Serum n'est pas qu'un synthé à tables d'ondes— c’est aussi un synthétiseur vocal. Enfin… plus ou moins. Tu peux lui fournir un enregistrement de ta voix et le transformer en un synthé jouable. Alors, faisons dire « Serum » à Serum.
Note: Il ne s'agit pas de créer un simple échantillonneur ; au contraire, Serum analyse l'audio pour capturer l'essence de la voix dans un processus qui la découpe en sous-tables. Cette méthode permet la resynthèse vocale à partir d'entrées audio. Ce n'est pas non plus un générateur de chant par IA (évidemment !). Ça ne fera pas chanter ta voix ni tenir une mélodie comme les outils IA populaires. Au lieu de ça, tu transformes ta voix en son de synthé jouable—plus robotique qu'humain.
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Commencez par vous enregistrer en train de dire « Serum », puis importez le fichier dans l’éditeur de tables d’ondes de Serum. Serum le découpera en 256 minuscules formes d’onde (sous-tables). Le résultat ? Une version brute et saccadée de votre voix, qui ressemble un peu à un robot en train d’apprendre l’anglais. Ce n’est pas encore terrible, mais on va arranger ça. Notez que je prononce volontairement de manière exagérée.
Sélectionner le nombre optimal de sous-tables
Lors de l’importation, vous pouvez comparer différentes tailles d’import Fast Fourier Transform (FFT) (256, 512, etc.). Cela influencera la fluidité avec laquelle le mot « Serum » apparaîtra lorsque vous modulerez à travers la table d’ondes. Dans notre cas, 256 a donné le résultat le plus propre. Testez différents réglages pour voir ce qui fonctionne le mieux avec votre enregistrement.
Nettoyer la table d'ondes vocale
Maintenant, coupe le silence au début et tout bruit superflu à la fin. Ensuite, supprime 3/4 des sous-tables. Ça va rendre la lecture saccadée au début, mais t'inquiète pas—on va lisser tout ça.
Rendre la resynthèse vocale jouable
Voici la magie : active Spectral Morphing. Ça mélange les sous-tables entre elles, transformant le bazar saccadé en un synthé vocal fluide et jouable.
Conclusion
Avec un peu de montage, Serum peut prendre un simple mot et le transformer en synthé vocal personnalisé. Essaie avec différents mots, ajuste les réglages, et fais parler ton synthé. Ou crier. Ou chuchoter des trucs flippants dans ton morceau. À toi de voir.
Recently I had a lesson with one of my 1:1 students, & he asked me to dissect how UK bass sounds are made. I was delighted to open up Serum and put the pieces of the puzzle together, and I want to share how it was made. So… In this … Lire plus
4 oscillateurs au total – Osc 1-3 : Onde en dents de scie, unisson à 9 voix, avec le désaccordage (detune) de l'unisson poussé jusqu'au point où ça commence tout juste à sonner légèrement faux. Ce niveau de désaccordage te donnera l'agressivité recherchée. Monte aussi la largeur d'unisson au max pour obtenir un son large et imposant. Ensuite, désaccorde légèrement vers le bas le pitch global de l'Osc 2, et monte légèrement celui de l'Osc 3. Tu as maintenant un unisson géant de 27 voix. VISAGE. FONDU. – Osc 4 : Bruit blanc. Monte-le de 4 octaves et passe-le en passe-haut. On veut juste un bruit blanc vraiment aigu et sifflant. Applique aussi les mêmes réglages d'unisson que sur les Osc 1-3 pour obtenir un son large. Et augmente le volume pour qu'il soit bien audible, mais qu'il se fonde dans les autres oscillateurs en dents de scie
Filtre
Passe-haut, pente de 12 dB. Monte le cutoff juste assez pour retirer un peu du gras dans le bas.
Enveloppe d'amplitude
Baisse le sustain assez bas et rends le decay rapide. Ensuite, remonte le volume global pour compenser la perte de volume due au sustain faible. Maintenant on a un transient d'attaque marqué.
Distorsion
Ajoute juste un peu de distorsion agressive de type clip. Ça va entrer en conflit avec les voix pulsantes de l'unisson et rendre le tout un peu rageur. N'en fais pas trop. Juste une touche.
Reverb
Grande taille, assez wet. Atténue-la pour retirer des aigus, de sorte que seul le corps du son résonne dans les cavernes.
Compression
Le potard X-Comp de Spire est d'une simplicité géniale. Je l'ai juste monté à mi-course et ça compresse le son, le rendant encore plus agressif. Mais n'importe quel compresseur fera l'affaire. Baisse juste le threshold jusqu'à ce que ça commence à se resserrer.
Tu meurs d'envie d'essayer tout ça ? Viens sur le forum Patch Share et montre-nous ce que tu as créé !
TRANSCRIPTION VIDÉO
Dans ce tutoriel, on va créer un lead trance supersaw géant. Et la clé de ce son, c'est simplement une onde en dents de scie avec énormément d'unisson. Cependant, si tu veux vraiment obtenir un son gros et percutant, il y a plein de petits ajustements à faire pour vraiment arriver à ce son massif.
J'utilise Spire, et comme tu vas le voir, il y a plusieurs raisons pour lesquelles il se prête vraiment bien à ce son. Mais franchement, n'importe quel synthé qui te donne un gros unisson, beaucoup de voix en unisson, tu pourras l'obtenir avec ce synthé. Alors, c'est parti. Là on a juste une bonne vieille onde en dents de scie toute simple. Et on va passer en mono. Une voix à la fois. Et on va attaquer direct, unisson.
Donc Spire nous donne jusqu'à neuf voix, et plus il y a de voix, mieux c'est. Alors je vais mettre les neuf, autant que possible. Et on va passer en largeur maximale. Un beau son large et massif. Le désaccordage (detune) est crucial ici. Quand tu le montes, oui tu obtiens un son plus désaccordé, mais ça apporte une sorte de tonalité agressive. Écoute comment ça devient un peu rageur. Donc tu peux doser la quantité de rage, la quantité d'agressivité que tu veux dans le timbre de ton lead.
Je vais aller à peu près là. Maintenant, Spire a quelque chose d'unique qui aide vraiment pour ça, c'est ce potard de densité, qui joue en quelque sorte sur la façon dont les différentes voix, dans ce cas les neuf, sont réparties exactement. Là, on obtient une répartition très propre et uniforme de nos neuf voix.
C'est en fait conçu pour émuler ce qu'on appelle un hypersaw, qu'on trouve sur l'Access Virus, un synthé célèbre. Mais si je monte la densité à fond, ça va devenir un supersaw, qui émule quelque chose qu'on a vu sur un vieux synthé Roland, le JP-8000, c'était un son classique et c'est toujours utilisé aujourd'hui parce que c'est ce gros supersaw. Tu entends à quel point c'est agressif et un peu chaotique ? C'est cet analogique imparfait, versus le numérique hyper propre. Les deux marchent, c'est vraiment une question de goût, mais là on vise un lead trance supersaw gros et agressif, donc je vais en supersaw, densité maximale.
D'autres synthés te donnent parfois un contrôle sur la répartition, comme Serum qui te permet vraiment d'aller dans le détail et de doser comment ces éléments sont répartis de manière plus complexe. Mais de toute façon, les deux fonctionnent. J'aime juste ce supersaw, à cause de son côté massif et agressif. Maintenant, je veux aller encore plus loin. Mais je suis au max à neuf. Donc je vais ajouter deux oscillateurs supplémentaires avec les mêmes réglages et les désaccorder.
Donc, voilà l'oscillateur un. Je peux copier, aller sur l'oscillateur deux, et coller. Aller sur l'oscillateur trois et coller à nouveau. Donc maintenant, tous les trois, un, deux et trois, sont ces grosses dents de scie en unisson à neuf voix. Je vais ensuite prendre l'oscillateur deux, le monter au même volume que le un. Et je vais le désaccorder légèrement vers le haut. Voyons voir de combien. J'amène l'oscillateur trois et le désaccorde légèrement vers le bas. Voilà, donc maintenant on a en gros un supersaw à 27 voix, c'est un son massif.
Maintenant, sur le dessus de notre son, on a ce genre de grésillement flou, le shh. C'est juste ce qui arrive quand tu empiles un tas de dents de scie désaccordées. Je veux accentuer ça encore plus en superposant du bruit blanc. Oscillateur quatre. Et je vais activer les autres oscillateurs une seconde pour que tu entendes ça. Donc là c'est une dent de scie, on passe sur bruit. Maintenant, le truc important ici c'est que tu vas devoir le filtrer séparément des autres dents de scie. Et Spire nous donne ça intégré directement dans l'oscillateur lui-même.
Si tu utilises un autre synthé et que tu as genre un second filtre, parce qu'on va avoir besoin d'utiliser notre filtre principal pour autre chose, tu peux utiliser ce filtre séparé pour façonner le bruit de la manière que je vais te montrer, ou tu pourrais juste utiliser une autre instance du synthé, une autre couche. Mais là c'est en passe-bas. Donc on obtient juste ce bruit bas, un peu gras et rond. On veut ce dessus brillant et grésillant, donc.
