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Tutorial de sintetizador: « Gun » de CHVRCHES

por

En este tutorial de sinte, Joe Hanley, el creador de Syntorial, te guiará paso a paso mientras reconstruye la introducción de "Gun" de Chvrches. Joe usará principalmente plugins gratuitos y donationware, enfocándose en emulaciones de sintetizadores de hardware clásicos. No olvides descargar los presets y archivos MIDI. Plugins utilizados:

TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO

Hola a todos, hoy voy a mostrarte cómo recrear estos patches de sinte de la introducción de "Gun" de Chvrches. Estaré haciendo estos videos regularmente sobre diferentes sonidos, canciones, técnicas y cosas por el estilo. Y acepto solicitudes. Así que si hay algo que quieras aprender, solo haz clic en el enlace en la parte superior de este video, te llevará a la página de tutoriales del sitio web de Syntorial. Y en el lado derecho hay un foro donde puedes enviar una solicitud de tutorial. Escríbelo, envíalo y puede que lo cubra en un video futuro.

En esta página verás este video junto con muchos otros, échalles un vistazo mientras estás ahí y debajo de cada video hay un enlace de descarga donde puedes obtener los presets y archivos MIDI del video. Y si quieres que te notifiquen cuando salga un nuevo video, solo desplázate hasta el final de la página y suscríbete a nuestro boletín.

Por último, mientras estás ahí, prueba la demo gratuita de Syntorial, que incluye 22 lecciones gratuitas de sinte. Syntorial es un software de entrenamiento en sintetizadores que te enseña a programar sintes y diseñar sonido, todo de oído usando videos y retos interactivos. Así que pruébalo.

Así que para este video, vamos a usar principalmente donationware y plugins gratuitos. Todos excepto uno, y cada vez que abra un nuevo plugin aparecerá un enlace en la parte superior del video para que puedas conseguirlo. Ahora escuchemos los patches terminados antes de empezar a construirlos desde cero. Empezando con el bajo, vamos a usar Moog.

Los chicos de Chvrches usan sintetizadores de hardware vintage como Moogs, Juno 106, Prophet. Así que decidí usar emuladores de esos sintes. Empiezo con el Moog y este es el único plugin de sinte que estoy usando que no es gratuito. Está hecho por Arturia. Sin embargo, hay uno gratuito para usuarios de Windows y puedes verlo, Mini Moog VA, y ese es el enlace en la parte superior del video. Para usuarios de Mac, en realidad es un patch bastante simple, así que puedes usar cualquier sinte para seguirlo.

Empezando con el Moog, lo vamos a resetear para que sea solo una simple onda de diente de sierra. Queremos usar una onda de pulso de ancho medio. Y la vamos a bajar dos octavas. Bien. Y luego vamos a activar el segundo oscilador. Este va a estar una octava por encima del primero. También va a ser una onda de pulso de ancho medio.

Y lo vamos a subir solo un poco, solo va a agregar un poco de agudos. Y luego lo vamos a desafinar un poco hacia abajo y esto va a agregar solo un toque de movimiento, un poco de grosor al sonido. Es bastante sutil. Solo añade un poco de grosor al sonido pero mantiene ese bonito sonido sólido de oscilador único también.

A continuación, recuerda bajar nuestro cutoff para obtener un tono un poco más redondo. Por ahí. Y luego queremos usar la envolvente de filtro para darle un attack. Queremos que el sonido empiece brillante e inmediatamente baje a este bonito punto redondo. Así que subimos nuestro contour para determinar ese punto de inicio brillante. No es mucho más brillante. Solo un poco, va a ser otro efecto sutil.

Ahora, la forma en que funcionan las envolventes es que empiezan en este contour y bajan hasta el nivel de sustain. Un nivel de sustain de cero es lo mismo que tu frecuencia de cutoff y eso es lo que queremos. Queremos empezar desde este brillo que nos dio nuestra perilla de contour y bajar hasta la frecuencia de cutoff. Así que bajamos nuestro sustain completamente y así es como suena. Ahora estas son notas cortas, así que no se está moviendo de contour a cutoff lo suficientemente rápido. Así que vamos a bajar nuestro tiempo de decaimiento para hacer que eso suceda más rápido. Así que sin contour. Así le da una bonita forma al sonido.

Y por último, no queremos que la nota se corte tan abruptamente cuando soltamos la tecla. Definitivamente se corta rápido, pero cuando es tan abrupto, suena algo antinatural. Así que lo vamos a aumentar solo un poco. Ahora en el Moog, la etapa de decaimiento de tu envolvente de amplitud también determina tu etapa de release. Así que solo subimos el tiempo de decaimiento. Es un poco más sutil. Pero le da un sonido más natural. También engrosa un poco el sonido, porque cuando lo cortas, solo tienes esa nota corta y distinta.

Cuando tienes un poco de cola, simplemente da la impresión de más sonido. Es un pequeño truco agradable. Así que ese es tu sonido básico de sinte. Es un patch de bajo realmente simple y típico, pero es algo débil. Así que vamos a agregar algo de overdrive. Algo de distorsión de tubo.

