Phantoms Can't Hang

In this synth tutorial, watch Joe Hanley, the creator of Syntorial, as he recreates the synth lead from “Phantoms Can’t Hang”. Video includes valuable info on layering synth patches, and using sound design to build a track. Don’t forget to télécharger les presets et les fichiers MIDI. Plugins et logiciels utilisés :

TRANSCRIPTION VIDÉO

Très bien, aujourd'hui on va décortiquer le lead de Phantoms Can't Hang de Deadmau5. C'est un lead intéressant parce qu'il traverse presque tout le morceau, mais il évolue — il passe en fait par quatre stades différents. Les notes restent les mêmes, mais le son lui-même change par couches, c'est vraiment fascinant.

Avant de commencer, je veux te parler rapidement de Syntorial. Syntorial est un logiciel d'apprentissage façon jeu vidéo qui t'apprend à programmer des patchs de synthé à l'oreille. Je l'ai conçu spécifiquement pour te donner la capacité de faire ce que je fais dans cette vidéo : prendre un son que tu entends dans ta tête ou sur un autre morceau, et le recréer.

Il fait ça en combinant des démonstrations vidéo avec des challenges interactifs, dans lesquels tu programmes plus de 700 patchs sur un synthé intégré. Et tu peux l'essayer gratuitement — les 22 premières leçons avec notre démo gratuite — clique simplement sur le lien qui s'affiche à l'écran maintenant.

Bon, Phantoms Can't Hang. Comme je l'ai dit, le lead passe par quatre stades différents. On va commencer ici. Ça commence avec ce son. Il se répète un moment, puis il est remplacé par une version plus agressive. Ça se répète encore, puis ils ajoutent une couche une octave au-dessus. Et ensuite ils font entrer le lead trance.

On va donc commencer par ce premier lead ici. Celui-là. Maintenant. On va utiliser Synth 1 pour ça. Synth 1 est un synthé gratuit que tu peux télécharger via le lien qui s'affiche à l'écran maintenant. Il est disponible en VST pour Mac et PC, et ils viennent de sortir une version audio unit pour les utilisateurs de Logic. Donc clique simplement sur le lien à l'écran et tu peux le télécharger là.

Et notre première étape, c'est de l'initialiser. J'ai créé ce patch initialisé. Et tu peux télécharger ce patch maintenant, avec tous les autres patchs et les fichiers MIDI, via le lien qui s'affiche à l'écran. Il va t'amener vers une page avec cette vidéo et le lien de téléchargement. Et quand tu y seras, tu peux t'inscrire à notre newsletter et on t'enverra vers une nouvelle page qui contient ce tutoriel, ainsi qu'un tas d'autres tutoriels vidéo, des trucs interactifs, toutes sortes de cadeaux synthé. Donc inscris-toi à la newsletter pendant que tu y es.

Donc on a notre son initialisé. Il est un peu fort, je vais le baisser pour l'instant. Et tu entends probablement de la reverb. J'ai une reverb configurée en effet send ici. Comme ça je peux prendre tous ces leads et les envoyer vers cette reverb. Je vais la couper maintenant. Je reviendrai sur cette reverb dans un instant. Donc voilà notre vrai son brut.

Première chose : on veut une forme d'onde différente. On veut bien une onde impulsionnelle, mais on la veut en largeur carrée complète. Ensuite, ce son commence brillant quand tu joues une note et devient sourd à la fin de la note. On va donc utiliser une enveloppe de filtre pour ça.

D'abord, on règle notre cutoff sur le point le plus sourd, la fin de la note, qui est… environ… là. Mais on veut qu'elle commence brillante. Donc on utilise l'intensité de l'enveloppe de filtre. C'est ça qui détermine le début de notre son, le point le plus brillant. Et notre sustain — si on le met à zéro, l'enveloppe de filtre nous ramènera jusqu'au cutoff. Sustain à zéro, c'est notre cutoff.