On passe en passe-haut. Maintenant on s'est débarrassé du bas et on a juste le haut. Et ça a aussi un gros pic de résonance dedans, je veux m'en débarrasser. Et il faut de la largeur. Très bien, voilà. C'est aussi une fonction assez rare, je vois ça sur Spire, je ne vois pas la largeur de bruit sur beaucoup de synthés, donc encore une fois, une fonction clé ici. Je vais réactiver mes autres oscillateurs.
Maintenant, ce bruit est encore un peu trop chargé dans le bas. Même s'il est en passe-haut, je le veux plus brillant, je le veux plus haut. Donc je vais le transposer vers le haut. Voilà. OK, donc maintenant on a ce gros son désaccordé et flou. Et il faut que ce soit brillant et tranchant, et sur certaines de ces notes basses, il y a beaucoup de grave et de corps. En fait je veux retirer ça, donc je vais juste prendre un passe-haut basique. Et par défaut, Spire a une enveloppe de filtre, donc je vais m'en débarrasser. Et ensuite je vais juste retirer.
On ne veut pas se débarrasser de trop de corps, on veut que ce soit un son riche, mais je veux juste me débarrasser de ces grosses basses. OK, donc on a établi notre son. Maintenant je veux lui donner plus de mordant, plus d'impact, vraiment le faire ressortir. Mais avant ça, juste un petit mot sur notre appli d'apprentissage de synthé, Syntorial.
Ce n'est pas un tutoriel de synthé ordinaire. C'est Syntorial. Rendre la programmation de synthés facile avec un entraînement type jeu vidéo, qui t'apprend à programmer des patches de synthé à l'oreille. Chaque leçon commence par une démonstration. Puis un challenge interactif. Avec plus de 200 leçons. Une fois que tu as terminé le programme, tu seras capable de créer les sons que tu entends avec presque n'importe quel synthétiseur. Essaie Syntorial primé dès aujourd'hui.
Bon, donc la première chose que je veux faire, c'est créer un transient d'attaque, je veux que ça frappe vraiment sur chaque note. On va utiliser notre enveloppe d'amplitude pour ça. Donc là, on a juste le sustain au max, il ne se passe rien vraiment, c'est juste on, off. Donc je vais baisser notre sustain. À peu près là. Et, pour que tu entendes ce qui se passe je vais lui donner un decay long une seconde. Tu peux entendre, pendant ce decay, ça devient juste plus faible.
Mais je veux le rendre plus rapide pour créer plus un TKK à l'avant du son. Donc je vais aller à peu près là. Et parce que notre sustain est si bas, on a perdu beaucoup de notre volume global. Donc, on le remonte. Voilà, maintenant on a ce pic à l'avant du son. Maintenant je veux le rendre un peu plus rageur. Je vais utiliser de la distorsion. Plein de types de distorsion différents ici, je vais prendre clip. On pousse notre drive, et ensuite je veux juste doser un peu, tu vois ? Donc il n'y a pas de distorsion appliquée, c'est complètement dry là.
Ça rend le bruit un peu plus perceptible et ça rend les dents de scie un peu plus rageuses, un peu plus combatives. Et tu peux utiliser d'autres types de distorsion. Pas une énorme différence dans ce cas, mais j'aime le clip, il a un peu plus de mordant.
Ensuite je veux le compresser. Spire a ce merveilleux potard x-comp. C'est juste un compresseur simple à un potard. Tout ce mouvement qui se passe avec l'unisson, toutes ces voix, essayer de compresser ça crée ce son vraiment combatif où tout se bat un peu et ça devient désagréablement rageur. Très bien.
Tu pourrais faire ça avec un compresseur classique aussi, tu devras ajuster les réglages davantage, mais l'idée c'est que tu forces ce son en mouvement à être compressé, tu le comprimes. Enfin, ça doit être gros et épique, on va utiliser de la reverb pour ça. Je vais mettre pas mal de wet. Je veux que ce soit dans un espace énorme, ce qu'un decay plus long va nous donner. Oh ouais, on est dans un canyon, dans une caverne.
Bon, c'est sympa, mais cette grosse reverb longue et brillante entre un peu en conflit avec le son principal. Ça crée juste beaucoup de son, c'est un peu le bazar. Donc je vais atténuer la reverb. C'est un peu comme mettre un passe-bas juste sur la reverb. Donc on obtient toujours ce gros son mais il n'y a plus de brillance dedans donc ça ne remplit pas vraiment trop de son, ça ne se bat pas vraiment avec le patch normal. Et voilà, gros lead trance supersaw.
Maintenant, s'il y a des patches avec lesquels tu voudrais de l'aide, n'importe quel type de patch, va sur notre forum sur syntorial.com, et poste une demande là-bas. Et moi ou quelqu'un d'autre t'aidera avec ça. Il y a un lien dans la description pour ça. Et bien sûr, on a plein de vidéos comme celle-ci sur YouTube, donc abonne-toi s'il te plaît.
Tu peux voir comment créer une sub en sinusoïde simple à 00:19, une sub en dents de scie personnalisable vers 2:02 et le layering à 3:10
Et voilà les recettes ci-dessous. Bon appétit !
Simple
Oscillateur : Sinusoïde
Filtre : Si tu veux ajouter des médiums pour mieux "entendre" la hauteur, utilise un filtre passe-bas et augmente le Drive au maximum.
Distorsion : Encore une fois, si tu veux ajouter des médiums, ajoute de la distorsion
Sub en Dents de Scie
Oscillateur : Dents de scie
Filtre : Passe-bas, 24 dB. Baisse bien le Cutoff, puis ajuste-le à ton goût, selon à quel point tu veux pouvoir "entendre" la hauteur. Utilise la Res pour l'alléger un peu et réduire les basses les plus lourdes. Et utilise le Drive pour le rendre chaud et saturé.
Tu meurs d'envie d'essayer tout ça ? Viens sur le forum Patch Share et montre-nous ce que tu as créé !
TRANSCRIPTIONS VIDÉO
Sub-bass. Pour faire simple, c'est juste une basse vraiment ronde. Et le plus souvent, on pense à une onde sinusoïdale, donc voilà. C'est ton sub-bass le plus basique et assez courant. Maintenant, pour éliminer ce petit coup sourd au début, je vais augmenter l'attaque de l'amplitude.
Et un exemple vraiment courant d'utilisation d'une sub-bass toute seule comme ça, c'est la grosse caisse 808. La 808 kick, c'est un son de grosse caisse suivi de cette longue queue, cette longue queue de sub-bass, donc je vais juste augmenter notre release et voilà ce qu'on obtient. C'est ce que tu entends sur ces 808 kicks. Et donc c'est ce que tu cherches à faire, terminé. Facile, onde sinusoïdale, ensuite, tu vois, il s'agit plutôt de créer ces basses vraiment rondes qui n'ont pas vraiment de hauteur discernable. C'est plus juste ces basses que tu ressens.
Cependant, si tu dois pouvoir mieux entendre la hauteur, si tu dois ajouter des médiums, pour que ce ne soit pas juste ce son vraiment grave et rond. On a plusieurs options. On peut activer un filtre, et si tu as du drive, augmente simplement le drive au maximum, baisse notre niveau. Tu vois, plus je l'augmente. sans, c'est sympa, bon, maintenant on peut un peu entendre la hauteur.
C'est toujours une grosse sub-bass ronde, mais maintenant on peut un peu entendre quelle hauteur est en jeu. J'adore cette technique avec un peu de drive du filtre. Si tu n'as pas de drive de filtre, tu peux essayer la distorsion. Ça sonne différent, mais c'est la même idée.
Cependant, ma façon préférée de créer une sub-bass, c'est en fait avec une dents de scie. Allons par ici, mettons une dents de scie, filtrons-la, et tu peux baisser ce cutoff bien bas, et choisir exactement où tu le veux. Tu vois, donc, mais tu la veux vraiment ronde, tu ne la veux pas un peu brillante, et tu peux vraiment régler le son exact et puisqu'on utilise le filtre, on pourrait ajouter du drive. On peut aussi utiliser la résonance si tu veux la sculpter un peu, enlever un peu de ces basses très grasses.
Donc une dents de scie à travers un filtre, c'est vraiment la voie à suivre si tu veux vraiment personnaliser ta sub-bass pour qu'elle soit exactement comme tu la veux. Maintenant, dans ce contexte, on a utilisé la sub-bass toute seule, mais une utilisation vraiment courante de la sub-bass, c'est de la superposer sous une autre basse, particulièrement une qui manque de basses solides. Donc par exemple…
Ceci n'est pas un tuto de synthé ordinaire. C'est Syntorial. Rendre la programmation de synthés facile avec un entraînement type jeu vidéo, t'apprenant à programmer des patches de synthé à l'oreille. Chaque leçon commence par une démonstration, puis un challenge interactif avec plus de 200 leçons. Une fois le programme terminé, tu seras capable de créer les sons que tu entends avec presque n'importe quel synthétiseur. Essaie Syntorial, primé internationalement, dès aujourd'hui.