Así que vamos al plugin TAL aquí, tomamos el efecto TAL tube. Por defecto, no escuchas mucho. Así que lo que queremos hacer es aumentar el input, queremos enviar más de nuestra señal, más de nuestro sinte a esta cosa. Así que estamos forzando los tubos más, obteniendo más de esa rica calidez de ellos.

Y luego la distorsión en sí, queremos que sea lo más sucia posible, así que subimos el drive al máximo. Y eso nos dio un buen aumento en volumen, así que bajaremos el output un poco. Y luego esto te da la opción de una distorsión dura, puedes hacerla más agresiva y puntiaguda. Así que la activamos. Engordamos el sinte un poco, lo hicimos algo agresivo. Ahora queremos hacerlo aún más gordo.

Así que vamos a traer un compresor y no voy a usar un compresor típico con, ya sabes, attack, release, threshold, ratio y todo eso. Porque todo lo que realmente quiero es solo un buen grosor de él. Solo quiero cambiar el sonido de ello. Y me encanta el plugin Camel Crusher para eso. Este también tiene distorsión, filtro y todo eso. Solo queremos el compresor.

Así que apago la distorsión. Y por defecto el compresor está encendido, está subido bastante alto y el modo fat está activado, que es lo que queremos. Así que está apagado. Encendido. Modo fat apagado. Encendido. Así que lo aplasta, lo embarra y lo engrosa. Aunque lo vamos a bajar un poco. Así que tenemos un bajo gordo y agresivo y solo queremos agregar un poco de graves.

Así que solo voy a traer el EQ de Ableton. Puedes usar cualquier EQ para esto. Es bastante simple. Solo queremos un shelf, queremos una frecuencia de 155, y subiré el gain. Así que tiene esos buenos graves, solo asegúrate de usar un shelf porque por defecto usa una especie de pico pero un shelf realmente levantará todos los graves. Y ese es tu patch de bajo. Lo voy a bajar un poco para que cuando traigamos los agudos o el lead no lo sobrepase.

A continuación, el lead. Para esto, vamos a usar otro plugin TAL. Los plugins TAL son geniales y casi todos son donationware. Así que puedes descargarlos gratis, pero si te gustan recomiendo, ya sabes, donar al tipo porque hace un trabajo increíble con estos plugins o comprar uno de sus plugins premium.

Veamos, así que este es una emulación o está inspirado en el Juno 60. Y el Juno 106, que es un sinte diferente, usado por los chicos de Chvrches, y elegí este sinte que es similar a ese en su sonido. Por una razón en particular, que explicaré en un segundo.

Primero lo primero, queremos mono. Y vamos a apagar esta subonda, solo queremos una bonita onda de diente de sierra única. Ahora queremos agregarle una cola porque las notas se están cortando de inmediato. Queremos que la nota suene después de que suelto la tecla, así que activamos la envolvente de amplitud y aumentamos nuestro release. Bien. Y no queremos ninguna envolvente de filtro, así que vamos a bajar la envolvente completamente para eso. Y voy a bajar la frecuencia del cutoff para hacer el sonido un poco más redondo.

Ahora si comparas eso con el sonido real, es mucho más redondo. Eso es porque vamos a agregar un plugin de distorsión más adelante, que lo va a re-iluminar de nuevo. La distorsión agrega su propio brillo. Así que hacemos esto un poco redondo o simplemente creamos una paleta para la distorsión.

Ahora por último está el chorus, y esta es la razón por la que elegí este sinte, en las líneas de sintes Juno como el 60 y el 106, tenían estos chorus integrados y son como un aspecto característico de estos sintes. Son muy simples, son básicamente solo botones de encendido y apagado. Realmente no puedes ajustar nada, pero tenían un sonido muy distintivo. Y por eso elegí este porque suena como que están usando esos chorus.

Así que en realidad vamos a activar ambos. Así que lo ensancha, le da esa especie de inestabilidad sutil. Lo cual es muy importante para esta pista. A continuación lo vamos a comprimir. Hacerlo grande y gordo. Y de nuevo vamos a usar Camel crusher. Apagamos la distorsión. Y vamos a subir la compresión al máximo. Eso lo hizo mucho más fuerte, así que lo bajamos.

Ahora también vamos a agregar algo de distorsión y me gustó la distorsión del plugin Camel Crusher para esto. El problema es que va primero a la distorsión y luego al compresor. Después de jugar mucho con ello, descubrí que quería el efecto inverso. Quería comprimir primero y luego distorsión.

La razón es porque ese chorus en el sinte hace un sonido realmente inestable. Lo hace como más fuerte, más suave, más fuerte, más suave. El volumen fluctúa, se mueve. Y cuando pasas eso por este compresor gordo y potente, los dos como que pelean. El compresor pelea con el chorus y obtienes ese sonido realmente inestable. Y es como un aspecto característico de este patch.

