
Sub de Diente de Sierra
Oscilador: Diente de sierra
Filtro: Pase-bajo, 24 dB. Baja el Cutoff bastante y luego ajústalo a tu gusto, dependiendo de cuánto quieras poder "escuchar" el tono. Usa Res para aligerarlo un poco y reducir parte de los graves más pesados. Y usa Drive para hacerlo cálido y saturado.
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TRANSCRIPCIONES DEL VIDEO
Sub-bass. En pocas palabras, es simplemente un bajo muy redondo. Y normalmente se piensa que es solo una onda sinusoidal. Ese es tu sub-bass más básico y bastante común. Ahora, para eliminar ese pequeño golpe al inicio, voy a aumentar el attack del amp.
Y un ejemplo muy común de usar un sub-bass así, solo, es el 808 kick. El 808 kick es un sonido de bombo seguido de esta cola larga, esta cola larga de sub-bass, así que simplemente voy a aumentar nuestro release y esto es lo que obtenemos. Eso es lo que escuchas en esos 808 kicks. Y eso es lo que buscas, listo. Fácil, onda sinusoidal, entonces, ya sabes, esto se trata más de crear estos graves muy redondos que no tienen un tono realmente distinguible. Es más bien estos graves que sientes.
Sin embargo, si necesitas poder escuchar el tono un poco mejor, si necesitas añadir algunos medios, para que no sea solo este sonido tan bajo y redondo. Tenemos un par de opciones. Podemos activar un filtro, y si tienes drive, simplemente súbele al drive, baja nuestro nivel. Ves, mientras más lo subo. Sin él, está bien, bueno, así que ahora podemos escuchar un poco el tono.
Sigue siendo un sub-bass grande y redondo pero ahora podemos escuchar un poco qué tono está sonando. Me encanta esta técnica y este toque de drive del filtro. Si no tienes drive en el filtro, puedes probar distorsión. Suena diferente, pero es la misma idea.
Sin embargo, mi forma favorita de hacer un sub-bass es en realidad con un diente de sierra. Vayamos aquí, pongamos un diente de sierra, filtémoslo, y puedes bajar ese cutoff bastante y elegir exactamente dónde quieres que esté. Ya sabes, así que, quieres que sea realmente redondo, no quieres que sea algo brillante, y realmente puedes ajustar el sonido exacto y como estamos usando el filtro, podríamos añadir algo de drive. También podemos usar resonancia si quieres moldearlo un poco, quitar un poco de los graves más gordos.
Así que diente de sierra a través de un filtro es realmente el camino a seguir si realmente quieres personalizar tu sub-bass para que sea exactamente como lo quieres. Ahora, en este contexto, hemos estado usando el sub-bass solo, pero un uso muy común para el sub-bass es hacer capas debajo de otro bajo, especialmente uno al que le falten unos graves sólidos. Por ejemplo…
Este no es un tutorial de sinte cualquiera. Esto es Syntorial. Facilitamos la programación de sintes con un entrenamiento tipo videojuego, enseñándote cómo programar patches de sintetizador de oído. Cada lección comienza con una demostración, luego un reto interactivo con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Digamos que hice un bajo clásico típico. Algo así, está bien, no suena mal, pero digamos que quiero mucho movimiento. Digamos que lo quiero muy exuberante. Le pongo algo de unísono, oh, eso suena bien, pero notas que realmente perdí esos graves estables y sólidos. Ya sabes, el unísono lo mueve, pulsa, y yo quiero algo que sea sólido. Que no se mueva en mis graves.
Oportunidad perfecta para simplemente añadir capas con un sub-bass simple, escucha esa bonita presencia de graves grande. No cambia el carácter porque es solo una onda sinusoidal. Ya sabes, no tiene nada más. Son graves puros, redondos. Y lo que esto significa es que puedes, ya sabes, tomar tu tono de bajo principal y hacer lo que quieras con él. Ya sabes, sin preocuparte por el hecho de que es un bajo, pongámosle un phaser.
Y mientras el sub no se vea afectado, lo cual podemos hacer activando direct out, esto significa que se saltará los efectos. Proporciona unos graves agradables y sólidos para acompañar nuestro cuerpo de sonido realmente activo. Ahora, Serum es genial porque tiene esta opción de direct out para que podamos tener una especie de sub-bass intacto, otros sintes también tienen esto, pero si no lo tienes, simplemente puedes usar otro sinte, solo abre un segundo sinte y toca la misma línea y la ventaja de eso es que puedes hacer tu sub-bass como quieras que sea.
Puedes ir tan simple como una sinusoidal, pero también puedes hacer esas otras cosas de las que hablamos, como pasar un diente de sierra a través de un filtro, tener dos sintes separados, eso realmente te dará la capacidad de ajustar el sub-bass exacto que quieres.
Muy bien, espero que esto te haya sido útil. Si tienes alguna solicitud de patch, ve a nuestro foro y publícala ahí y yo u otra persona intentaremos ayudarte a descifrar ese patch. Y no olvides suscribirte a nuestro canal de YouTube.
Since we’re so nice, we wrote down the synth recipes for your convenience:
Simple y moderno:
Tipo de síntesis: FM
Enrutamiento de operadores: 2 -> 1
Operador 1
Forma de onda: Sinusoidal
Operador 2
Forma de onda: Sinusoidal
Relación de tono: 2:1
Envolvente de amplitud: Sustain entre 0 y 80%, decaimiento rápido
Nivel: Entre 80% y máximo
Un poco más complejo y clásico
Tipo de síntesis: FM
Enrutamiento de operadores: 2 y 3 -> 1
Operador 1
Forma de onda: Sinusoidal
El operador 2 nos dará nuestro tono de bajo eléctrico
Forma de onda: Sinusoidal
Relación de tono: 1:1
Envolvente de amplitud: Sustain al máximo
Nivel: Entre 60-80%
El operador 3 nos dará nuestro transitorio de ataque
Forma de onda: Sinusoidal
Relación de tono: 7:1 (ajusta a tu gusto)
Envolvente de amplitud: Sustain en 0, decaimiento rápido
Nivel: Entre 70-80%
El enlace de descarga de Dexed enlace de descarga está justo aquí. No, no la palabra "aquí", los naranjas. Los pasaste por alto, regresa. Sí, esos.
Como siempre, el reto de patch ya está disponible para que subas tu versión de un bajo FM al foro y hables de lo que quieras con otros Syntorianos. ¡Sube tu patch!
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Bajo FM, este es un patch de síntesis FM bastante básico. Es una excelente manera de aprender cómo funciona la síntesis FM. Así que no necesitas tener conocimiento previo de síntesis FM. Te voy a mostrar cómo funciona mientras avanzamos.