Disons que j'ai créé une basse classique assez typique. Un truc comme ça, bon, ça ne sonne pas mal, mais disons que je veux beaucoup de mouvement. Disons que je la veux vraiment luxuriante. J'active l'unisson, oh, ça sonne bien, mais tu remarques que j'ai vraiment perdu ces basses stables et solides. Tu vois, l'unisson bouge, ça pulse, et je veux quelque chose de solide. Qui ne bouge pas dans mes basses.
Occasion parfaite pour simplement superposer une sub-bass simple, entends cette belle présence dans les basses. Ça ne change pas le caractère parce que c'est juste une onde sinusoïdale. Tu vois, il n'y a rien dedans. C'est pur, rond, des basses. Et donc ce que ça signifie, c'est que tu peux, tu vois, prendre ton timbre de basse principal et faire ce que tu veux avec. Tu vois, sans te soucier du fait que c'est une basse, genre mettons un phaser.
Et tant que la sub n'est pas affectée, ce qu'on peut faire en activant le direct out, ça signifie qu'elle va éviter les effets. Ça fournit de belles basses solides pour accompagner notre corps sonore vraiment actif. Maintenant, Serum est sympa parce qu'il a cette option direct out donc on peut avoir une sorte de sub-bass intacte, d'autres synthés ont ça aussi, mais si tu n'as pas ça, tu peux juste utiliser un autre synthé, ouvre simplement un second synthé et joue la même ligne et l'avantage, c'est que tu peux créer ta sub-bass exactement comme tu le veux.
Tu peux aller aussi simple qu'une sinusoïde, mais tu peux aussi faire ces autres choses dont on a parlé, comme passer une dents de scie à travers un filtre, avoir deux synthés séparés, ça te donnera vraiment la capacité de régler exactement la sub-bass que tu veux.
Très bien, j'espère que tu as trouvé ça utile. Si tu as des demandes de patches, va sur notre forum et poste là-bas et moi ou quelqu'un d'autre essaiera de t'aider à comprendre ce patch. Et n'oublie pas de t'abonner à notre chaîne YouTube.
Since we’re so nice, we wrote down the synth recipes for your convenience:
Simple et moderne :
Type de synthèse : FM
Routage des opérateurs : 2 -> 1
Opérateur 1
Forme d'onde: sinusoïde
Opérateur 2
Forme d'onde: sinusoïde
Ratio de hauteur : 2:1
Enveloppe d'amplitude : sustain entre 0 et 80%, decay rapide
Niveau : entre 80% et Max
Un peu plus complexe, et classique
Type de synthèse : FM
Routage des opérateurs : 2&3 -> 1
Opérateur 1
Forme d'onde: sinusoïde
L'opérateur 2 nous donnera notre timbre de basse électrique
Forme d'onde: sinusoïde
Ratio de hauteur : 1:1
Enveloppe d'amplitude : sustain au max
Niveau : entre 60-80%
L'opérateur 3 nous donnera notre transient d'attaque
Forme d'onde: sinusoïde
Ratio de hauteur : 7:1 (à ajuster selon tes goûts)
Enveloppe d'amplitude : sustain à 0, decay rapide
Niveau : entre 70-80%
Le lien de téléchargement de Dexed lien de téléchargement est juste ici. Non, pas le mot "ici", les oranges. Tu les as ratés, reviens en arrière. Voilà.
Comme d'hab, le patch challenge est en ligne, donc tu peux uploader ta version d'une basse FM sur le forum et discuter de ce que tu veux avec d'autres Syntorians. À toi de jouer !
TRANSCRIPTION VIDÉO
Basse FM, c'est un patch de synthèse FM assez basique. C'est un excellent moyen d'apprendre comment fonctionne la synthèse FM. Donc tu n'as pas besoin d'avoir de connaissances préalables en synthèse FM. Je vais te montrer comment ça marche au fur et à mesure.
Ce synthé, c'est Dexed. C'est un VST/AU gratuit pour Mac et PC. Le lien de téléchargement est dans la description ci-dessous. Alors, qu'est-ce qu'on a ici ? Eh bien, on a six oscillateurs séparés, ou comme on les appelle dans le monde de la FM, des opérateurs. Et ils ne peuvent générer qu'une sinusoïde. Tu ne peux pas changer la forme d'onde comme avec les synthés soustractifs et à table d'ondes.
Alors comment obtenir des sons intéressants quand on n'a qu'une sinusoïde ? Eh bien, c'est là qu'intervient la FM, la modulation de fréquence. L'opérateur 2 est routé pour moduler l'opérateur 1. On ne peut pas vraiment entendre son signal audio. Si j'augmente son niveau, on n'entendra pas une autre sinusoïde. Au lieu de ça, quand on augmente ce niveau, ça module l'opérateur 1 davantage, et ça finit par changer son timbre. Écoute. Ça le rend plus brillant, mais d'une façon FM très particulière, dans ce style métallique, filant.
Et on peut changer la nature de cette brillance avec la hauteur de l'opérateur 2. En l'augmentant, tu entendras ce timbre devenir plus métallique et plus aigu, écoute. Maintenant, les synthés FM contrôlent la hauteur d'une manière un peu différente de ce à quoi tu es probablement habitué avec les synthés soustractifs et à table d'ondes. Ils utilisent des ratios de hauteur, ce qui signifie en gros qu'ils multiplient la fréquence de la hauteur.
Donc F égale deux signifie qu'on a doublé la fréquence, ce qui équivaut à une octave. Trois signifie qu'on a triplé la fréquence, ce qui équivaut à une octave et une quinte, et ça monte comme ça à travers ce qu'on appelle une série harmonique, que tu peux chercher. Il y a plein d'infos là-dessus. Je ne vais pas en parler, parce que tu n'as pas besoin de le savoir. Tout ce que tu dois savoir, c'est que ce potard Coarse, quand tu l'augmentes, ça change la nature de cette brillance, ça la rend plus métallique, plus aiguë.
Je vais le laisser sur un pour l'instant. Donc c'est la même hauteur que l'opérateur 1. Là où ça devient intéressant, c'est quand on module le niveau de cet opérateur. Donc ce niveau, c'est son volume. Quand on augmente son volume, ça module l'opérateur 1 davantage. Du coup, tout ce qu'il nous faut, c'est une enveloppe d'amplitude pour moduler ce niveau, et c'est exactement ce qu'on a ici !
Donc je vais prendre le niveau de sustain, juste ici, le descendre à fond, et je vais prendre son taux de decay, qui est juste en dessous, et là, c'est tellement rapide que ça saute directement. C'est pour ça qu'il n'y a rien ici. Je vais le ralentir. Et qu'est-ce qu'on obtient ? Voilà, donc ça prend ce niveau et ça le fait chuter. Ça crée notre basse FM de base.
Maintenant, si tu écoutes bien, tu entends un peu de bruit là-dedans, ce crépitement. C'est juste un truc que fait ce synthé. Je ne pense pas que les autres synthés FM fassent ça autant. C'est peut-être juste une petite limitation de ce synthé, mais bon, il est gratuit. Et tu peux le réduire un peu en baissant notre cutoff passe-bas. Ça enlève juste un peu d'aigus. C'est encore un peu là, mais... Bon, voilà une basse FM de base !
Maintenant, ça module jusqu'à zéro, ce qui nous laisse avec une sinusoïde. Là, on a une sinusoïde, mais peut-être que tu ne veux pas ça. Et si tu veux qu'il y ait un peu plus dans ton son après ce transient d'attaque ? Eh bien, tu peux remonter ce niveau de sustain. Oh, ouais, peut-être juste là. Euh, peut-être là. C'est toi qui décides exactement où ça se termine.
Et regarde ce qui se passe quand je monte cette hauteur d'une octave. Ça sonne peut-être plus familier. C'est une approche plutôt moderne de la basse FM. C'est cool que ce soit simple. Peut-être que je ne veux pas que ce soit aussi brillant. Voilà. Très bien ! Donc ça, c'est notre première basse FM. Un son plutôt moderne, une approche vraiment basique. Je veux te montrer une autre approche, une approche plus complexe, qui va nous donner plutôt une basse FM de style années 80 classique.
Ce n'est pas un tutoriel de synthé ordinaire. C'est Syntorial, qui rend la programmation de synthés facile, avec un entraînement façon jeu vidéo, t'apprenant à programmer des patchs de synthé à l'oreille. Chaque leçon commence par une démonstration, puis un challenge interactif, avec plus de 200 leçons ! Une fois que tu auras terminé le programme, tu seras capable de créer les sons que tu entends avec presque n'importe quel synthétiseur. Essaie Syntorial, plusieurs fois primé, dès aujourd'hui.