Así que definitivamente quería el compresor justo después del sinte. Así que en lugar de solo usar la distorsión dentro de esta instancia del plugin, voy a traer otro Camel Crusher. Y usar esta distorsión. Así que va compresor y luego distorsión. Apagamos el compresor. Subimos los efectos de tubo al máximo. Esto es como una distorsión cálida agradable. Y luego para darle realmente algo más de borde sucio vamos a usar la distorsión MEK, la subimos a la mitad. Eso es muy fuerte, así que lo bajamos.

A continuación está el delay, volvemos a nuestros plugins TAL. El plugin TAL-DUB III. Ahora este plugin es genial porque no solo hace, ya sabes, las cosas regulares de delay, sino que emula los delays analógicos de la vieja escuela que saturan tu sonido. Así que si los forzabas lo suficiente obtienes ese tipo de compresión como una especie de efecto de distorsión como el que tenemos.

Ahora eso está bien y todo, pero ya tenemos eso a través de nuestro plugin Camel Crusher. Así que vamos a bajar el drive un poco para obtener un delay limpio. Luego queremos los delays más fuertes, más del delay, así que vamos a subir nuestro wet. Queremos que esté sincronizado. Los delays para una corchea.

Ahora este plugin tiene una función genial donde puedes cambiar solo uno de los delays, el derecho o el izquierdo. Puedes hacerlo el doble de rápido con estos botones times two. Así que ahora mismo el delay izquierdo es una corchea pero el delay derecho es una semicorchea. No queremos eso, ya tenemos un bonito estéreo ancho entrando. Así que solo queremos un conjunto de delays yendo por el medio que sean tan anchos como el sinte. Así que apagamos eso.

Y luego estos low-cut, high cut te permiten dar forma al sonido del delay con filtros pero tampoco queremos eso, no queremos high cut, no queremos low cut. Así que bajamos el little cut, subimos el high cut y ahora obtenemos el sonido completo siendo retrasado. Y luego bajaremos el feedback solo para hacerlo un poco más corto.

Por último vamos a agregar algo de ambiente o perdón algo de reverb. Estoy usando este plugin gratuito ambience. Puedes usar cualquier plugin de reverb y es bastante simple. Número uno, nuestro dry gain está en cero ahora mismo. Así que todo lo que vamos a escuchar es el sonido de la reverb. Pero no queremos eso. Así que ahora tenemos nuestro dry. Y luego nuestro wet está demasiado alto. Solo queremos un poco, no tan obvio. Y ese es tu sonido.

Ahora hay una nota importante que voy a mostrarte. Es mirando aquí abajo estas notas MIDI, cada frase tiene aproximadamente ocho notas de largo. Voy a tocar esto el doble de lento para que puedas escucharlo. Ahora, como es mono, cada vez que tocas una nota nueva corta las anteriores. Así que obtienes estas dos notas agudas y luego eso es cortado por estas dos notas graves. Notas agudas cortadas por las notas graves. Pero en el patch real las notas agudas como que resuenan.

Así que los separé, aquí arriba. Par de notas agudas, par de notas graves. Par de notas agudas, par de notas graves. Tienes el patch, exactamente el mismo patch en ambas pistas pero ahora están separadas. Así que las notas agudas resuenan mientras las notas graves están sonando. De vuelta a este. Y esto me permitió bajar un poco los graves para que los agudos sean un poco más dominantes que los graves.

Ahora puede que te estés preguntando por qué no simplemente usé un sinte y lo hice polifónico, y el problema es que sí, si lo cambio a digamos seis voces, ahora todas van a resonar unas sobre otras. Pero como estoy pasando por distorsión cuando esas voces se apilan una sobre otra, empujan la distorsión y el compresor muy fuerte. Así que es desigual. Si estoy tocando una sola nota suena bien, pero si toco múltiples notas a la vez, que es lo que hará polifónico con releases largos, entonces empuja la distorsión de compresión demasiado fuerte.

Así que quédate con voz mono y simplemente divídelas en dos. Ya sabes, todo junto. Gracias por ver. Y de nuevo si tienes alguna solicitud, solo haz clic en el enlace en la parte superior de este video, ve a nuestra página de tutoriales y suscríbete a nuestras listas de correo, y prueba la demo de Syntorial. Gracias por ver.

Tutorial de sintetizador: « Retrograde » de James Blake

por

En este tutorial de sinte, observa a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras recrea la pista del estribillo de "Retrograde" de James Blake. Puedes  descargar los presets y archivos MIDI del video. Joe trabajará en Logic usando el sinte Z3TA+ 2 . Entre otras cosas, el video te mostrará cómo usar envolventes de pitch para crear un efecto de "enjambre de abejas".

TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO

Hoy te voy a mostrar cómo recrear los patches de sinte de "Retrograde" de James Blake. Vamos a usar Z3TA+ 2 para hacerlo. Antes de comenzar, quiero mencionar rápidamente un software que hice llamado Syntorial.

Syntorial es un software de entrenamiento estilo videojuego que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo diseñé para darte la habilidad de hacer lo que estoy haciendo en este video: tomar los patches que escuchas en tu cabeza o en otras canciones y recrearlos, simplemente saber cómo hacerlos.