Este sinte es Dexed. Es un VST/AU gratuito para Mac y PC. El enlace de descarga está en la descripción abajo. Entonces, ¿qué tenemos aquí? Bueno, tenemos seis osciladores separados, o como los llaman en el mundo FM, operadores. Y solo pueden generar una onda sinusoidal. No puedes cambiar la forma de onda como con los sintes de síntesis sustractiva o wavetable.
Entonces, ¿cómo conseguimos sonidos interesantes cuando todo lo que tenemos es una onda sinusoidal para trabajar? Bueno, ahí es donde entra en juego FM, la modulación de frecuencia. El operador 2 está enrutado para que module al operador 1. En realidad no podemos escuchar su audio. Si subo su nivel, no escucharemos otra onda sinusoidal. En cambio, a medida que aumentamos este nivel, modula más al operador 1 y termina cambiando su tono. Escucha. Lo hace más brillante, pero lo hace de una manera muy única de FM, de esta forma metálica, como de cuerda.
Y podemos cambiar la naturaleza de ese brillo con el tono del operador 2. Al subirlo, escucharás que ese tono se vuelve más metálico y más agudo, escucha. Ahora, los sintes FM controlan el tono de manera un poco diferente a lo que probablemente estás acostumbrado con los sintes de síntesis sustractiva y wavetable. Usan relaciones de tono, lo que brevemente significa que están multiplicando la frecuencia del tono.
Entonces, F igual a dos significa que hemos duplicado la frecuencia, lo que equivale a una octava. Tres significa que hemos triplicado la frecuencia, lo que equivale a una octava y una quinta, y sigue subiendo a través de esta cosa llamada serie armónica, que puedes buscar. Hay mucha información al respecto. No voy a hablar de eso, porque no necesitas saberlo. Todo lo que necesitas saber es que esta perilla Coarse, a medida que la subes, cambia la naturaleza de ese brillo, lo hace más metálico, lo hace más agudo.
Voy a dejarlo en uno por ahora. Así que es el mismo tono que el operador 1. Donde las cosas se ponen interesantes es cuando modulamos el nivel de este operador. Entonces, este nivel es su volumen. A medida que aumentamos su volumen, modula más al operador 1. Por lo tanto, todo lo que necesitamos es una envolvente de amplitud para modular este nivel, ¡y eso es lo que tenemos aquí!
Entonces, voy a tomar el nivel de sustain, justo aquí, bajarlo completamente, y voy a tomar su velocidad de decaimiento, que está justo abajo, y ahora mismo, es tan rápido que simplemente salta hacia abajo. Por eso no hay nada aquí. Voy a hacerlo más lento. ¿Y qué obtenemos? Exacto, así que está tomando este nivel y lo está bajando rápidamente. Está creando nuestro bajo FM básico inicial.
Ahora, si escuchas con atención, puedes oír algo de ruido ahí, este sonido crepitante. Es solo algo que este sinte está haciendo. No creo que otros sintes FM hagan eso tanto. Puede ser simplemente una pequeña limitación de este sinte, pero bueno, es gratis. Y puedes reducirlo un poco, bajando nuestro cutoff de pase-bajo. Simplemente quita algo de los agudos. Todavía está algo ahí, pero... Bueno, ¡así que ese es un bajo FM básico, justo ahí!
Ahora modula completamente hasta cero, dejándonos con una onda sinusoidal. Aquí tenemos una onda sinusoidal, pero tal vez no quieres eso. ¿Qué pasa si quieres que haya un poco más en tu sonido después de ese transitorio de ataque? Bueno, podrías subir ese nivel de sustain de nuevo. Oh, sí, tal vez ahí. Eh, tal vez ahí. Tú decides exactamente dónde termina.
Y mira qué pasa cuando subo este tono una octava. Eso podría sonar más familiar. Este es un enfoque muy moderno para el bajo FM. Es bueno que sea simple. Tal vez no quiero que sea tan brillante. Ahí vamos. ¡Muy bien! Así que ese es nuestro primer bajo FM. Suena bastante moderno, enfoque realmente básico. Quiero mostrarte otro enfoque, un enfoque más complejo, que nos va a dar más como un bajo FM clásico estilo años 80.
Este no es tu tutorial de sinte ordinario. Este es Syntorial, haciendo fácil la programación de sintes, con entrenamiento tipo videojuego, enseñándote a programar patches de sinte de oído. ¡Cada lección comienza con una demostración, luego un reto interactivo, con más de 200 lecciones! Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Voy a quitar esta modulación aquí. Bajar de nuevo al mismo tono que el operador 1. Y simplemente voy a usar esto para obtener nuestro timbre. Quiero obtener algo como un bajo eléctrico, como un tono de bajo eléctrico de cuerdas real. Sí, tal vez ahí. Y si quieres deshacerte de esos pops y clics, pon un poco de attack en el operador 1. Eso no está mal, qué tal, y luego el release también, queremos tener un poco de release.
Bien, ahora, quiero tomar el operador 3 y modular también al operador 1 con él, usar eso para crear nuestro transitorio de ataque. Porque me está faltando eso al principio, ¿de acuerdo? Es simplemente un sonido algo apagado. Ahora, podrías quedarte con esto si solo quisieras este tono de bajo eléctrico simple y llano; es perfecto. Pero quiero algo de transitorio de ataque ahí, y voy más por ese bajo FM de sonido más clásico.
El problema es que, por defecto ahora mismo, el operador 2 está modulando al operador 1, pero el 3 no está modulando al operador 1. Ahí es donde bajamos aquí al enrutamiento de un sinte FM. Entonces, la forma en que lo hacen en Dexed es que los números de operador que están en la fila inferior son los que realmente podemos escuchar. Así que podemos escuchar el 1, también podemos escuchar el 3. Y luego, desde arriba, tenemos una especie de modulación en cascada, así que el 2 modula al 1, el 6 modula al 5, modula al 4, modula al 3. No necesitamos todo eso. Necesito que el 2 y el 3 estén ambos modulando al operador 1. Así que voy a cambiar el algoritmo. Hay muchos.
El que encontré estaba por aquí. El 2, 3 y 5 están todos modulando al operador 1. No necesito el 5, pero obtuve lo que quiero de esto, el 2 y el 3. Bien, entonces ahora mismo, todavía tenemos solo el 2 modulando al operador 1. Voy a aumentar el 3, y usar la envolvente de amplitud para crear un transitorio de ataque, tal como hicimos antes. Vamos a subir a dos. No suena exactamente como sonaba cuando estábamos usando este operador, ¿verdad? Porque ahora tenemos dos operadores modulando al operador 1, así que va a cambiar la naturaleza. Van a interactuar de una manera interesante.