Je vais enlever cette modulation ici. Redescendre à la même hauteur que l'opérateur 1. Et je vais juste utiliser ça pour obtenir notre timbre. Je veux obtenir un truc comme une basse électrique, genre un vrai son de basse électrique à cordes. Ouais, peut-être là. Et si tu veux te débarrasser de ces clics et pops, mets un peu d'attaque sur l'opérateur 1. C'est pas mal, et puis le release aussi, on veut avoir un peu de release.
Bon, maintenant, je veux prendre l'opérateur 3 et moduler l'opérateur 1 avec lui aussi, utiliser ça pour créer notre transient d'attaque. Parce qu'il me manque ça au début, d'accord ? C'est juste un son un peu étouffé. Maintenant, tu pourrais t'en tenir à ça si tu voulais juste ce ton de basse électrique simple et basique ; c'est parfait. Mais je veux un transient d'attaque là-dessus, et je vise plutôt cette basse FM au son plus classique.
Le problème, c'est que par défaut là, l'opérateur 2 module l'opérateur 1, mais le 3 ne module pas l'opérateur 1. C'est là qu'on descend ici vers le routage d'un synthé FM. Donc la façon dont ils font dans Dexed, c'est que les numéros d'opérateurs qui sont sur la rangée du bas sont ceux qu'on peut réellement entendre. Donc on peut entendre le 1, on peut aussi entendre le 3. Et puis, en partant du haut, on a une sorte de modulation en cascade, donc le 2 module le 1, le 6 module le 5, module le 4, module le 3. On n'a pas besoin de tout ça. J'ai besoin que le 2 et le 3 modulent tous les deux l'opérateur 1. Donc je vais changer l'algorithme. Il y en a plein.
Celui que j'ai trouvé était à peu près ici. Le 2, le 3 et le 5 modulent tous l'opérateur 1. Je n'ai pas besoin du 5, mais j'ai obtenu ce que je veux avec ça, le 2 et le 3. Bon, donc là, on a toujours juste le 2 qui module l'opérateur 1. Je vais augmenter le 3, et utiliser l'enveloppe d'amplitude pour créer un transient d'attaque, comme on l'a fait avant. Montons à deux. Ça ne sonne pas vraiment comme quand on utilisait cet opérateur, hein ? Parce que maintenant on a deux opérateurs qui modulent l'opérateur 1, donc ça va changer la nature. Ils vont interagir d'une façon intéressante.
Je vais monter à sept maintenant. Alors qu'est-ce qu'on a ? Allons un peu plus vite. Baisse un peu là-dessus, voilà. Et peut-être relâche ici. La voilà ! Une basse FM au son un peu plus classique. Et bien sûr, je pourrais essayer d'autres hauteurs.
Donc voilà, et comme tu peux le voir, il y a mille façons de créer une basse FM avec un synthé FM, toutes avec des timbres variés ! Laisse-moi te montrer un exemple qui est venu avec les presets, FM bass. Celui-ci utilise les six opérateurs. Routage différent ici, donc on entend en fait le 1 et le 3, ils superposent en quelque sorte deux sons ensemble et utilisent les autres opérateurs pour créer les timbres de chacun.
Très bien, donc il y a un Patch Challenge sur notre forum, syntorial.com/forum. Va là-bas, et je veux entendre ta version d'une basse FM. Télécharge Dexed ou utilise le synthé que tu as, puis poste ton patch là-bas et parles-en un peu. Je veux entendre ce que tu peux faire. Et pendant que tu es sur ce forum, tu peux aussi créer de nouveaux sujets et demander d'autres patchs. Donc s'il y a un patch particulier d'une chanson que tu veux savoir comment faire, poste là-bas, et moi ou quelqu'un d'autre t'aidera à créer ce patch. Et bien sûr, abonne-toi à notre chaîne YouTube pour avoir plus de vidéos comme celle-ci.
Accroche-toi bien, nouvel arrivant ! Cette vidéo est une introduction rapide et efficace au monde merveilleux des plugins. Ce qu'ils sont, comment ils fonctionnent, et surtout, ce que tu peux en faire. Intrigué ? Lance la vidéo, mais seulement si tu es bien accroché... Je t'aurai prévenu.
TRANSCRIPTION VIDÉO
Les plugins. C'est quoi ? Si tu débutes dans la création musicale sur ordinateur, tu as forcément croisé ce terme. Je vais t'expliquer ce que c'est, comment ça marche, et pourquoi ça devrait t'intéresser. Commençons par cette application de synthé. C'est une application classique, un synthé autonome, ce n'est pas un plugin. C'est Syntorial. Tu le télécharges, tu l'installes, tu l'ouvres, et voilà ton synthé.
Le seul problème avec ce genre de synthé autonome, c'est que tu ne peux pas l'enregistrer dans ton logiciel d'enregistrement, pas vrai ? Genre tu utilises Ableton ou Logic, ou l'une des nombreuses applications du marché, aussi appelées DAW, pour faire ta musique. Et je voudrais utiliser ce synthé avec d'autres sons, mais c'est pas possible ici dans cette application de synthé.
C'est exactement à ça que servent les plugins. Un plugin, c'est comme une application, sauf qu'il est conçu pour être ouvert à l'intérieur d'un logiciel d'enregistrement, pour que tu puisses l'utiliser aux côtés d'autres plugins.
Alors, passons à Logic. J'ai installé la version plugin du synthé Syntorial, qui s'appelle Primer. Et je l'ai fait de la même façon : je l'ai téléchargé, puis installé, c'est comme ça qu'on installe tous les plugins. Par contre, une fois installé, tu ne le verras pas dans ton dossier applications ou programme, tu ne peux pas l'ouvrir directement, il est uniquement conçu pour être ouvert et utilisé à l'intérieur d'un logiciel d'enregistrement.
Chaque logiciel d'enregistrement a sa propre interface, mais par exemple, ici dans Logic, ma piste par défaut est un piano électrique. Mais je veux ouvrir Primer ici. Alors dans leur cas, je vais dans ce menu. Je vais dans AU Instruments, je t'expliquerai ce que AU veut dire. Et Audible Genius, c'est le nom de notre société. Et voilà Primer. Et maintenant, c'est le même synthé que dans la version autonome, les mêmes contrôles, exactement le même son, mais là il est dans Logic, donc je peux l'enregistrer dans Logic et le rejouer. Et voilà, je peux créer une autre piste, ouvrir un plugin différent pour faire de la batterie, de la basse, ce que je veux. C'est pour ça que les plugins sont un élément central de la musique sur ordinateur : ce sont les sons, ce sont les instruments.
Comme tu peux le voir, j'en ai beaucoup ici. Donc chaque fois que tu en installes un, il s'ajoute simplement à la liste de ton DAW. Là, c'est un synthé. Il y a évidemment aussi des sampleurs pour la batterie ou des instruments réels comme le piano. Et ensuite tu peux aussi utiliser des effets. Disons que je veux ajouter de la reverb, mais que je ne veux pas utiliser la reverb intégrée de Primer.
Eh bien je peux prendre un plugin de reverb, prenons celui-ci. Donc maintenant, mon plugin Primer passe par cette Chroma Reverb. Tu vois, les possibilités sont infinies. Il y a tellement de plugins et tu peux les enchaîner comme tu veux pour créer tous les sons que tu veux. Maintenant, tu as probablement croisé différents formats de plugins, comme VST, AU, et peut-être même AAX.
Ce n'est pas un tuto de synthé ordinaire. C'est Syntorial. Apprendre à programmer les synthés facilement avec un entraînement façon jeu vidéo. Tu apprends à créer des patchs de synthé à l'oreille. Chaque leçon commence par une démonstration, puis un challenge interactif, avec plus de 200 leçons. Une fois le programme terminé, tu seras capable de créer les sons que tu entends, avec pratiquement n'importe quel synthé. Essaie Syntorial, primé et reconnu, dès aujourd'hui.
Donc, tu as probablement croisé différents formats de plugins, comme VST, AU, et peut-être même AAX. Ce sont simplement des types de fichiers. Primer, par exemple, existe en VST et en AU. Le synthé en lui-même est identique. Tu n'auras pas un son différent, des contrôles différents. C'est exactement la même chose. Ce qui compte, c'est ton logiciel hôte : que ce soit Logic, Ableton, FL Studio, peu importe ton logiciel d'enregistrement, tu dois vérifier quels types de fichiers il accepte.
Donc, par exemple, VST est le plus courant. Presque tous les logiciels d'enregistrement te permettent d'utiliser des plugins VST. À tel point que le terme VST est souvent utilisé à la place du mot plugin. Quels VST tu as, combien de VST tu as, oh j'ai un nouveau VST. C'est en fait un format spécifique mais c'est un format tellement important et populaire qu'il est devenu universel. Par contre, Logic, par exemple, n'accepte pas VST. Il n'accepte que AU. Et il y a un autre DAW qui s'appelle Pro Tools, il n'accepte que AAX. Donc pour toi, regarde quel logiciel hôte tu utilises, trouve quels formats il accepte, et récupère ton plugin dans ce format.