Donc maintenant, si on met ça à zéro, notre son commence à cette intensité d'enveloppe de filtre et descend jusqu'à notre cutoff comme ça. Et on veut que cette descente soit plus rapide, parce qu'on veut vraiment un beau pluck bien vif. Donc on va accélérer le decay. Et voilà, on a créé ce transient de pluck. Je vais juste monter le volume parce que baisser le cutoff rend le son pas mal plus faible. Allons vers… là. Voilà.

Maintenant, un truc intéressant avec le patch réel sur le morceau de Deadmau5, c'est les notes aiguës. Celles-ci, en haut, sont plus brillantes que les notes graves. Or par défaut, un passe-bas fait l'inverse : il rend les notes graves plus brillantes et les notes aiguës plus sourdes. Et on peut utiliser le key tracking pour inverser cet effet. Mais dans ce cas, non seulement on va l'inverser pour équilibrer, mais on va aller encore plus loin et rendre les notes aiguës plus brillantes, les notes graves plus sourdes. Donc je vais pousser le key tracking à fond. Et maintenant notre note la plus haute sera plus brillante que notre note la plus basse.

Malheureusement, ça a rendu tout plus brillant. Ça a rendu nos notes aiguës plus brillantes que nos notes graves, mais ça a éclairci tout y compris nos notes graves. Donc on doit compenser ça en baissant la fréquence, en baissant le cutoff. Maintenant on a ce qu'on cherche. Avant on avait ça. Les notes graves sonnent super, mais les notes aiguës ne sont pas assez brillantes. On monte ça, on baisse ça. Et voilà. Seules ces notes aiguës sont devenues plus brillantes.

Ensuite, on va ajouter un peu de résonance pour lui donner un peu de piqué. Tirer ce son vers l'avant, le pousser un peu. Ajouter un peu de résonance, c'est un excellent moyen de dé-aplatir un son. De le rendre plus présent, de le ramener vers l'avant du mix.

Puis on veut juste couper la note un peu plus court, elle sonne un peu trop longtemps. Donc on va baisser notre sustain d'amplitude à fond. Là, c'est trop. Donc je vais rallonger le decay. Voilà. Avant c'était ça. Maintenant c'est ça. On a juste coupé un peu la fin. C'est un patch mono. Et ensuite on veut l'élargir. Donc on active l'unisson et on monte le spread à fond.

Maintenant, comme dans le morceau de Deadmau5, le son se déplace un peu de gauche à droite très subtilement, et on a ça avec le spread en unisson. Mais ça bouge un peu trop vite. Ça sonne un peu maniaque. Donc on va ralentir ça en réduisant l'intensité du détune. Parfait.

Maintenant, on veut ramener cette reverb. Donc je vais augmenter ce send. Je vais forcer le trait pour que tu entendes vraiment la reverb un instant. La reverb que j'utilise s'appelle ambience. C'est un autre plugin gratuit, et je vais le supprimer puis en ramener un nouveau pour pouvoir le concevoir de zéro. Et tout ce que j'ai fait, c'est un petit changement. La voilà par défaut. Elle est trop courte. Donc j'augmente juste le temps. Ensuite, on ne la veut pas trop wet. Voilà. Donc c'est une longue reverb, mais elle n'est pas vraiment, vraiment wet. Elle est juste au loin. Notre son doit rester bien dry au premier plan avec cette sorte de longue traînée de reverb en arrière-plan.

Ensuite, on a le lead un peu plus agressif. On y reviendra. Et initialisons-le. Voilà notre son brut. Je le monte un peu pour l'instant. Et pour celui-ci aussi on va utiliser une onde impulsionnelle, mais on ne va pas aller en carrée complète. Là aussi, on veut avoir des notes brillantes dans l'aigu, des notes sourdes dans le grave.