Lo logramos combinando demostraciones en video con retos interactivos en los que programas un sinte incluido, y hay más de 700 patches en total, casi 200 lecciones. Recientemente agregamos un paquete especial de lecciones de Z3TA+ 2 con 37 videos que cubren cada detalle de Z3TA+ 2. Si quieres probarlo, hay una demo gratuita con 22 lecciones, solo haz clic en el enlace que aparece en el video ahora, y también hay una versión especial de la demo para Z3TA+ 2, ese es el enlace que aparece ahora. Por supuesto, ambos enlaces están en la descripción debajo del video.

Bueno, comencemos. Aquí está el beat. Antes de meternos con los sintes, la batería es muy simple, solo es un kick clap 808. Empezaré aquí. Usé battery, pero cualquier cosa que tenga samples 808 funcionará. Lo ajusté un poco, subí el pitch del kick y bajé el del clap, pero eso fue solo para igualar su pista.

Ahora vayamos directo al lead, porque estoy seguro de que es por eso que estás viendo este video. Mucha gente me ha escrito pidiendo un tutorial sobre este lead, y muchos lo describen como polifónico porque escuchan varias notas. Pero no lo es, es monofónico, es una sola voz, solo está presionando una tecla y manteniéndola, pero tiene múltiples osciladores, y cada uno tiene su pitch manipulado en cantidades diferentes, lo que hace que suene como tres voces convirtiéndose en una. Déjame mostrarte cómo funciona.

Vamos aquí arriba, inicializo Z3TA+ 2, así que ahora no hay sonido. Es una saw wave, así que vamos al oscilador uno y ponemos una saw. Tienen cuatro saws aquí, cuatro Vintage saws, siempre uso la One, tiene el sonido más lleno, es la que más me gusta. Como dije, son tres osciladores, así que el oscilador dos también será una saw, el oscilador tres también una saw. Antes de tocar una nota, va a estar algo fuerte, así que lo bajo aquí. Y retrocedo un poco, vamos como hasta aquí.

Todavía suena como un solo oscilador. Pero voy a desafinar el primero hacia arriba un poco, y vas a escuchar cómo empieza a engrosar y a moverse un poco. Luego voy a tomar el tercer oscilador y bajar su pitch más o menos la misma cantidad. Este es un truco muy, muy, muy viejo: cuando tomas las mismas formas de onda y las desafinas entre sí, obtienes un sonido gordo y con movimiento.

Así que tenemos nuestros tres osciladores, tres saws, ligeramente desafinados para darnos este sonido gordo y con movimiento. Ahora queremos tomar una envolvente y aplicarla a cada oscilador, y la usaremos para doblar su pitch. Voy a desactivar el oscilador dos, y también el tres, para que solo escuchemos uno por ahora. Será más fácil entender cómo funcionan estas envolventes cuando veamos solo una.

Mod matrix, aquí es donde configuramos todas nuestras rutas de modulación. Queremos la envolvente uno, la vamos a enrutar al pitch del oscilador uno. Casi siempre que modulo pitch en Z3TA, voy a curve y selecciono una de estas curvas de pitch. Esto simplemente nos permite ajustar cantidades según valores de pitch, octavas, tonos enteros, semitonos, nos ayuda a elegir notas específicas en nuestra modulación un poco más fácil.

Lo voy a poner en una octava y voy a maximizar el rango. Así que ahora podemos usar la envolvente para llegar hasta una octava. Voy a ir a la envolvente uno. Y ahora mismo no vamos a escuchar nada. Sin movimiento de pitch. Esta cantidad de envolvente está en cero, por eso no pasa nada. Voy a mantener presionada una nota, y mientras la subo, vas a escuchar la nota subir, y queremos subirla hasta llegar a donde queremos que esa nota empiece. Porque cuando él presiona esa tecla por primera vez, escuchas que uno de los osciladores empieza más alto y luego baja.

Voy a mantenerla presionada hasta llegar a ese pitch. Ahí está. Ahora nuestra envolvente está en la parte superior, solo mantiene la nota aquí arriba. Eso es porque nuestro nivel de sustain está al máximo. Lo voy a bajar completamente, y ahora nuestra nota va a empezar aquí y bajar.

Eso es un poco rápido, así que vamos a aumentar nuestro sustain time. Esto es un poco confuso, la mayoría pensaría en esto como decay, que es básicamente lo que es, pero Z3TA lo llama sustain time, aunque puedes pensar en esto como decay y esto es sustain. Ahora esa es una mejor duración, pero si te fijas, al final baja muy rápido. Pero en "Retrograde" se ralentiza mucho cerca del final y casi suena desafinado por un momento, eso es lo que crea toda esa tensión.

Así que queremos ralentizarlo al final cambiando la curva aquí. Ves, ahora baja algo rápido, pero luego se ralentiza aquí, así que ahora obtenemos esto. ¿Escuchas cómo se queda ahí al final por un rato? En general es un poco demasiado rápido, así que lo vamos a subir hasta aquí. Y listo, ese es el oscilador uno. Voy a apagar ese.