Chaque développeur décide des formats qu'il veut créer. Nous, on a opté pour VST et AU, certains ne font que du VST, tu vois. Donc tu n'auras peut-être pas accès au plugin exact que tu veux, mais une fois que tu connais le format accepté par ton logiciel hôte, cherche ce format. Et d'ailleurs, il y a VST et maintenant VST3, qui est la dernière version de VST. Mais encore une fois, pour toi, vérifie juste ton logiciel hôte. S'il supporte VST3, prends le VST3. S'il supporte VST, prends le VST classique.
Donc ça c'est sur Mac. Windows fonctionne pareil. Tu télécharges, tu installes, tu ouvres ton DAW, et voilà ton plugin. Par contre, sur iOS c'est une autre histoire. Sur iOS, il n'y a qu'un seul format, AUV3. Et au lieu d'être appelés plugins, ils sont souvent appelés extensions parce que ce sont en fait des extensions de l'application autonome classique. Donc en haut à gauche tu vois Primer. On l'a téléchargé depuis l'App Store, comme n'importe quelle autre app. Et si je clique dessus et que je l'ouvre directement, c'est simplement un synthé autonome.
Maintenant si je veux l'enregistrer, je dois aller dans une app d'enregistrement. Allons dans GarageBand. GarageBand, comme d'autres apps, te propose différents types d'instruments que tu peux ajouter. Et beaucoup d'entre elles ont une extension AUV3, donc on voit ici en bas à gauche, audio unit extension. Je tape dessus, et voilà Primer. Parce que toute app qui a une version extension installe automatiquement l'extension quand tu installes l'app, donc tu n'as pas besoin de chercher une extension AUV3.
Tu dois juste trouver des apps qui ont des extensions intégrées. Une fois l'app installée, la voilà, et je tape juste sur Primer. Je peux jouer et enregistrer Primer dans GarageBand. Bon, j'espère que ça t'a aidé à comprendre tout le système des plugins. Et si tu as des questions, poste-les ci-dessous dans les commentaires et je te répondrai avec plaisir. Et n'oublie pas de t'abonner à notre chaîne YouTube. On poste des vidéos chaque semaine sur les synthés et le design sonore.
On a tous entendu des sons orchestraux réalistes… ceux-là sont faits avec des sampleurs et c'est pas très marrant. Et si tu créais des sons de cordes avec tes propres mains ?
Dans cette vidéo, je vais te montrer comment obtenir ce caractère de cordes avec ton synthé. Bien plus facile que d'apprendre le violoncelle.
Quand tu as fini de regarder la vidéo, va faire un tour sur notre forum et partage tes patchs pour en discuter.
TRANSCRIPTION VIDÉO
Les cordes au synthé. Je vais te montrer les différentes manières de modifier un patch pour le rendre plus proche des cordes. Maintenant, si tu cherches des sons de cordes vraiment précis avec un plugin, ce qu'il te faut c'est un sampleur. Si tu veux quelque chose de vraiment, vraiment, vraiment réaliste, prends un sampleur. Ils sonnent incroyablement bien, surtout ceux d'aujourd'hui. Mais là, on parle plutôt d'obtenir ce caractère de cordes avec ton synthé, de s'en approcher ou même simplement de l'intégrer dans un patch.
On va donc passer en revue toutes les techniques qui donnent à un patch ce caractère de cordes. Voilà où on en est : on a une dent de scie et c'est tout. Première chose, il nous faut plusieurs voix pour créer un accord. On va viser ce genre de son de cordes orchestrales.
Maintenant, là, une forme d'onde toute seule, c'est très statique, figé, mais les cordes, c'est plein de violons et tout ça qui jouent en même temps. Ils ont tous un son similaire sur la même note, mais ils ne sont pas exactement identiques. Du coup, ça crée ce genre de son qui pulse et se mélange. On peut obtenir ça avec l'unisson. On crée essentiellement quatre copies de notre dent de scie et là elles commencent à onduler les unes contre les autres.
Par contre, on ne veut pas que leurs phases démarrent en même temps. Ça nous donne un transient d'attaque très abrupt. Et là, le désaccordage est beaucoup trop rapide. Il faut le ralentir. Beaucoup plus proche des cordes. Et comme c'est un orchestre, on veut élargir ça. Ensuite, l'enveloppe d'amplitude. On va faire deux petits changements ici, qui font une grosse différence.
D'abord, notre son démarre instantanément. C'est très soudain, parfait pour un synthé, mais là on fait un son de cordes plus réaliste et les cordes frottées ont tendance à arriver en douceur. Donc on va augmenter notre attaque. Pareil pour la release. On ne veut pas un arrêt immédiat. On veut un tout petit peu de traînée. Voilà, enveloppe d'amplitude.
Ensuite, le filtre. On a un son vraiment très, très brillant. Les cordes sont brillantes mais pas à ce point. On veut enlever un peu de ce grésillement dans l'aigu. Ça sonne bien. Par contre, écoute les notes dans le bas du registre. Elles sont trop brillantes, ça recommence à sonner comme un synthé. Plus vraiment des cordes. Donc si on veut un cutoff plus bas dans le grave, plus haut dans l'aigu, c'est le key tracking. Monte ça et maintenant ajuste un peu. Retourne vers notre médium.
Le key tracking est génial quand tu as un patch qui couvre une large étendue et que tu veux un cutoff plus cohérent et régulier sur toute cette plage. Tu n'as qu'à monter ton key tracking, ajuster jusqu'à obtenir ce que tu veux. Et tu devras aussi ajuster le cutoff au fur et à mesure.
OK, ensuite, notre orchestre va être dans une salle, alors mettons un peu de reverb. Voilà, donc ça c'est une belle corde analogique basique, bien synthé. Mais là c'est du legato avec des notes tenues. Et si tu veux des notes courtes ? Eh bien, on baisse le sustain et le decay. Parfait, tu voudras augmenter ton volume quand tu fais ça. Bien, maintenant si on veut que ça tienne pour avoir cette attaque staccato mais que les notes se maintiennent.
Excellent, et si on veut un pluck, ramène ça et baisse notre attaque. Ça commence à sonner assez synthé. C'est mieux. C'est encore assez synthé mais ça te donne ton pluck. Dès qu'on perd ce caractère frotté, on commence aussi à perdre le caractère de cordes. Donc remet ça, remonte ça. OK, comment on peut rendre ça un peu plus réaliste ?
(pub) Ce n'est pas un tutoriel synthé ordinaire. C'est Syntorial, qui rend la programmation de synthés facile avec un entraînement façon jeu vidéo, pour t'apprendre à programmer des patchs de synthé à l'oreille. Chaque leçon commence par une démonstration, puis un challenge interactif, avec plus de 200 leçons. Une fois le programme terminé, tu seras capable de créer les sons que tu entends avec pratiquement n'importe quel synthétiseur. Essaie Syntorial, primé et reconnu, dès aujourd'hui. (pub)
Comment on peut rendre ça un peu plus réaliste ? Eh bien, la première chose qu'on peut faire, c'est jouer un peu avec notre forme d'onde. Là c'est juste une dent de scie mais je vais passer à l'oscillateur deux et on va faire une onde impulsionnelle. Ça a un caractère un peu plus cordé mais je veux aller encore plus loin. Je veux faire évoluer cette forme d'onde. On peut faire ça avec la modulation de longueur d'impulsion, qui essentiellement, laisse-moi l'éteindre, ça va faire comme ça. Ça va la faire évoluer.
Donc encore une fois, on obtient ce changement de son réaliste. On peut le faire automatiquement avec un LFO. Tu l'entends là, c'est trop évident. OK, ça fait très cordes. C'est un caractère plutôt cordé mais ça sonne encore un peu artificiel. C'est un des inconvénients de l'onde impulsionnelle. Donc j'aime bien mixer les deux ensemble. J'aime bien un peu plus de dent de scie que d'impulsionnelle. Écoute notre dent de scie sans l'impulsionnelle. Avec l'impulsionnelle. Aussi avec notre impulsionnelle activée, on peut baisser un peu notre cutoff.
Et pour ajouter encore un peu de mouvement maintenant qu'on a deux formes d'onde, deux oscillateurs, on peut juste les désaccorder légèrement l'un par rapport à l'autre. Voilà, donc on s'est rapproché en faisant évoluer notre forme d'onde et en mélangeant quelques formes d'onde différentes. Mais si je veux aller encore plus loin, ce que je vais faire c'est passer à un synthé à table d'ondes, et on va utiliser Serum.
Tu peux vraiment utiliser n'importe quel synthé à table d'ondes. Là, c'est configuré exactement comme notre synthé de cordes analogique classique de base dans Primer avec une dent de scie. OK, avant d'entrer dans les tables d'ondes, une étape réaliste que tu peux prendre c'est un filtre avec une pente plus douce. Donc Primer avait une pente de 24 dB, ce qui est assez raide. C'est ce qu'on a configuré ici mais si je la rends un peu plus douce, allons vers 18. J'ajuste mon cutoff.