Donc on va pousser le key tracking d'avance. Et on veut aussi que ça commence brillant, avec une enveloppe de filtre, et devienne plus sourd. Mais on veut que ça devienne tellement sourd qu'on ne l'entende même plus. Donc on va utiliser l'enveloppe de filtre un peu comme une enveloppe d'amplitude aussi, on va l'utiliser pour couper le son. Donc on va commencer à environ… cette brillance. Et si tu veux descendre jusqu'au cutoff, il faut mettre le sustain à zéro.
Voilà. Et au fait, on a aussi de la reverb là-dessus, tu peux l'entendre en arrière-plan. On a de la reverb sur tous ces leads. Et c'est la même reverb qu'on utilise pour les quatre leads.

Ensuite, on veut que ce soit un peu plus long, lui donner un peu plus de corps. C'est subtil. Mais c'est là. On met le release au même niveau que le decay. Ça lui donne juste un peu plus de longueur. Maintenant, ça ne ressemble à rien pour l'instant. Donc on va utiliser la saturation du filtre, qui est en gros comme un overdrive. Si tu pousses ce filtre assez fort, il commence à saturer, à le distordre de façon chaleureuse. Écoute. C'est là qu'on obtient notre distorsion.

Bon, il utilise peut-être un vrai plugin de distorsion ou d'overdrive, mais quand tu peux saturer le filtre directement dans le synthé, c'est bien — c'est généralement un bel effet d'overdrive chaleureux.

Encore une fois, on a un patch mono ici, juste une note à la fois. Et on va utiliser l'unisson comme la dernière fois pour l'élargir. Donc unisson, on reste avec deux voix, on monte le spread à fond. Ensuite, on va augmenter notre détune juste pour l'épaissir un peu. En général, plus tu désaccordes un patch, plus tu obtiens un effet épais. On n'a pas besoin de beaucoup plus.

On ne veut pas en faire trop. Mais je vais l'augmenter juste un peu. C'est subtil, mais ça lui donne un peu plus d'action, un peu de pulsation, un peu d'épaisseur. Ensuite, je vais baisser le volume. En fait, je vais le monter. Voilà. On a déjà la reverb dessus.

Maintenant, la dernière différence, c'est que le patch dans le morceau a un peu plus de punch, il a un peu plus de… sorte de bas-médiums. Donc je vais insérer un EQ, et tu peux utiliser n'importe quel EQ pour ça. Et je vais booster 450. Écoute la différence avec et sans. Avec. Sans. Ça lui donne juste un peu plus de ooh ooh.

Ensuite, je vais couper le tout bas du spectre. Ça peut parfois resserrer ton son, et c'est excellent pour le mixage. Si tu enlèves ces basses que tu n'as pas besoin, ça dégage un peu le mix. Donc on va en faire un shelf. On va le mettre tout en bas. Et voilà. Et puis on augmente ce potard pour qu'on coupe juste, assez abruptement comme tu vois. Mais on doit juste enlever ce morceau du bas.

Mais on ne veut pas affecter cette bosse qu'on a ajoutée ici. Donc on lui donne du punch et on le resserre un peu en même temps. Et voilà ce son.

Maintenant, le son suivant est en fait le même son, mais une octave plus haut. Donc tout ce que je vais faire, c'est copier ce synthé. Le déplacer là. Ce MIDI ici est le même que celui-ci, mais une octave plus haut. Donc ce qu'on obtient, c'est ça. Et quand tu mets les deux ensemble. Maintenant, il y a quelques différences.

Pour celui-ci qui est plus haut, on veut réduire le volume, on ne veut pas qu'il soit aussi fort. Il doit être la couche, pas le son principal. Celui du bas, c'est notre son principal. Bien. On veut qu'il sonne un peu plus longtemps que celui du bas. C'est une super astuce : si tu veux qu'un son plus faible soit mieux entendu sans le monter, tu augmentes juste sa traînée. Tu augmentes sa longueur, et il sonnera juste un peu plus longtemps que l'autre.