El oscilador dos, queremos que haga lo mismo, pero queremos que venga desde abajo y suba. Así que le vamos a dar su propia envolvente, envolvente dos, con ajustes similares aquí, una octava, pero esta va al pitch del oscilador dos. Y queremos que las envolventes sean casi iguales, y lo que puedes hacer con Z3TA es hacer clic derecho, copiar, luego clic derecho, pegar, y ahora dos y uno son iguales.

Pero queremos poner una cantidad negativa de envolvente, porque lo que esto hará es, en lugar de disparar el pitch hacia arriba y luego bajar gradualmente, va a disparar el pitch hacia abajo y subir gradualmente. Aunque visualmente parece que sube y luego baja, cuando lo ponemos en cantidad negativa hace lo opuesto de lo que ves. Así que ahora obtenemos esto. Si fuera hacia arriba: Pero voy hacia abajo.

El tercer oscilador también va a venir desde abajo, solo que no va a empezar tan bajo como el segundo oscilador. Entonces, envolvente tres, al máximo, pitch una octava, y pitch del oscilador tres. Vamos a copiar y pegar la envolvente, y queremos una cantidad negativa, solo que no tanto, así que lo subimos hasta aquí. Y nuestro tercero es así. Trayendo el segundo. Trayendo el primero de vuelta. Y así es como obtienes ese efecto de enjambre de abejas, de pitch doblándose.

No hemos terminado todavía, está demasiado brillante ahora mismo, vamos a necesitar filtrarlo. Así que vamos a enrutar los tres osciladores al filtro uno, así. Y vamos a hacer un filtro low-pass. Ahora está demasiado oscuro. Lo que el sonido hace en realidad es que empieza algo oscuro, y mientras esos pitches se doblan, se aclara un poco. Así que vamos a poner nuestro cutoff en el punto más oscuro, como empieza, que es aquí.

Y luego vamos a usar otra envolvente para aclarar el cutoff, para subirlo, en esa parte inicial de la nota, así que envolvente cuatro, maximiza esto, enrútala al cutoff del filtro uno. Y luego, tal como subimos esta cantidad para encontrar el pitch más alto con los osciladores, vamos a subir esta cantidad para encontrar el cutoff más brillante que queremos. Y no es mucho. Es por ahí. Y ahora usamos el attack para llevarnos del cutoff a la cantidad de envolvente. Unos 1.6 segundos. Ahí.

El sonido está un poco plano, no está cortando hacia adelante tanto como me gustaría, así que vamos a usar una cantidad considerable de resonancia, y escucha lo que hace. Por ahí. Lo hace un poco más agresivo, lo hace empujar hacia adelante y cortar. Esto es genial para leads y bajos. O para cualquier cosa en realidad, la resonancia realmente puede hacer que un patch pase de plano a cobrar vida solo empujándolo un poco hacia afuera.

Y luego, si escuchas con cuidado, el sonido se desvanece un poco al entrar, no entra con fuerza. Así que vamos a nuestra envolvente de amplitud y aumentamos nuestro amp attack. Y eso hará que entre suavemente ahí.

Una última cosa. De vez en cuando, escuchas que uno de los osciladores baja un tono completo y vuelve a subir, hace eso de vez en cuando. Él lo activa cuando quiere, así que querrías usar algún tipo de control de modulación con tus manos, tal vez el pitch wheel o el mod wheel. Pero para esto, me gusta particularmente usar aftertouch.

Para los que no lo sepan, aftertouch viene de serie en la mayoría de los sintes y controladores MIDI ahora, y normalmente cuando tocas una nota solo mantienes la tecla presionada. Pero cuando un teclado tiene aftertouch, puedes presionarla aún más, tienes que darle un poco más de fuerza, y ese empuje adicional, yendo más profundo en la tecla, puede activar una modulación. Lo encontrarás en esta columna de control, channel aftertouch. Y queremos modular el pitch del oscilador dos. Con Z3TA+2, cuando quieres usar uno de estos controladores, tienes que poner source en On para habilitar esta fila. Y esto va a determinar qué tan bajo va a bajar ese pitch, volveré a esta cantidad en un segundo.

Ahora, por defecto, cuando presiono esta tecla más profundo, subiría el pitch. Pero no queremos hacer eso, queremos bajarlo. Así que para invertir esta modulación positiva natural, vamos a linear, y vamos a unipolar linear minus. Suena elegante, pero realmente solo invierte la dirección. Ahora si presiono la tecla más profundo, va a bajar el pitch del oscilador dos, escucha. Y déjame desactivar estos por un segundo. Esa es presión normal, ahora si presiono más profundo: Eso es lo que hizo. Y puedo presionar lentamente hacia adentro y luego lentamente hacia afuera para hacer una especie de doblado lento.

Me gusta particularmente para esta pista porque suena como si estuviera luchando, y si tienes que empujar físicamente tu teclado, obtienes esa sensación de lucha en el sonido. Por cierto, el rango solo determinará qué tan bajo se doblará ese pitch cuando presione el aftertouch. Solo lo ajusté de oído, lo modifiqué hasta que sonó bien. Así que ahora tenemos eso configurado, traigamos estos, y ahora tenemos nuestro patch.