Ça peut être un peu plus réaliste parce que dans la vraie vie, ces pentes de filtre raides et abruptes ne sont pas si courantes. Donc une pente un peu plus douce aide juste à nous donner une forme brillante plus réaliste.
OK, maintenant parlons des tables d'ondes. Donc on a notre dent de scie ici. On veut mixer une forme d'onde différente comme on l'a fait avec Serum ou avec Primer. Donc je vais copier l'oscillateur A vers B, je vais les transposer l'un par rapport à l'autre, comme on l'a fait avec Primer mais pour celui-ci, pour cette forme d'onde, je veux trouver une table d'ondes très cordée et si tu as un synthé qui a une vraie table d'ondes de cordes, parfait. Tu vas vraiment te rapprocher d'un son un peu plus réaliste.
Pour moi, j'ai pu en trouver une appelée bowed metal. Maintenant toute seule, ça sonne comme ça. Ça a clairement la bonne ambiance. Je veux trouver un point plus réaliste par contre. Et quand tu cherches ce point, tu devrais le faire avec le mix activé parce que quelque chose tout seul sonne un peu différent de quand c'est mixé. J'aime bien par là. Mais plus important encore, comme avec Primer, on veut moduler ça. Donc on va prendre notre LFO, juste ici.
Juste une modulation subtile et lente. Voilà, donc c'est un peu plus réel que cette longueur d'impulsion, parce que c'est probablement tiré d'un vrai enregistrement, c'est une toute petite portion d'un vrai enregistrement de métal frotté. Donc c'est un vrai son frotté qu'on superpose maintenant. Plus réaliste. Donc ça c'est notre son frotté. Et le staccato ? Il y a des choses qu'on peut faire pour rendre le staccato un peu plus réaliste et c'est, d'abord, on veut évidemment le raccourcir.
Si tu peux courber ton étage de decay vers le haut, un peu trop là. Baisse ton cutoff un peu plus. Et voilà. On a ce son staccato. Maintenant quand tu attaques une corde, deux choses se passent et à l'attaque initiale, c'est un tout petit peu plus brillant que le reste du son, mais aussi il y a presque ce genre de frottement de l'archet contre la corde qui crée presque ce bruit, ce SHH juste au début. Donc on va superposer du bruit blanc, juste pour l'attaque par contre.
Donc là, c'est… On veut que ce soit plus court que le son. Juste le tout tout début du son. Donc je vais prendre cette enveloppe et on va la rendre vraiment, vraiment courte. Et on monte un peu… Et on va redresser la courbe un peu. Et ensuite on veut aussi router cette même enveloppe vers notre filtre, juste une toute petite quantité. Comparé à sans. Et voilà.
Donc encore une fois, si tu as besoin de quelque chose de très, très réel, prends un sampleur. Là c'est plutôt comment on amène un caractère de cordes dans notre patch. Donc si c'est ce que tu cherches à faire, tu peux essayer n'importe laquelle de ces techniques et elles t'aideront à y arriver.
In this video, I’ll take you through the process of creating an evolving pad from scratch using Serum.
Tu vas apprendre à sculpter le flux et le reflux d'un pad long, riche et mouvant. On répondra aussi à la question « Combien d'adjectifs, c'est trop d'adjectifs dans un article de blog ? »
Si tu as créé un evolving pad et que tu veux le partager, viens sur notre Forum. On arrête de parler d'adjectifs, promis.
TRANSCRIPTION VIDÉO
Un evolving pad.
C'est un pad qui évolue de différentes manières en continu sur une longue durée. Voici celui que j'ai concocté.
Bon, la clé pour un pad comme ça, c'est deux choses : des couches et des tonnes de modulation. Je vais le recréer de zéro. Je mets l'original ici. Regarde… ok, là on a juste une bonne vieille dent de scie toute simple, donc la première chose que je vais faire, c'est nous donner un release bien long.
Pour l'enveloppe d'amplitude, c'est simple : juste pour que ça résonne quand je relâche la touche. Ensuite, je veux étaler un peu le son, donc je vais ajouter de l'unisson. Parfait. Ensuite je vais le filtrer, et ce sera notre premier son qui évolue lentement. En le modulant avec un LFO. Alors, activons-le et j'ai bidouillé un moment, et j'ai fini par aimer le rendu de la pente à 18 dB.
Bon, je prends le LFO 1, je module le cutoff et j'ai pas besoin d'énormément ici, juste un petit mouvement de haut en bas. Et là c'est beaucoup trop rapide. Je vais régler ça pour que ça ne soit pas calé sur le tempo, le rendre vraiment lent. Voilà ! Ok, donc ça c'est notre premier point d'évolution, non ? C'est un changement très lent de notre cutoff. Et j'ai aussi fait ce réglage pour qu'il démarre toujours en haut. Tu n'es pas obligé de faire ça, c'est juste une préférence perso.
J'aime bien avoir cette belle attaque brillante sur le son, et je veux vraiment accentuer ce mouvement du cutoff, donc je vais augmenter la résonance. Bon, voilà notre mouvement de filtre.
Maintenant, ajoutons une autre couche de mouvement, et on veut un rythme différent pour qu'il interagisse avec le mouvement du filtre de manière imprévisible. Je vais prendre notre oscillateur ici et passons à une table d'ondes. Encore une fois, j'ai expérimenté et j'ai aimé le rendu de celle-ci.
À peu près par là. Bon, ça ne sonne pas très différent d'une dent de scie. Cependant, je vais le moduler avec une enveloppe. Je vais router l'enveloppe deux ici, j'ai testé les plages et j'ai aimé cette plage. Et on va partir sur… je vais verrouiller cette enveloppe pour voir tous les étages, une attaque vraiment vraiment lente. Tellement lente, environ neuf secondes pour monter, et puis au lieu du sustain ici en bas, et encore une fois notre decay sera bien long. On va aussi faire neuf secondes.
Maintenant, qu'est-ce qu'on a ? Tu vois, pendant que cette enveloppe met le temps de monter et descendre complètement, que la table d'ondes change entièrement puis revient, le LFO du filtre fait un peu moins de deux cycles, non ? Donc tu obtiens ces cycles qui s'entrechoquent. Moduler deux choses différentes crée du multi… pendant que je maintiens ça, ça va continuer à changer même après que la table d'ondes soit là, commence à revenir, le cutoff recommence.
Donc à ce stade, le cutoff monte et descend pendant que la table d'ondes monte et descend. Mais quand la table d'ondes a fini de bouger, maintenant on entend le cutoff monter et descendre sans le mouvement de la table d'ondes. On vient donc de créer une très longue couche complexe de changement. Au début on entend le mouvement du cutoff et le mouvement de la table d'ondes, et ensuite on entend juste le mouvement du cutoff. Tu vois ? Donc ça fait deux grandes étapes de changement. D'entrée de jeu, on a cette longue évolution changeante. Ok. Ajoutons une autre couche…
Ce n'est pas un tutoriel de synthé ordinaire, c'est Syntorial. Apprendre à programmer des synthés facilement avec un entraînement ludique qui t'apprend à programmer des patchs de synthé à l'oreille. Chaque leçon commence par une démonstration, puis un challenge interactif avec plus de 200 leçons. Une fois le programme terminé, tu seras capable de créer les sons que tu entends avec presque n'importe quel synthétiseur. Essaie Syntorial, l'app récompensée, dès aujourd'hui.
Ajoutons une autre couche avec notre source de bruit, et dans Serum c'est plus que du simple bruit. J'aime cette atmosphère 7, suivi de pitch, regarde les réglages. Encore une fois, je ne veux pas que ça arrive et reste là, je veux amener ça et le retirer, faire quelque chose avec de la modulation, donc je vais router notre enveloppe vers notre niveau.
Je commence le niveau à zéro, donc maintenant, si je lui donne une attaque assez longue, disons environ six secondes, ça veut dire qu'on a le bruit qui met six secondes à arriver contre notre table d'ondes qui met neuf secondes pour aller jusqu'au bout. Donc maintenant notre bruit va arriver à mi-chemin environ de cette modulation de table d'ondes, puis la modulation de table d'ondes va continuer. Voilà le bruit.
Maintenant, je ne veux pas que le bruit reste juste là. Tu vois ? Je veux qu'il commence à partir mais jamais complètement, parce que plus tard, il est toujours un peu là, créant une petite couche de complexité. Donc je vais prendre notre sustain et le descendre à environ 64 pour cent, et notre decay à environ 8 secondes. Donc maintenant, voilà
le bruit, maintenant il va commencer à s'estomper et le voilà. Il va rester là, donc il est présent mais pas agressif. Ok. Ajoutons encore une autre couche avec l'oscillateur B, et pour celui-ci je veux créer un son vraiment distinct qui ressort, je les descends un peu, je les filtre. Je vais les monter de deux octaves. On va y aller fort sur l'unisson : six voix, je vais laisser un fort désaccordage. Ok maintenant c'est un peu abrasif, c'est vraiment là, vraiment visible ou audible, donc modulons-le.