Voy a subir a siete ahora. ¿Ahora qué tenemos? Vamos un poco más rápido. Baja un poco esto, ahí vamos. Y tal vez afloja aquí. ¡Ahí está! Un poco más de un bajo FM de sonido clásico. Y por supuesto, podría probar otros tonos.
Así que ahí lo tienes, y como puedes ver, ¡hay un millón de formas en que puedes crear un bajo FM con un sinte FM, todas con tonos variados! Déjame mostrarte un ejemplo que venía con los presets, bajo FM. Este usa los seis operadores. Enrutamiento diferente aquí, así que en realidad estamos escuchando el 1 y el 3, están como apilando dos sonidos juntos y usando los otros operadores para crear los tonos para cada uno de esos.
Muy bien, así que hay un reto de patch en nuestro foro, syntorial.com/forum. Ve ahí, y quiero escuchar tu versión del bajo FM. Descarga Dexed o usa el sinte que tengas, y luego publica tu patch ahí y habla un poco sobre él. Quiero escuchar lo que puedes hacer. Y mientras estés en ese foro también puedes crear nuevos temas y solicitar otros patches. Así que si hay un patch en particular de una canción que quieres saber cómo hacer, publícalo ahí, y yo u otra persona te ayudaremos a hacer ese patch. Y por supuesto, suscríbete a nuestro canal de YouTube para obtener más videos como este.
¡Abróchate el cinturón, principiante! Este video es una introducción breve y directa al maravilloso mundo de los plugins. Qué son, cómo funcionan y, lo más importante, qué puedes hacer con ellos. ¿Te intriga? Dale al video, pero solo si te abrochaste el cinturón... ya te lo advertí.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Plugins. ¿Qué son? Si eres nuevo en esto de hacer música en una computadora, seguro ya te topaste con el término plugin. Te voy a explicar qué son, cómo funcionan y por qué te debería importar. Primero empecemos con esta aplicación de sintetizador. Esta es una aplicación normal, independiente, no es un plugin. Es Syntorial. La descargas, la instalas, la abres, y ahí tienes tu sinte.
El único problema con un sintetizador independiente como este es que no puedes grabarlo en tu aplicación de grabación, ¿verdad? O sea, estás usando Ableton o Logic o una de las tantas aplicaciones que hay, también conocidas como DAWs, que usas para hacer música. Y quiero usar este sinte junto con otros sonidos, pero no puedo hacerlo aquí en esta aplicación de sintetizador.
Para eso existen los plugins. Un plugin es como una aplicación, pero está diseñado para abrirse dentro de una aplicación de grabación, así puedes usarlo para hacer música junto con otros plugins.
Entonces, saltemos a Logic. Instalé la versión plugin del sintetizador de Syntorial, se llama Primer. Y lo hice de la misma forma: solo lo descargué y lo instalé, así es como se instalan todos los plugins. Sin embargo, una vez instalado, no lo verás en tu carpeta de aplicaciones o archivos de programa, no puedes simplemente abrirlo directamente, solo está diseñado para abrirse y usarse dentro de una aplicación de grabación.
Y cada aplicación de grabación lo hace un poco diferente en cuanto al diseño, pero por ejemplo, aquí en Logic, mi pista predeterminada es piano eléctrico. Pero quiero abrir Primer aquí. Entonces en su caso, entras a este menú. Vas a AU Instruments, ya te explicaré qué significa AU. Y Audible Genius es el nombre de nuestra compañía. Y ahí está Primer. Y ahora, es el mismo sinte de la versión independiente, los mismos controles, exactamente el mismo sonido, pero ahora está dentro de Logic, así que puedo grabarlo en Logic y reproducirlo. Y listo, puedo crear otra pista, abrir un plugin diferente y hacer batería, bajo, lo que quiera. Por eso los plugins son una parte tan importante de la música por computadora: son los sonidos, son los instrumentos.
Como puedes ver, tengo bastante movimiento aquí. Así que cada vez que instalas uno, simplemente se agrega a la lista de tu DAW. Ahora, este es un sinte. Por supuesto también hay samplers como para batería o instrumentos reales como piano. Y también puedes usar efectos. Digamos que quiero agregar algo de reverb, pero no quiero usar la reverb integrada de Primer.
Bueno, puedo tomar un plugin de reverb, tomemos este primero. Así que ahora, mi plugin Primer está siendo ruteado a través de esta Chroma Reverb. Como ves, tienes variedad infinita aquí. Hay tantos plugins y básicamente puedes encadenarlos todos juntos y crear cualquier sonido que quieras. Ahora, probablemente te has topado con diferentes formatos de plugin, como VST, AU y quizás hasta AAX.
Este no es tu tutorial de sintetizador común. Esto es Syntorial. Hace que programar sintetizadores sea fácil con un entrenamiento tipo videojuego. Te enseña a programar patches de sintetizador de oído. Cada lección comienza con una demostración, luego un reto interactivo, con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba Syntorial, ganador de múltiples premios, hoy mismo.
Ahora, probablemente te has topado con diferentes formatos de plugin, como VST, AU y quizás hasta AAX. Estos son simplemente tipos de archivo. El Primer, por ejemplo, viene como VST y AU. El sintetizador en sí es idéntico. No obtendrás un sonido diferente ni controles diferentes. Todo es exactamente igual. Donde importa esto es con tu host, ya sea Logic, Ableton, FL Studio, cualquiera que sea tu aplicación de grabación, necesitas verificar qué tipos de archivo permite.
Entonces, por ejemplo, VST es el más común. Casi todas las aplicaciones de grabación te permiten usar plugins VST dentro de ellas. Tanto así que el término VST se usa a menudo en lugar del término plugin. ¿Qué VST tienes?, ¿cuántos VSTs tienes?, ah conseguí un VST nuevo. En realidad es un formato específico, pero es un formato tan importante y popular que es casi ubicuo. Sin embargo, Logic, por ejemplo, no permite VST. Solo permite AU. Y hay otro DAW llamado Pro Tools que solo permite AAX. Así que por tu parte, mira qué host estás usando, averigua qué formatos permite y simplemente consigue tu plugin en ese formato.
Ahora, cada desarrollador decide qué formatos quiere crear. Nosotros decidimos hacer VST, AU, algunos quizás solo hacen VST, ya sabes. Así que puede que no tengas acceso al plugin exacto que quieres, pero una vez que sepas el formato que acepta tu host, busca ese formato. Y por cierto, está el VST y ahora está el VST3, que es la versión más reciente de VST. Pero de nuevo, por tu parte, simplemente verifica tu host. Si soporta VST3, consigue el VST3. Si soporta VST, consigue el VST regular.