Aquí viene el aftertouch, justo aquí. Así que presioné, luego solté lentamente la tecla. Y aquí viene un poco más. Presioné para bajarlo, y luego lo solté lentamente. A continuación haremos el bajo y el sinte tipo órgano.

Por cierto, puedes descargar estos patches para Z3TA+2 y el archivo MIDI, para que puedas ver qué notas estoy tocando simplemente haciendo clic en el enlace que aparece en tu pantalla ahora. Te llevará a una página especial con este video en el sitio de Syntorial, y hay un enlace debajo que puedes hacer clic y descargar. Y por cierto, tenemos muchos más de estos tutoriales y artículos, contenido gratuito en el sitio de Syntorial. Cuando vayas a esa página, verás una suscripción al newsletter en el lado derecho, solo danos tu email y te enviaremos un enlace a una página llena de este contenido.

Hagamos el bajo ahora. Ponlo en solo por un segundo. Es un bajo súper redondo, subby, que se mueve y gira. Ábrelo. Un patch bastante simple. También vamos a inicializar. Y esto es una saw, y al principio pensé que era solo un sub-bass simple, eso fue lo primero que programé. Está algo fuerte en este rango, así que déjame bajar un poco nuestro volumen maestro. Ahí está nuestra saw.

Obviamente, para obtener ese sonido redondo y subby, usamos un filtro low pass. Así que vamos a enrutar esto al filtro uno, 24 dB, low pass, y lo vamos a bajar bastante, en este caso va a bajar hasta 175, ahí mismo. Ahora, si realmente quieres hacer que estos... Darle a estos sub-bass algo de potencia, puedes usar resonancia, y la voy a subir bastante. Sí.

La resonancia simplemente empuja una parte de tu sonido hacia afuera. Si tienes el cutoff bien ajustado, empujará justo la parte correcta, y realmente hizo que este sub-bass siguiera sonando redondo y pesado, pero lo sacó y lo empujó, evitó que fuera plano, igual que hizo que el lead dejara de ser plano también. Simplemente lo hace avanzar un poco en la mezcla.

Esto es lo que programé originalmente, pero si escuchas la pista, oyes que el volumen fluctúa un poco, y oyes que el bajo se mueve. Así que hice un doblaje y desafinación. Voy a copiar, pegar esto, y los vamos a desafinar. Vamos a hacer 16 arriba, 16 abajo, escuchémoslo mientras lo hago. Ahí vamos. Sí.

Ten en cuenta que estos están sincronizados ahora mismo, y eso es muy importante. Cuando doblas y desafinas sonidos... Perdón, cuando doblas y desafinas osciladores, obtienes un pequeño punto al principio de cada sonido, le da un transitorio de ataque natural.

Algunos sintes, si estás haciendo esto en un sinte diferente, particularmente sintes analógicos o modelados analógicos, no tienen eso. Pero con estos sintes digitales, puedes sincronizarlos, y eso te dará un punto en sonidos doblados y desafinados. Eso es lo que le da a este bajo un al principio de cada nota. Eso es importante.

Por ejemplo, si cambio a free, los desincroniza, y escúchalo. El inicio de cada nota. Algunos tienen un punto, otros no, es muy inconsistente. Así que esta sincronización es muy importante. Si tienes este tipo de opción en el sinte que estés usando, asegúrate de que esté activada para este bajo. Ahí está nuestro bajo. Traigamos de vuelta las otras cosas. Es un sonido enorme.

Por último, tenemos este sinte tipo órgano que realmente llena el medio. Y suena así. Inicializamos. Este va a usar una combinación de saw y pulse wave mediana. Pero como estamos tocando muchas notas, necesito compensar bajando nuestro volumen aquí, de lo contrario es muy fuerte. Saw, oscilador uno. Oscilador dos, vamos a ir a una onda cuadrada, y vamos a usar este control aquí para estrechar el pulse width.

Aquí está nuestro sonido combinado. Queremos agregar algo de movimiento, engrosarlo un poco, porque un tono tipo órgano tiene eso. Así que los doblaremos y desafinaremos. No mucho, pero un poco. Hay un attack en el sonido que es algo nítido, como cada vez que tocamos una nota. En este caso, realmente no queremos eso, esto está destinado a solo llenar el medio de nuestra pista, no queremos ese punto sobresaliendo.

Como mencioné con el bajo, cuando está sincronizado, cuando tienes osciladores doblados y desafinados y los sincronizas, obtienes ese punto. Así que vamos a quitar eso, y veamos si eso ayuda. Ayudó un poco, pero estamos tocando muchas notas de un patch muy, muy brillante, así que todavía vamos a obtener ese attack nítido.

Así que vamos a usar un amp attack y simplemente cortar el comienzo del sonido con un amp attack muy, muy rápido, 0.04 segundos. Así que ni siquiera escucharás un aumento de volumen, solo cortará esa parte frontal. Ahí vamos. Por último, queremos añadir un flanger. Voy a bajar a, veamos, mono flanger, y esto es lo que tenemos por defecto. No se está moviendo, la velocidad por defecto es muy lenta, así que vamos a aumentar la velocidad para que empieces a escuchar el flanging moverse arriba y abajo.