On va prendre un LFO et je veux faire quelque chose d'un peu différent ici. Je vais mettre carré et je vais router ça vers notre niveau, écoutons comment ça sonne maintenant. Plus rapide. Ok, en fait j'aime bien ça, mais je veux qu'il gonfle progressivement, non ? Encore une fois, un peu comme avec les autres éléments, je ne veux pas que ça soit là tout de suite, je veux que ça arrive graduellement, donc on va utiliser la méthode rise de ce LFO, qui fait basiquement un fade-in du LFO lui-même, et donc ce qu'on va faire c'est régler le niveau de l'oscillateur B là. Au max là. Maintenant :
Et si j'augmente le rise, tu te dirais ok ça va commencer doucement, puis ça va devenir fort, mais non. Ça m'a embrouillé au début. Tu vois, en fait ça commence ici en haut. Pourquoi ? Eh bien parce que Rise fait attention à l'endroit où cette forme d'onde du LFO commence, et elle commence en haut, donc ça veut dire que ça va commencer ici en haut et ça va monter comme ça.
Ok ça va rester ici en haut puis ça va augmenter progressivement la plage jusqu'à utiliser le tout. Donc ce qu'on veut faire, il y a plusieurs choses possibles ici mais j'aime cette solution. Ce que j'aime particulièrement dans ça, c'est que ça donne presque l'impression que le LFO a plusieurs fade-ins. Tu vois ? Tu as le fade-in initial du LFO et tu obtiens un autre fade-in quand le cutoff remonte. Ça monte puis le cutoff augmente puis ça s'effondre, augmente encore mais sans la table d'ondes, donc ça rend celui-ci plus audible.
Bon donc il y a presque trois étapes différentes de cet oscillateur B grâce au cutoff, aux mouvements de la table d'ondes et au rise du LFO. Bon, faisons encore une chose. Mettons un chorus là-dessus pour coller un peu les choses ensemble. Sympa. Et ensuite faisons une reverb et je veux que ce soit assez chargé. Je veux faire une autre chose intéressante ici : Je veux moduler le mix de la reverb. J'adore faire ça. Ça fait vraiment un truc… c'est une chose étrange que ça fait à la perspective.
On prend disons le LFO 2, on le met bidirectionnel et encore une fois on ne va pas se caler sur le tempo, on va aller assez vite. Écoute ce que ça fait, j'adore. C'est comme cette panoramique dimensionnelle qui, tu sais, est un peu extraterrestre. J'adore vraiment le son de ça, mais encore une fois, je ne veux pas ça tout le temps, je veux plutôt que ça fasse un fade-in et un fade-out. Et je pourrais utiliser rise, non ? Mais ça ne ferait qu'un fade-in puis ça resterait, je veux un fade-in puis un fade-out.
C'est là qu'on peut utiliser notre source auxiliaire. Donc en gros, voilà notre modulation du LFO2 vers le wet de la reverb. Je peux mettre la source auxiliaire sur l'enveloppe 2. Maintenant rappelle-toi, l'enveloppe 2 est graduelle sur neuf secondes. C'est ce qui module notre table d'ondes. Donc maintenant, cette modulation de reverb du mix va faire un fade-in avec cette enveloppe puis un fade-out. Écoute. La voilà qui arrive
Ça, c'est un evolving pad ! Encore une fois, je ne te dis pas quoi faire ici, je te donne juste des exemples. Ce sur quoi tu veux te concentrer, ce sont les couches et la modulation.
Ah, l'insaisissable pente du filtre : le yéti de la synthèse. Certains l'ont vue, la plupart ne la comprennent pas vraiment, mais personne ne peut nier son existence.
Ici, j'explique comment ça fonctionne et comment l'utiliser (à ce stade, l'analogie avec le yéti est terminée).
OU PAS ?
TRANSCRIPTION VIDÉO
La pente du filtre. Je pense que c'est un truc que beaucoup d'utilisateurs de synthés ne comprennent pas vraiment. Et même quand on la comprend, on ne sait pas trop comment l'utiliser, à quoi elle sert. Donc je vais t'expliquer ce que c'est, mais surtout, je vais te montrer un patch où c'est vraiment flagrant. Et justement, parce que c'est si flagrant, ça veut dire qu'il est vraiment important de choisir la bonne pente.
Alors d'abord, c'est quoi la pente ? Jetons un œil à notre filtre ici. Je vais baisser la résonance un instant. Donc comme tu sais, un passe-bas comme celui-ci te permet de couper les aigus de ton son. Quand j'ai mon cutoff à fond, il ne fait rien. Brillance totale. Et puis quand je le baisse, ça commence à couper les aigus de notre son, ce qui rend notre son plus rond. Notre cutoff est à peu près ici.
Maintenant, beaucoup de gens pensent que, tu vois, peu importe où est ton cutoff, tout ce qui est au-dessus est simplement coupé net. Mais en réalité, c'est plutôt une coupure progressive, comme tu peux le voir ici. Donc notre cutoff est ici et ensuite ça commence juste à retirer progressivement des aigus. Notre pente détermine à quel point c'est abrupt. Donc là c'est un passe-bas 12 dB, si je l'augmente à 18, ça devient plus abrupt. Regarde cette ligne augmenter. Je l'augmente à 24. Donc comme tu peux t'en douter, plus la pente est abrupte, plus le son devient rond, non ?
Parce qu'on coupe plus d'aigus, une pente plus abrupte retire plus d'aigus. Donc tu pourrais te dire, et je pense que beaucoup de gens se disent, bah, pourquoi pas simplement, tu vois, si tu veux retirer plus d'aigus, plutôt que de changer la pente, pourquoi tu baisses pas juste le cutoff. Et tu as en partie raison. Cependant, dans certains cas ça compte vraiment. Ça compte que tu changes les aigus en utilisant la pente plutôt que le cutoff. Et ce patch juste là est un excellent exemple.
Ce n'est pas ton tuto de synthé ordinaire. C'est Syntorial. Programmer des synthés devient facile, avec un entraînement façon jeu vidéo qui t'apprend à programmer des patchs de synthé à l'oreille. Chaque leçon commence par une démonstration. Puis un challenge interactif, avec plus de 200 leçons. Une fois le programme terminé, tu seras capable de créer les sons que tu entends en utilisant presque n'importe quel synthétiseur. Essaie Syntorial, plusieurs fois primé, dès aujourd'hui.
Donc avec ce patch. Tu vois c'est une enveloppe qui module le cutoff de notre filtre, ça fait juste un son "EEUNG" avec une tonne de résonance, qui montre vraiment ce cutoff. Et voilà ce que j'avais fait. C'était une demande de patch sur notre forum. Et quelqu'un avait mis un patch qui sonnait comme ça. Et le mien sonnait comme ça. C'est vraiment proche, mais la grande différence c'est que, comme tu le remarques, le patch caché est plus brillant.
Il y a tout ce grésillement dans les aigus. Le mien est. Donc je me dis, bon, si le caché est plus brillant et le mien plus sombre, je devrais juste augmenter la quantité de l'enveloppe de filtre non ? Pour qu'il parte plus haut. J'obtiens plus d'aigus là-dedans. Donc, c'est ce que j'ai essayé. J'ai essayé d'augmenter ça. Pour que, tu vois, mon filtre parte d'un point plus brillant. OK. Donc c'était plus brillant.
Comparons ça. Maintenant, j'ai obtenu la brillance, mais c'est différent. Et plus important encore, ce son EEUNG ? Tu vois ? Cette enveloppe, ce mouvement, cutoff, résonance, cette forme qu'elle génère, c'est différent maintenant, le mien part plus haut que le caché. Il y a plus de ça en haut, alors que le leur c'est plutôt. Donc ça perd ce caractère vraiment important. Donc je savais que ce n'était pas correct.
Et j'ai rabaissé ça. Mais j'avais toujours ce problème. L'autre patch est plus brillant. Donc comment je peux rendre ça plus brillant, sans toucher à mon cutoff ? Et c'est là que ça m'a frappé, la pente. Je peux baisser ma pente pour faire une chute plus douce ici. Et ça ne changera pas du tout mon cutoff ni ma résonance. Ça ajoutera juste des aigus par-dessus. Alors voyons voir. Essayons de descendre à 18. C'est mieux. 12. Voilà. Écoutons le caché. Voilà.
Donc tu vois cette forme. Cette forme d'enveloppe de cutoff et résonance vraiment importante, elle reste exactement la même, peu importe ma pente. Mais ma pente me permet d'ajouter ou de retirer de la brillance par-dessus. Trop brillant. Bon, j'espère que ça aide à clarifier un peu ce que fait la pente du filtre et pourquoi tu voudrais l'utiliser.
T'es-tu déjà dit « Ce serait génial d'avoir une vidéo de 8 minutes qui me montre comment synthétiser un rythme avec kick, snare et hi-hat à partir de zéro »?
Eh bien, c'est ton jour de chance ! En plus, c'est une pensée très spécifique que tu as eue là. Bizarre.
Si l'envie te prend de créer et partager ta nouvelle piste de percussions, rejoins-nous sur le forum.