Esto es en Mac. Windows funciona igual. Descargas, instalas, abres tu DAW, ahí está tu plugin. Sin embargo, iOS es una historia un poco diferente. Ahora en iOS, solo hay un formato, AUV3. Y en lugar de llamarse plugin, a menudo se les llama extensiones porque en realidad son extensiones de la aplicación independiente normal. Entonces en la esquina superior izquierda ves Primer. Y lo descargamos de la app store, como cualquier otra app. Y si toco eso y lo abro directamente, básicamente es solo un sintetizador independiente.
Ahora, si quiero grabarlo, tengo que ir a una aplicación de grabación. Vamos a GarageBand. Ahora GarageBand, como otras apps, te da diferentes tipos de instrumentos que puedes agregar. Y muchos de ellos tienen una extensión AUV3, así que vemos aquí abajo a la izquierda, audio unit extension. Toca eso y ahora ves Primer. Porque cualquier app que tenga una versión de extensión automáticamente instala la extensión cuando instalas la app, así que no tienes que andar buscando una extensión AUV3.
Solo tienes que encontrar apps que tengan extensiones integradas. Una vez que instalas la app, aquí está, y simplemente toco Primer. Puedo tocar y grabar Primer dentro de GarageBand. Bueno, espero que esto haya sido útil para entender todo el sistema de plugins. Y si tienes alguna pregunta, déjala abajo en los comentarios y con gusto la responderé. Y no olvides suscribirte a nuestro canal de YouTube. Publicamos videos cada semana sobre sintetizadores y diseño sonoro.
Todos hemos escuchado sonidos orquestales realistas… esos se hacen con samplers y eso no tiene gracia. ¿Qué tal diseñar sonidos de cuerdas con tus propias manos?
En este video, te mostraré cómo sacar ese carácter de cuerdas de tu sinte. Mucho más fácil que aprender violonchelo.
Cuando termines de ver el video, pásate por nuestro foro y sube tus patches para discutirlos.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Cuerdas de sinte. Te voy a mostrar las distintas cosas que podemos hacer a un patch para que suene más a cuerdas. Ahora bien, si buscas sonidos de cuerdas realmente precisos de un plugin, lo que necesitas es un sampler. Si quieres algo muy, muy, muy realista, sampler. Suenan increíbles, especialmente los que hacen hoy en día. Pero esto va más de sacar ese carácter de cuerdas de tu sinte, conseguir algo parecido o incluso incorporarlo a un patch.
Así que vamos a repasar todas las técnicas que le dan a un patch ese carácter de cuerdas. Aquí estamos, tenemos una onda de diente de sierra y nada más. Lo primero es lo primero, necesitamos algunas voces para poder crear un acorde. Vamos a buscar ese tipo de sonido orquestal de cuerdas.
Ahora mismo, una forma de onda por sí sola es muy estática, inmóvil, pero las cuerdas son un montón de violines y cosas así tocando al mismo tiempo. Todos tienen un sonido parecido tocando la misma nota, pero no son exactamente iguales. Así que tienen este sonido pulsante medio difuso. Podemos conseguir eso con unison. Creamos básicamente cuatro copias de nuestra onda de diente de sierra y ahora empiezan a oscilar entre sí.
Sin embargo, no queremos que sus fases empiecen al mismo tiempo. Eso nos da un transitorio de ataque muy abrupto. Y esto está demasiado rápido con la desafinación. Necesitamos ralentizarlo. Mucho más parecido a cuerdas. Y esto es una orquesta, así que queremos expandirlo. Siguiente, envolvente de amplitud. Vamos a hacer dos pequeños cambios aquí que marcan una gran diferencia.
Para empezar, nuestro sonido arranca de inmediato. Es muy repentino, es perfecto para sinte, pero estamos haciendo un sonido de cuerdas más realista y las cuerdas con arco tienden a entrar suavemente. Así que vamos a aumentar nuestro attack. Lo mismo con el release. No queremos un corte inmediato. Queremos una cola pequeñita. Bien, envolvente de amplitud.
Siguiente, filtro. Tenemos un sonido muy, muy brillante. Las cuerdas son brillantes pero no tanto. Queremos quitarle un poco de ese chisporroteo de arriba. Eso suena bien. Sin embargo, escucha las notas en el rango grave. Están demasiado brillantes, empiezan a sonar a sinte otra vez. Ya no suenan realmente a cuerdas. Así que si queremos un cutoff más bajo en el rango grave, cutoff más alto en el rango agudo, key tracking. Súbelo y ahora ajusta esto un poco. Vuelve a nuestro rango medio.
El key tracking es genial cuando tienes un patch que abarca un rango amplio y quieres un cutoff más consistente y uniforme en todo ese rango. Solo subes el key tracking, lo ajustas hasta conseguir lo que quieres. Y también tendrás que ajustar el cutoff sobre la marcha.
Bien, siguiente. Nuestra orquesta va a estar en una sala, así que vamos a añadirle algo de reverb. Muy bien, esto es una cuerda analógica básica, bastante sintética. Pero esto es legato, notas sostenidas. ¿Y si quieres notas cortas? Pues bajamos el sustain y el decay. Genial, querrás subir el volumen cuando hagas eso. Bien, ahora ¿qué pasa si queremos que se mantengan para conseguir ese tipo de ataque staccato pero que las notas se sostengan?
Excelente, y si queremos un pluck, bajamos eso de nuevo y luego bajamos nuestro attack. Eso empieza a sonar bastante sintético. Eso está mejor. Sigue siendo bastante sintético pero eso te da tu pluck. Una vez que perdemos ese carácter de arco, también empezamos a perder el carácter de cuerdas. Así que volvemos a ponerlo, subimos esto de nuevo. Bien, ¿cómo podemos hacer esto un poco más realista?
(anuncio) Este no es un tutorial de sintes cualquiera. Esto es Syntorial, que hace que programar sintes sea fácil con un entrenamiento tipo videojuego, enseñándote a programar patches de sinte de oído. Cada lección empieza con una demostración, luego un reto interactivo con más de 200 lecciones. Una vez completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy. (anuncio)
¿Cómo podemos hacer esto un poco más realista? Bueno, lo primero que podemos hacer es empezar a jugar con nuestra forma de onda un poco. Así que esto es solo una diente de sierra pero voy a cambiar al oscilador dos y vamos a hacer una onda de pulso. Tiene un carácter un poco más de cuerdas pero quiero llevarlo un paso más allá. Quiero transformar esta forma de onda. Podemos hacer eso con modulación de amplitud de pulso, que básicamente, déjame apagarlo, esto irá así. La transformará.