Y luego podemos usar el feedback para acentuar realmente el sonido del flanger. Luego queremos que este flanger baje más profundo. Si aumentamos nuestro delay, llegará a un punto más profundo, escucha. Muy bien, y por último, podemos usar nuestra profundidad para bajar esos agudos. La profundidad también puede subir un poco los graves, es algo como la cantidad del LFO si estás familiarizado con los LFOs.

Y para ser honesto, con profundidad y delay tuve que experimentar mucho, no siempre es obvio lo que están haciendo. Pero puedes pensar en ellos como una forma de controlar el punto más alto y más bajo de ese flanger, y eso te ayudará a descifrar cómo ajustarlos.

Esto está demasiado wet, hay demasiado flanging en esto, así que vamos a bajar nuestro nivel. Es un flanger sutil. Lo interesante de este patch, si escuchas, suena como si hubiera dos capas, suena como si hubiera casi un cuerpo redondo y una parte superior brillante y chispeante. Tanto que en realidad pasé la mayor parte de mi tiempo intentando hacer este patch con dos patches, uno para la parte inferior, uno para la superior. Y lo logré, y luego mientras hacía este video, me di cuenta de que esto podría ser simplemente un patch totalmente abierto sin filtro. Y lo era, mucho más simple de lo que pensaba. Así que algo a tener en cuenta es intentar siempre la solución más simple primero, o puedes perder mucho tiempo intentando hacer algo innecesariamente complejo.

Entonces, en total, tenemos... Oh, quitemos ese loop. Antes de reproducir todo, copié este primero, lo pegué, así que este es exactamente el mismo lead doblándose, y luego lo hago entrar más tarde. Porque si escuchas, cuando el estribillo vuelve a empezar, porque lo repite varias veces seguidas, escuchas ese lead doblándose entrar de nuevo, pero el primero todavía se está manteniendo, así que eso es lo que sucede aquí, escucha.

Y eso es todo. De nuevo, puedes descargar los patches para Z3TA+ 2 y el archivo MIDI para que puedas descifrar qué notas están sonando. Mira Syntorial, 22 lecciones gratis con la demo, todos los enlaces están en la descripción, y gracias por ver.

Tutorial de sintetizador: « Let’s Go » de Calvin Harris

por

En este tutorial de sinte, mira cómo Joe Hanley, creador de Syntorial, recrea "Let's Go" de Calvin Harris usando Ableton Live y varios plugins gratuitos. También puedes descargar los archivos MIDI, presets de sinte, archivos de audio, archivos de sesión y todo lo demás que necesitarás para seguir el tutorial en casa. Plugins utilizados:

TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO

¡Bienvenido! Hoy vamos a recrear el beat de "Let's Go" de Calvin Harris. Usaremos únicamente plugins y efectos gratuitos para los sintes, así que podrás descargar todo y seguir el tutorial exactamente.

Hemos puesto a tu disposición todos los presets, archivos de audio y archivos MIDI para que los descargues. Solo haz clic en el enlace en la parte superior del video. Te llevará a la página de kickstarter de Syntorial. Desplázate hacia abajo y verás un montón de tutoriales. Cada video tendrá un enlace encima.

Busca tu video, haz clic en el enlace y recibirás una mezcla del audio, un archivo con los enlaces a todos los plugins para descargar, sesiones de Ableton y Reason. Para los usuarios de Ableton solo necesitarás esos plugins gratuitos y estará listo. Y para quienes no tengan Ableton o Reason, tenemos todos los archivos MIDI y los presets de cada pista, además del audio de la batería.

Así que puedes importar todo al software que uses y armar el beat ahí. Mientras estés en esta página, échale un vistazo a Syntorial. Es el tutorial definitivo de sintetizadores. "Software de entrenamiento totalmente interactivo que te convertirá en un gurú de la programación de sintes". Empecemos.

Empecemos con la batería. En este momento, estas pistas de batería son solo audio. Originalmente las hice en Reason. Así que si quieres obtener el MIDI, si quieres reconstruirlas con tus propios samples o simplemente ver exactamente cuáles son los ritmos, puedes descargarlos con el enlace en la parte superior del video.

Desglosándolo tenemos kick, palma. La palma se envía a una reverb medium hall. Así suena sin ella. Así suena con ella. Simplemente puse el medium hall en "no return" y luego puedes enviarle las pistas que quieras, incluida la palma. Hi-hat. Pandereta. Y al final de este loop tienes este sonido de golpe fuerte. Está empapado en reverb. Al máximo. Y eso es la batería.

Lo siguiente es el Big Synth del estribillo. Vamos a usar synth one, que es un VST. Para quienes necesiten un audio unit para GarageBand o Logic, tenemos presets disponibles para Automat, que es un excelente sinte audio unit gratuito, pero para el video usaremos synth one.

Para empezar, necesitamos cargar un patch inicializado que hice, que básicamente pone todos los valores en cero, porque por defecto synth one carga uno de sus patches. Y antes de darle play, voy a bajar esto porque suena muy fuerte. Un poco más arriba. Listo.