TRANSCRIPTION VIDÉO
Les percussions. On a donc un kick, une snare et un hi-hat, tous synthétisés ici avec Primer. Mais tu peux vraiment utiliser n'importe quel synthé.
On va commencer par notre kick. Ça sonne comme ça. Maintenant, je vais tout réinitialiser pour qu'on puisse le créer à partir de zéro. Voici ce que ça donne avec juste une dent de scie simple. C'est une note vraiment très grave, do-1. En fait, c'est la note que je joue. On va passer à une onde sinusoïdale.
Là, tu ne vas vraiment pas pouvoir l'entendre du tout. À peine. Pour obtenir ce son de kick, ce qu'on fait c'est qu'on commence avec une hauteur très élevée et on la fait descendre très rapidement avec une mod envelope ou, dans ce cas, une enveloppe de pitch. Donc je vais augmenter au maximum. Et avec un decay vraiment long, voici ce qu'on obtient.
Je joue des notes assez courtes, alors voici ce que ça donne si je maintiens la touche enfoncée. Maintenant, quand on fait ça très rapidement, je vais régler à environ quatre ou cinq millisecondes, cette chute de hauteur commence à sonner de façon percussive. Pour une raison quelconque, cette chute rapide de hauteur donne un son percussif. C'est essentiellement notre kick de base.
Maintenant je vais ajouter un peu de distorsion. Pour lui donner plus de corps. Là, si je maintiens la touche enfoncée, tu obtiens cette note à la fin. On ne veut pas ça. Donc on va prendre l'enveloppe et la rendre vraiment courte. Comme ça, on peut l'ajuster avec le release. Maintenant, on avait ce petit « T » au début de notre son, on peut s'en débarrasser si on ne le veut pas en augmentant un peu notre attaque. Mais tu voudras peut-être le garder.
Bon, j'utilise l'onde sinusoïdale, mais tu peux utiliser d'autres formes d'ondes si tu veux un son un peu plus ouvert, plus brillant. Par exemple, voici ce que donne une onde impulsionnelle, on va la filtrer. Presque un peu mou, mais c'est juste une tonalité différente. Dents de scie, essaye le triangle. Mais la sinusoïde te donnera le son le plus propre. Voilà pour notre kick.
Maintenant, passons à notre hi-hat. C'est une combinaison de bruit blanc et d'une onde impulsionnelle moyenne vraiment très aiguë. Donc je vais réinitialiser ça. Voici ce qu'on a. Je joue une note vraiment très aiguë, do7. Et on va commencer par passer à une onde impulsionnelle moyenne. Pas une énorme différence, mais c'est un peu plus... un peu plus une ambiance métallique. Ce qu'on obtient de cet oscillateur, c'est un peu comme la tonalité métallique que tu as quand tu frappes un vrai hi-hat, parce qu'ils sont faits en métal.
Ensuite, on doit raccourcir considérablement. Ça nous donne un peu de cette attaque métallique et ensuite on peut la passer au passe-haut. On retire autant de basses que possible. On est juste en haut dans cette toute petite zone aiguë. Et ensuite on augmente notre bruit. Je désactive l'oscillateur. Il n'y a que le bruit. Tu vois comment ils se combinent pour créer cette sorte de tonalité métallique et le vrai shh-shh qu'on veut vraiment dans le hi-hat.
Maintenant, j'aime bien baisser ça un peu pour que cette petite hauteur métallique ne soit pas aussi perceptible. Pour faire ça dans Primer, je vais désactiver l'oscillateur deux et commencer à tourner le mix loin de l'oscillateur un. Donc c'est tout bruit blanc. C'est à toi de voir. Combien de ce côté métallique veux-tu là-dedans ? Moi j'aime que ce soit assez subtil.
Un dernier détail que je veux mentionner à propos des hi-hats, c'est le volume. Là c'est très rigide. Chaque hi-hat est au même volume. Mais c'est plus courant d'avoir le volume qui varie pour que certaines notes soient plus fortes que d'autres. Ça crée du rebond dans notre feeling.
On peut faire ça en routant notre vélocité vers le volume. On va mettre au maximum. Et maintenant, quand j'ai enregistré ce hi-hat, j'ai frappé certaines notes plus fort que d'autres. Voici ce que ça donne. Il y a un peu plus de rebond. Comparé à quand il n'y en a pas. Tout fort maintenant. C'est subtil, mais tu peux vraiment le sentir. Et c'est un aspect important du hi-hat.
Maintenant, la snare. La snare se compose en fait de deux sons différents. Tu as le fût un peu comme un kick, et ensuite tu as le timbre. Tu combines ces deux pour créer nos snares. Commençons par le fût. Tout seul, ça sonne comme ça. Et pour faire ça, j'ai littéralement juste pris notre kick, qui est celui-ci, et je l'ai juste joué à une hauteur plus élevée.
Donc si le kick que je jouais était en do-1, maintenant je joue exactement le même preset en do0. Et ensuite je baisse un peu le decay pour le raccourcir. Voilà. C'est la partie fût de notre snare. Presque identique au kick. Maintenant je vais ajouter le timbre.
La snare et ça. C'est juste du bruit blanc qui a été passé au passe-bande. Donc si je réinitialise d'abord, je vais désactiver notre dent de scie, monter notre bruit blanc jusqu'à environ là. Et ensuite on veut le façonner. Peut-être un peu plus long. Et puis... Et j'aime bien un peu de distorsion là-dedans aussi, juste pour le rendre plus agressif. Maintenant je ramène le fût. Les voilà ensemble. Voici juste le fût. Maintenant, le timbre. Maintenant, tout le kick. Les percussions !
Look at me! I’m posting about #PatchFriday on the blog!
Cette semaine, c'est 100 % modulation de fréquence et le plaisir débridé de faire gronder un synthé. C'est marrant parce que les synthés ne grondent pas ! Tu penses aux lions, erreur classique.
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TRANSCRIPTION VIDÉO
Growl avec Operator. Il y a mille façons de faire ça. Elles sonnent toutes différemment à cause des formes d'ondes utilisées, des distorsions différentes, tu vois, peu importe. Y'a plein de manières de procéder, donc voici juste une approche. Je vais déconstruire tout ça, tout désactiver.
J'ai commencé avec une onde carrée. On veut quelque chose de brillant comme ça, et j'ai ajusté le niveau jusqu'à zéro et j'ai baissé le volume principal. J'aime bien avoir ça à zéro ; ça m'aide, tu vois, à mieux comprendre comment ils interagissent parce que tout est une question de niveaux des différents opérateurs.
Et j'ai monté la hauteur de deux parce que ça nous permet de placer un opérateur une octave en dessous, puis encore un autre opérateur une octave plus bas. Pourquoi ? Eh bien, parce que c'est de là que vient notre growl. Donc si j'ajoute ce deuxième opérateur, je le règle sur saw 64, j'aimais bien comment ces deux-là interagissaient.
Encore une fois, tu peux expérimenter avec les formes d'ondes que tu veux. Celui-ci est une octave en dessous. On commence à obtenir du growl. Écoutons ça. Maintenant, on va recommencer avec ce troisième opérateur encore une octave plus bas. Celui-là est carré. Là, ça gronde vraiment. Donc ça, c'est notre son de base.
Maintenant on veut le sculpter et lui faire des trucs. Filtre. Donc, c'est ça qui nous donne ce wow, non ? On règle un cutoff vraiment bas et notre enveloppe a une attaque assez rapide, la partie wah et ensuite un decay lent, un wow, comme ça. Enveloppe ici ; je l'ai réglée presque à mi-chemin. Cependant, une raison pour laquelle j'aime cet OSR, c'est qu'il nous donne un filter drive. Sans ça, d'accord, ça gronde toujours, mais ça le pousse vraiment, ça le sature, ça sonne bien. On cherche à obtenir de l'agressivité partout où on peut.
Donc, on a du growl venant d'ici, on a de la saturation distordue du filter drive. Maintenant, ajoutons notre mouvement de hauteur. C'est assez simple ; tu peux partir sur une hauteur descendante ou montante. J'ai opté pour une hauteur descendante et j'ai poussé ça jusqu'à environ 46 %, puis j'ai juste allongé le decay, donc on obtient un peu un... Bon, donc on a un son de base, mais c'est pas assez sale, donc on ajoute la vinyl distortion.
J'aime bien ça parce que ça te permet de placer dans le spectre de fréquences là où tu veux cette distorsion. J'aime bien juste là. Je veux dire, tu peux le faire n'importe où. Moi j'aime bien là, et je l'ai aussi élargie. C'était comme ça. Le drive est à fond, et faut garder en tête que leur volume ici compte vraiment ; plus le niveau qui entre dedans est élevé, plus tu auras de distorsion, donc tu veux pas trop peu ni trop.
Baisse-le si tu veux vraiment le rendre sale, mais moi j'aime bien par là. Et ensuite, ambiance, et j'ai juste utilisé leur preset appelé ambience pour ça, ajusté le dry/wet.
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