Así que de nuevo, conseguimos ese cambio realista de sonido. Podemos hacerlo automáticamente con un LFO. Puedes oírlo ahí, es demasiado obvio. Vale, eso es muy de cuerdas. Tiene más carácter de cuerdas pero aún suena un poco artificial. Ese es uno de los inconvenientes de una onda de pulso. Así que me gusta mezclar las dos juntas. Me gusta un poco más de diente de sierra que de pulso. Escucha nuestra diente de sierra sin el pulso. Con el pulso. También con nuestro pulso activado, podemos bajar un poco nuestro cutoff.
También para añadir otro poco de movimiento ahora que tenemos dos formas de onda, dos osciladores, podemos simplemente desafinarlos un poco entre sí. Muy bien, así que nos acercamos un paso transformando nuestra forma de onda y mezclando un par de formas de onda diferentes. Pero si quiero acercarme aún más, lo que voy a hacer es saltar a un sinte de tabla de onda, y vamos a usar Serum.
Realmente puedes usar cualquier sinte de tabla de onda. Ahora mismo, esto está configurado igual que nuestro sinte básico Primer de diente de sierra, cuerda analógica clásica. Vale, antes de meternos en tablas de onda, un paso realista que puedes dar es un filtro con una pendiente más suave. Así que Primer tenía una pendiente de 24 dB, que es bastante pronunciada. Eso es lo que tenemos configurado aquí pero si lo hago un poco más suave, vamos a 18. Ajusto mi cutoff.
Puede ser un poco más realista porque en la vida real, este tipo de pendientes de filtro tan pronunciadas no son tan comunes. Así que una cosa un poco más suave simplemente ayuda a darnos una forma brillante más realista.
Vale, ahora hablemos de tablas de onda. Así que tenemos aquí nuestra diente de sierra. Queremos mezclar una forma de onda diferente igual que hicimos con Serum o con Primer. Así que voy a copiar el oscilador A al B, voy a transponerlos entre sí, como hicimos con Primer pero este, para esta forma de onda, quiero encontrar una tabla de onda muy de cuerdas y si tienes un sinte que tiene una tabla de onda de cuerdas real, genial. Vas a acercarte mucho a conseguir un sonido un poco más realista.
En mi caso, pude encontrar una llamada bowed metal. Ahora por sí sola, suena así. Definitivamente tiene la vibra correcta. Aunque quiero encontrar un punto más realista. Y cuando buscas este punto, deberías hacerlo con la mezcla porque algo por sí solo suena un poco diferente a cuando está mezclado. Me gusta por ahí. Pero más importante aún, igual que con Primer, queremos modular esto. Así que vamos a tomar nuestro LFO, justo aquí.
Solo una modulación sutil y lenta. Muy bien, así que esto es un poco más real que ese ancho de pulso, porque esto en realidad probablemente está tomado, es una porción pequeñita de una grabación real de metal siendo frotado con arco. Así que es un sonido real de arco que ahora estamos como superponiendo. Más realista. Así que ese es nuestro sonido con arco. ¿Qué pasa con el staccato? Hay algunas cosas que podemos hacer para que el staccato sea un poco más realista y es, primero, obviamente queremos acortarlo.
Si puedes curvar tu etapa de decaimiento hacia arriba, un poco demasiado. Baja tu cutoff un poco más. Allá vamos. Tenemos este sonido staccato. Ahora cuando atacas una cuerda, pasan dos cosas y un ataque inicial, es un poquito más brillante que el resto del sonido, pero también hay casi como que el arco frotando contra la cuerda crea casi un ruido, este SHH justo al principio. Así que vamos a superponer algo de ruido blanco, pero solo como ataque.
Así que ahora mismo, es… Queremos que sea más corto que el sonido. Solo el principio, el mero principio del sonido. Así que voy a tomar esta envolvente y la vamos a hacer muy, muy corta. Y subimos un poco… Y enderezaremos la curva un poco. Y luego también queremos enrutar esta misma envolvente a nuestro filtro, solo una cantidad muy pequeña. Comparado con sin ella. Y ahí está.
Así que de nuevo, si necesitas algo muy, muy real, ve a por un sampler. Esto va más de cómo traemos carácter de cuerdas a nuestro patch. Así que si buscas hacer eso, puedes probar cualquiera de estas técnicas y te ayudarán a conseguirlo.
In this video, I’ll take you through the process of creating an evolving pad from scratch using Serum.
Aprenderemos a diseñar el flujo y reflujo de un pad largo, exuberante y cambiante. También responderemos la pregunta "¿Cuántos adjetivos son demasiados adjetivos en un post de blog?"
Si tienes un pad evolutivo y quieres compartirlo, visita nuestro Foro. Dejaremos de hablar de adjetivos, lo prometo.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Un pad evolutivo.
Es un pad que cambia de diferentes formas continuamente durante un periodo largo de tiempo. Aquí hay uno que preparé.
Bien, la clave para un pad como este son dos cosas: capas y toneladas de modulación. Así que voy a recrear esto desde cero. Traigo el original aquí. Veámoslo… bien, ahora tenemos una simple onda de diente de sierra, así que lo primero que voy a hacer es darle un release largo.
Para la envolvente de amplitud, simple, solo para que cuando suelte la tecla suene. Luego quiero difuminar un poco el sonido, así que le daré algo de unísono. Perfecto. Después voy a filtrarlo y este será nuestro primer sonido evolutivo lento. Modulándolo con un LFO. Así que vamos a activarlo y estuve experimentando un rato y terminó gustándome cómo se sentía la pendiente de 18 dB.
Bien, voy a tomar el LFO 1, modular el cutoff y no necesito mucho aquí, solo un poco arriba y abajo. Y eso es demasiado rápido. Voy a configurarlo para que no esté sincronizado al tempo, hacerlo realmente lento. ¡Ahí vamos! Bien, ese es nuestro primer punto de evolución, ¿verdad? Es un cambio muy lento en nuestro cutoff. Y también hice este cambio para que siempre empiece arriba. No tienes que hacer esto, es solo una preferencia mía.
Me gusta cómo siempre obtengo este ataque brillante y agradable en el sonido, y realmente quiero acentuar este movimiento del cutoff, así que voy a aumentar la resonancia. Bien, ahí está nuestro movimiento del filtro.
Ahora agreguemos otra capa de movimiento y queremos que esté a un ritmo diferente para que interactúe con el movimiento del filtro de formas impredecibles. Así que voy a tomar nuestro oscilador aquí y cambiemos a una tabla de onda. De nuevo, estuve experimentando y me gustó cómo sonaba esta.
Por aquí. Ahora, esto no suena terriblemente diferente de un diente de sierra. Sin embargo, voy a modularlo con una envolvente. Voy a enrutar la envolvente dos aquí, estuve jugando con los rangos y me gustó este. Y vamos a ir con… voy a bloquear esta envolvente para poder ver todas las etapas, un ataque realmente muy lento. Mucho, unos nueve segundos para subir, y luego en lugar del sustain aquí abajo, y de nuevo nuestro decay será largo y suave. También haremos nueve segundos.