Donc je vais augmenter le decay et le release du filtre juste un peu. Maintenant il est toujours plus faible, mais on l'entend beaucoup mieux juste en lui donnant une traînée plus longue. Ensuite, on va aussi l'égaliser. Parce que là, quand il entre, non seulement tu entends cet aigu, mais ça change le patch du bas, écoute. C'est plus dur d'entendre ce patch du bas tout seul, ils se sont un peu mélangés.

Maintenant, si c'est ce que tu cherchais, ce serait parfait. Mais ce n'est pas ce qu'on cherche. On veut que celui du haut soit plus petit et séparé. Donc je vais couper un gros morceau du bas du spectre avec un shelf, le baisser, et aller jusqu'à… environ… ici. Et je le fixe. C'est assez raide. Et maintenant, sans le lead aigu. Quand je le fais entrer, ça ne va pas changer le patch du bas. Ça le garde plus séparé. Sans EQ. Écoute ce qui arrive au patch du bas quand je coupe l'EQ. Le voilà activé. Tu vois comment ça change le caractère ? Donc dans ce cas, on utilise l'EQ pour séparer ces deux patchs afin qu'ils sonnent plus distinctement différents l'un de l'autre.

Et enfin, on fait entrer notre lead trance. Celui-ci va aussi avoir un EQ, on va le supprimer pour l'instant. Synth one, initialiser. Montons-le un peu. Celui-ci va être en dents de scie. Ensuite, pour obtenir ce beau son épais et désaccordé, on utilise notre détune ici, et ça va doubler cet oscillateur et le désaccorder. Beau, épais et large.

Mais on veut que la traînée, quand on relâche la touche, soit plus courte. On veut que ce soit un peu plus abrupt. Donc on va baisser le release d'amplitude. Et je veux faire ressortir ce grésillement du haut un peu plus. Puisque notre cutoff est déjà en haut, la résonance, on va faire ça. Je veux baisser légèrement ce grésillement pour qu'il soit un peu moins comme du bruit blanc, un peu plus tranchant. Ensuite, on va ajouter de cette saturation, ce filter drive, pour lui donner un peu plus d'agressivité. C'est un patch mono. Puis on va utiliser l'unisson non seulement pour l'élargir, mais pour l'épaissir un peu. Donc on va l'activer et passer à trois voix. Et ajouter un peu d'épaisseur en montant le détune.

C'est un peu la couche d'arrière-plan, donc on va baisser le volume. La reverb est dessus, écoutons le tout ensemble. Maintenant, je vais couper celui du haut pour qu'on entende juste le lead principal et ce lead trance. Quand le lead trance est ajouté, on perd un peu du corps du lead principal, écoute. Soudain, ce lead principal, tu entends juste plus son côté coupé, son attaque. Le côté… tranchant. Mais tu n'entends pas ce ooh, ce corps. Donc ça veut dire que quelque chose de ce lead trance masque le lead principal.

Maintenant, si tu te souviens, avec ce lead principal on a boosté 450. Donc on va aller dans le trance et on va couper 450. On va enlever ça, ce morceau de corps de ce lead trance, et ça nous permettra d'entendre le corps du lead principal beaucoup mieux. Donc c'était 450. Et on va le couper. Quand tu coupes, tu veux toujours rétrécir un peu.

Donc écoute le lead principal, pas le lead trance, quand j'active et désactive cet EQ. Activé. C'est subtil, mais ce lead principal devient soudain un peu plus mince, un peu plus léger. Il perd du corps quand cet EQ est désactivé. Donc encore une fois, on utilise l'EQ pour séparer les deux sons.

Dans ce cas, ces trois couches doivent être distinctement séparées. Donc on utilise l'EQ pour couper différents aspects de chacune afin qu'elles jouent bien ensemble. C'est en gros une technique de mixage qu'on utilise dans le cadre du design sonore. Et voilà. Merci d'avoir regardé.