¿Ahora qué tenemos? Verás, para cuando esta envolvente sube y baja completamente, y esta tabla de onda cambia por completo y luego regresa, el LFO del filtro pasa por esto un poco menos de dos veces, ¿verdad? Así que obtienes estos ciclos que se contrastan. Modular dos cosas diferentes crea múltiples... mientras mantengo esto presionado, va a seguir cambiando incluso después de que la tabla de onda esté justo aquí y empiece a regresar, el cutoff comienza de nuevo.
Así que en este punto el cutoff se mueve arriba y abajo mientras la tabla de onda se mueve arriba y abajo. Pero cuando la tabla de onda termina de moverse, ahora escuchamos el cutoff moviéndose arriba y abajo sin el movimiento de la tabla de onda. Así que acabamos de crear una muy larga y compleja capa de cambio. Al principio escuchamos el movimiento del cutoff y el movimiento de la tabla de onda, y luego escuchamos solo el movimiento del cutoff. ¿Verdad? Así que son dos grandes etapas de cambio. De entrada tenemos esta larga evolución cambiante. Bien. Agreguemos otra capa-
Este no es tu tutorial de sinte ordinario, esto es Syntorial. Haciendo que programar sintes sea fácil con entrenamiento tipo videojuego que te enseña a programar patches de sintetizador de oído. Cada lección comienza con una demostración y luego un reto interactivo, con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Agreguemos otra capa usando nuestra fuente de ruido, y en Serum es más que solo ruido. Me gusta esta atmósfera 7, seguir el tono, ver la configuración. Ahora, de nuevo, no quiero que esto simplemente entre y se quede ahí, quiero traerlo y sacarlo, hacer algo con modulación, así que voy a enrutar nuestra envolvente a nuestro nivel.
Empiezo el nivel en cero, así que ahora, si le doy un ataque bastante largo, digamos que esto va a ser casi seis segundos, eso significa que tenemos ruido tardando seis segundos en entrar versus nuestra tabla de onda tardando nueve segundos en llegar hasta el final. Así que ahora nuestro ruido va a entrar como a mitad de camino de esta modulación de tabla de onda, y luego la modulación de la tabla de onda continuará. Ahí está el ruido.
Ahora, no quiero que el ruido simplemente se quede ahí. ¿Verdad? Quiero que comience a desvanecerse pero nunca completamente porque más adelante, siempre sigue ahí creando una pequeña capa de complejidad. Así que voy a tomar nuestro sustain y bajarlo a alrededor de 64 por ciento y nuestro decay a unos 8 segundos. Así que ahora, aquí
Agreguemos otra capa más con el oscilador B y para esta quiero crear un sonido realmente distintivo que sobresalga, bajémoslo un poco, filtrémoslo. Voy a subirlo dos octavas. Vamos a ir fuerte con el Unison: seis voces y lo voy a dejar con bastante desafinación. Bien, ahora eso es un poco abrasivo, realmente está ahí, muy visible o audible, así que vamos a modularlo.
Vamos a tomar un LFO y quiero hacer algo un poco diferente aquí. Voy a ir con cuadrada y voy a enrutar esto a nuestro nivel y escuchemos cómo suena ahora. Hazlo más rápido. Bien, de hecho me gusta eso, pero quiero que crezca gradualmente, ¿verdad? De nuevo, como con las otras cosas, no quiero que esto esté ahí de inmediato, quiero que entre gradualmente, así que vamos a usar el método rise de este LFO y eso básicamente hace un fade in del LFO mismo, y entonces lo que vamos a hacer es configurar el nivel del oscilador B ahí. Máximo ahí. Ahora:
Y si aumento el rise, pensarías que va a empezar bajo y luego se va a poner fuerte, pero no lo hizo. Esto me confundió al principio. Verás, en realidad está empezando aquí arriba. ¿Por qué hace eso? Bueno, porque Rise presta atención a dónde comienza esta forma de onda del LFO y comienza arriba, así que eso significa que va a empezar aquí arriba y va a subir así.
Bien, se va a quedar aquí arriba y luego va a aumentar gradualmente el rango hasta que use todo. Así que lo que queremos hacer es... hay algunas cosas que puedes hacer aquí pero me gusta esta solución. Lo que me gusta particularmente de esto es que casi suena como si el LFO tuviera varios fade ins. ¿Verdad? Tienes el fade in inicial del LFO y obtienes otro fade in cuando el cutoff vuelve a subir. Subiendo y luego el cutoff está aumentando, y luego se colapsa, aumenta de nuevo pero sin la tabla de onda, así que hace este más audible.
Bien, así que hay casi tres etapas diferentes de este oscilador B gracias al cutoff en los movimientos de la tabla de onda y el rise del LFO. Bien, hagamos una cosa más. Pongamos algo de chorus ahí para pegar las cosas un poco. Bien. Y luego hagamos una reverb y quiero que esta sea bastante intensa. Quiero hacer otra cosa interesante aquí: Quiero modular el mix de la reverb. Me encanta hacer esto. Realmente es algo raro lo que hace a la perspectiva.
Tomamos digamos el LFO 2, lo hacemos bidireccional y de nuevo no vamos a sincronizarnos, vamos a ir bastante rápido. Escucha lo que hace, me encanta. Es como este panoramizado dimensional que, sabes, es como de otro mundo. Realmente me encanta el sonido de eso, pero de nuevo, no quiero esto todo el tiempo sino que quiero que entre y salga gradualmente. Y podría usar rise, ¿verdad? Pero eso solo lo haría entrar y luego mantenerlo, quiero que entre y luego salga.
Aquí es donde podemos usar nuestra fuente auxiliar. Así que esencialmente aquí está nuestra modulación de nuestro LFO2 a reverb wet. Puedo configurar la fuente auxiliar a la envolvente 2. Ahora recuerda, la envolvente 2 es gradual durante nueve segundos. Esto es lo que está modulando nuestra tabla de onda. Así que ahora, esa modulación de reverb del mix va a entrar gradualmente con esta envolvente y luego salir. Escucha. Aquí viene
¡Eso es un pad evolutivo! De nuevo, no te estoy diciendo qué hacer aquí, solo te estoy dando ejemplos. En lo que quieres enfocarte es en capas y modulación.
Ah, la escurridiza Pendiente del Filtro: el bigfoot de la síntesis. Algunos la han visto, la mayoría no la entiende del todo, pero nadie puede negar su existencia.
Aquí te explico cómo funciona y cómo usarla (en este punto, la analogía del bigfoot ya terminó).
¿O NO?
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Pendiente del Filtro. Creo que es algo que muchos usuarios de sintes realmente no entienden. E incluso cuando lo entendemos, no estamos seguros de cómo usarlo, para qué sirve. Así que te voy a decir qué es, pero más importante aún, te voy a mostrar un patch que lo hace realmente obvio. Y además, como es tan obvio, significa que es muy importante que elijas la pendiente correcta.
Primero lo primero, ¿qué es la pendiente? Echemos un vistazo a nuestro filtro aquí. Voy a bajar la resonancia por un segundo. Como sabes, un pase-bajo como este te permite cortar los agudos de tu sonido. Cuando tengo el cutoff completamente arriba, no hace nada. brillo total. Y luego, a medida que lo bajo, empieza a cortar los agudos de nuestro sonido haciendo que suene más redondo. Nuestro cutoff está justo por aquí.
Ahora, mucha gente asume que, ya sabes, sea cual sea tu cutoff, todo lo que está por encima simplemente se corta de golpe. Pero en realidad, es más bien un corte gradual, como puedes ver aquí. Nuestro cutoff está aquí y luego simplemente empieza a eliminar algunos agudos gradualmente. Nuestra pendiente determina qué tan pronunciado es eso. Este es un pase-bajo de 12 DB, si lo aumento a 18, se vuelve más pronunciado. Mira cómo aumenta esta línea. Auméntalo a 24. Como podrías imaginar, mientras más pronunciada la pendiente, más redondo se vuelve el sonido, ¿verdad?
Porque estamos cortando más agudos, una pendiente más pronunciada está eliminando más agudos. Entonces podrías pensar, y creo que mucha gente piensa, bueno, ¿por qué no simplemente, ya sabes, si quieres eliminar más agudos, en lugar de cambiar la pendiente, por qué no solo bajas el cutoff? Y tienes razón parcialmente. Sin embargo, en algunos casos realmente importa. Importa que cambies los agudos usando la pendiente en lugar del cutoff. Y este patch aquí es un gran ejemplo.
Este no es tu tutorial de sinte ordinario. Esto es Syntorial. Haciendo que programar sintes sea fácil, con entrenamiento tipo videojuego, enseñándote cómo programar patches de sinte de oído. Cada lección comienza con una demostración. Luego un reto interactivo, con más de 200 lecciones. Una vez que completes el programa, podrás crear los sonidos que escuchas usando casi cualquier sintetizador. Prueba el galardonado Syntorial hoy.
Entonces, con este patch. Ves que es una envolvente, modulando el cutoff de nuestro filtro, haciendo un sonido "EEUNG" con un montón de resonancia, mostrando realmente ese cutoff. Y esto es lo que yo había hecho. Esta fue una solicitud de patch en nuestro foro. Y alguien había publicado un patch que sonaba así. Y el mío sonaba así. Está muy cerca, pero la gran diferencia es que, como notarás, el patch oculto es más brillante.
Todo ese chisporroteo arriba. El mío es. así que estoy pensando, bueno, si el oculto es más brillante, el mío más oscuro, ¿debería simplemente aumentar la cantidad de mi envolvente de filtro, verdad? Para que comience más arriba. Consigo más brillo ahí. Entonces, eso es lo que intenté. Intenté aumentar esto. Así consigo, ya sabes, empezar mi filtro desde un punto más brillante. Bien. Así que era más brillante.
Comparemos eso. Ahora, logré el brillo, pero es diferente. Y más importante, ¿ese sonido EEUNG? ¿Verdad? Esa envolvente, movimiento, cutoff, resonancia, esa forma que está generando, ahora es diferente, el mío empezando más arriba que el oculto. Tiene más de eso en la parte superior, mientras que el de ellos es más de. Así que pierde ese carácter realmente importante. Entonces supe que eso no era correcto.
Y lo bajé de nuevo. Aún así, tenía este problema. El otro patch es más brillante. Entonces, ¿cómo puedo hacer esto más brillante, sin tocar mi cutoff? Y ahí fue cuando me di cuenta, la pendiente. Puedo bajar mi pendiente para hacer una caída más suave aquí. Y eso no cambiará mi cutoff ni mi resonancia en absoluto. Solo añadirá agudos encima. Así que veamos. Intentemos bajar a 18. Eso es mejor, 12. Ahí está. Escuchemos el oculto. Ahí está.
Así que ves esa forma. Esa forma de envolvente de cutoff y resonancia realmente importante, se mantiene exactamente igual, sin importar cuál sea mi pendiente. Pero mi pendiente me permite añadir o quitar brillo encima de eso. Demasiado brillante. Bien, bueno, espero que esto ayude a aclarar qué hace la pendiente del filtro y por qué querrías usarla.
¿Alguna vez pensaste "Oye, sería genial tener un video de 8 minutos que me muestre cómo sintetizar un bombo, caja y hi-hat desde cero"?
¡Pues hoy es tu día de suerte! Además, es un pensamiento muy específico. Qué raro.
Si te dan ganas de crear y compartir tu nueva pista de batería, únete a nosotros en el mundo de los posts del foro.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Baterías. Tenemos un bombo, caja y hi-hat, todo sintetizado en este caso usando Primer. Pero puedes usar prácticamente cualquier sinte.
Vamos a empezar con nuestro bombo. Suena así. Ahora voy a reiniciar esto para que podamos diseñarlo desde cero. Así suena como una diente de sierra simple. Es un tono muy, muy grave, Do menos uno. De hecho, es el tono que estoy tocando. Vamos a cambiar a una sinusoidal.
Ahora casi no vas a poder oírlo. Apenas se escucha. Para conseguir ese sonido de bombo, lo que hacemos es empezar con el tono muy alto y bajarlo muy rápido con una envolvente de modulación o, en este caso, una envolvente de pitch. Así que lo voy a subir al máximo. Y con un decaimiento bien largo, esto es lo que obtenemos.
Estoy tocando una nota bastante corta, así que esto es lo que suena si mantengo la tecla presionada. Ahora, cuando hacemos eso muy rápido, voy a ajustarlo a unos cuatro o cinco milisegundos, esa caída de tono empieza a sonar percusivo. Por alguna razón, ese tono que baja rápidamente da un sonido percusivo. Este es básicamente nuestro bombo.
Ahora voy a agregar un poco de distorsión. Para engordarlo un poco. Ahora, si mantengo la tecla presionada, obtienes esa nota al final. No queremos eso. Así que vamos a tomar la envolvente y hacerla bien corta. Así, podemos ajustarla con el release. Ahora, teníamos esa pequeña 'T' al inicio de nuestro sonido, podemos eliminarla si no la queremos aumentando un poco nuestro attack. Pero puede que la quieras.
Yo usé la sinusoidal, pero puedes usar otras formas de onda si quieres un sonido un poco más abierto y brillante, como aquí hay una onda de pulso, suena como si la fuéramos a filtrar. Casi un poco flojo, pero es simplemente un tono diferente. Diente de sierra, prueba triangular. Pero la sinusoidal te dará el más limpio. Así que ese es nuestro bombo.
Ahora pasemos a nuestro hi-hat. Es una combinación de ruido blanco y una onda de pulso media muy, muy aguda. Así que voy a reiniciar esto. Esto es lo que tenemos. Estoy tocando una nota muy aguda, Do7. Y vamos a empezar cambiando a una onda de pulso media. No es una gran diferencia, pero es un poco más... Un poco más de vibra metálica. Lo que estamos obteniendo de este oscilador es ese tono metálico que obtienes cuando golpeas un hi-hat real, porque están hechos de metal.
Luego, tenemos que acortarla bastante. Eso nos da un poco de ese ataque metálico y luego podemos aplicarle un pase-alto. Estamos quitando todos los graves que podamos. Solo nos quedamos arriba en esta parte bien pequeña. Y luego subimos nuestro ruido. Apago el oscilador. Solo hay ruido. Así ves cómo se combinan para crear ese tono metálico y el shh-shh real que queremos en el hi-hat.
Ahora me gusta bajar esto un poco para que ese pequeño tono metálico no sea tan notorio. Para hacer eso en Primer, voy a apagar el oscilador dos y empezar a girar la mezcla alejándola del oscilador uno. Así que es todo ruido blanco. Depende de ti. ¿Cuánto de ese metálico quieres ahí? A mí me gusta que sea bastante sutil.
Un detalle más que quiero mencionar sobre los hi-hats es el volumen. Ahora mismo es muy rígido. Cada hi-hat tiene el mismo volumen. Pero es más común tener el volumen variando para que algunas notas sean más fuertes que otras. Esto crea un poco de rebote en nuestro groove.
Podemos hacer esto enrutando nuestra velocidad al volumen. Vamos a hacerlo al máximo. Y ahora cuando grabé este hi-hat, golpeé algunas notas más fuerte que otras. Así es como suena. Tiene un poco más de rebote. Comparado con cuando no hay nada, todo fuerte ahora. Es sutil, pero realmente lo puedes sentir. Y ese es un aspecto importante del hi-hat.
Ahora, la caja. La caja en realidad consiste en dos sonidos diferentes. Tienes el tambor, algo así como un bombo, y luego tienes el wash. Combinas esos dos para crear nuestra caja. Empecemos con el tambor. Por sí solo, suena así. Y para hacer esto, literalmente solo tomé nuestro bombo, que es este, y lo toqué a un tono más alto.
Entonces, si el bombo lo estaba tocando en Do menos uno, ahora estoy tocando exactamente el mismo preset en Do cero. Y luego bajo un poco el decaimiento para hacerlo más corto. Sí. Esa es la parte de tambor de nuestra caja. Casi idéntico al bombo. Ahora voy a traer el wash.
La caja y esto... Es simplemente ruido blanco que ha pasado por un pase de banda. Así que si reinicio esto primero, voy a apagar nuestra diente de sierra, subir nuestro ruido blanco hasta aquí más o menos. Y luego queremos darle forma. Tal vez un poco más largo. Y luego... Y me gusta un poco de distorsión en esto también, solo para hacerlo más agresivo. Ahora traigo el tambor de vuelta. Ahí están juntos. Aquí está solo el tambor. Ahora, el wash. Ahora, todo el bombo. ¡Baterías!
Look at me! I’m posting about #PatchFriday on the blog!
Esta semana se trata de la modulación de frecuencia y la diversión vertiginosa que viene con hacer gruñir un sinte. ¡Es gracioso porque los sintes no gruñen! Estás pensando en leones, error común.
Siéntete libre de conversar entre ustedes en la sección de comentarios.
TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO
Gruñido con Operator. Hay un millón de formas de hacer esto. Todas suenan diferente por las distintas formas de onda usadas, las distintas distorsiones usadas, ya sabes, lo que sea. Hay muchas formas de hacerlo, así que aquí va solo una. Voy a deconstruir esto, apagar todo.
Empecé con una onda cuadrada. Queremos algo bonito y brillante así, y ajusté el nivel hasta cero y bajé el volumen principal. Me gusta tener esto en cero; me ayuda, ya sabes, a entender un poco mejor cómo están interactuando porque todo se trata de los volúmenes de los diferentes operadores.
Y lo subí de tono a dos porque eso nos permitirá poner un operador una octava abajo y luego otro operador una octava más abajo. ¿Por qué? Bueno, porque de ahí viene nuestro gruñido. Así que si traigo este segundo operador, lo ajusto a saw 64, me gustó cómo interactuaban esos dos.
De nuevo, puedes experimentar con las formas de onda que quieras. Esto está una octava más abajo. Empezamos a conseguir algo de gruñido. Escuchemos. Ahora, lo haremos de nuevo con este tercer operador otra octava más abajo. Este es cuadrada. Ahora sí estamos gruñendo. Así que ese es nuestro sonido base.
Ahora queremos moldearlo y hacerle cosas. Filtro. Entonces, esto nos da ese wow, ¿verdad? Ajustamos un cutoff muy bajo y nuestra envolvente tiene un ataque bastante rápido, la parte wah y luego un decaimiento lento, un wow, así mismo. La envolvente aquí; la ajusté casi a la mitad. Sin embargo, una razón por la que me gusta este OSR es porque nos da filter drive. Sin eso, bueno, igual gruñe, pero eso realmente lo empuja, lo satura, suena bien. Buscamos conseguir agresividad de donde sea posible.
Así que conseguimos algo de gruñido de aquí, conseguimos algo de saturación y distorsión del filter drive. Ahora, agreguemos nuestro movimiento de tono. Esto es bastante simple; puedes ir con un tono descendente o ascendente. Yo fui con un tono descendente y lo subí a alrededor del 46% y luego solo alargué el decaimiento, así que conseguimos un... Bueno, ahí está el sonido básico, pero no es lo suficientemente sucio, así que metemos vinyl distortion.
Me gusta esto porque te permite ubicar en el espectro de frecuencia dónde quieres esa distorsión. Me gusta justo ahí. O sea, puedes hacerlo en cualquier lugar. Me gusta ahí, y también lo ensanché. Estaba así. El drive está súbelo al máximo, y tienes que tener en cuenta que su volumen aquí realmente importa; mientras más alto sea el nivel que entra aquí, más distorsión vas a conseguir, así que no quieres ni muy poco ni demasiado.
Bájalo, si realmente quieres hacerlo más sucio, pero me gusta justo por aquí. Y luego, ambiente, y simplemente usé su preset llamado ambience para esto, ajusté el dry/wet.
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