Primero cambiamos a una onda de diente de sierra, y luego la desafinamos. Esto básicamente duplica esa forma de onda y desafina una de ellas, así obtienes este gran efecto de remolino. Luego añadiremos un suboscilador una octava abajo. Queremos onda de diente de sierra. Eso le añade mucho cuerpo al sonido.

Añadimos un oscilador más, con una onda triangular. Así suena solo. Es medio campanudo. Obviamente no queremos tanto. Queremos esto. Luego añadiremos algo de ataque usando la envolvente de amplitud. Mantenemos el decaimiento corto, que ya lo está. Te mostraré qué hace.

Bajamos el sustain. Eso le añade un ataque medio abrupto. No necesitamos tanto, queremos esto. Luego, para añadirle una cola, aumentamos el release. Por aquí. Después queremos quitar solo un poco de agudos. No mucho. Así que cambiamos a un pase-bajo de 12dB. Y bajamos el cutoff hasta aquí. Solo un recorte muy sutil de los agudos.

Ahora, para hacerlo aún más grande y con más remolino, añadimos unísono. Queremos tres voces por nota. Cuando haces esto, asegúrate de tener suficientes voces disponibles porque básicamente el unísono de tres voces triplica cada nota que tocas y luego desafina cada una. Si tu conteo de voces fuera demasiado bajo, solo para mostrarte. Ves, estás perdiendo un montón de notas.

Necesitamos aumentar el nuestro hasta el punto donde podamos meter todas estas notas. Veinte parece funcionar. Luego queremos extender nuestro sonido y ahora cubre todo el campo estéreo. Bonito y grande. Después queremos desafinarlo más, para que cada una de estas voces se desafine ligeramente de las demás.

Pero queremos hacerlo aún más. Esto lo hace más intenso. Si me paso de verdad, empieza a desafinarse mucho, así que no queremos llegar tan lejos que se desafine, pero sí lo suficiente para lograr el tipo de intensidad que buscas. Por último, añadimos delay.

Vamos a separar los delays un poco más entre sí para que los escuches en el canal izquierdo y derecho. Aumenta el número de delays y reduce el feedback. Y no queremos que el delay suene tan fuerte, así que lo bajamos hasta ahí y ese es tu sonido.

También tiene un poco de reverb. Te mostraré cómo suena. Esto añade algo de espacio alrededor al aumentarlo. Es bastante sutil porque el delay ya le da mucho espacio, pero esto simplemente le da más. Y ese es el Big Synth. Ahora tenemos el Synth Bass. Es un sonido de bajo de sinte muy simple. Usaremos Tal NoiseMaker, un excelente sinte VST/audio unit gratuito.

Primero voy a bajarlo un poco. Ups, demasiado. Por ahí. Ahora, si apago el suboscilador, solo escuchas el oscilador principal, que es una onda de diente de sierra. El suboscilador está una octava abajo y es una onda cuadrada. Ahí es donde está ese lindo grave. Así que ese es tu sonido de forma de onda completo. Luego queremos añadir un poco de cola. No mucho, solo un poco. Esto evita que suene demasiado abrupto, pero también ayuda a llenar el espacio.

Si hay notas que se van desvaneciendo entre cada nota, eso llena los graves, que es justo lo que necesita este tema. Ahora queremos ajustar el punto más bajo del sonido, la parte más redondeada del sonido, aquí. En .43. Pero no queremos empezar tan bajo y redondeado, en realidad queremos empezar brillante y que vaya bajando hasta ahí.

Así que ajustamos el contour al punto donde queremos empezar, y luego aumentamos el decay y bajamos el sustain. Bajamos el sustain hasta donde está el cutoff, porque ahí es donde queremos que vaya la envolvente, y subimos el decay hasta ahí.

Entonces ahora empieza en el contour y rápidamente baja hasta el cutoff. Para asegurarnos de que las notas que se sueltan antes hagan lo mismo que el decay, ajustamos el release para que coincida con el decay. Así, sin importar cómo toques este patch, notas muy cortas o notas más largas, el filtro bajará del punto contour al punto cutoff de la misma manera, siempre.

Cuando usas una envolvente de filtro y la aplicas a esta velocidad, con un decay muy rápido, en lugar de escuchar cómo va bajando el cutoff, lo que escucharás es casi como un ataque brillante al principio del sonido de bajo. Eso es lo que buscamos. Ayuda a que se destaque en la mezcla.

Entonces, con todo lo demás, por último hay un poco de pitch bend en esto. Lo ajustamos al máximo para que haga bend de una octava completa y luego lo escuchas. Ahí al final de esa línea. Lo siguiente es lo que llamo el Big Noise.

En este tema hay una especie de ruido en el fondo. Ruido blanco. Está por todas partes, a la izquierda y derecha, moviéndose, y es genial porque simplemente llena el sonido. Lo hace sonar mucho más activo y grande. Así que lo que voy a hacer aquí es mostrarte cómo hacerlo con un sinte. Ahora mismo, Tal NoiseMaker, voy a bajarlo antes de poner esto en marcha.

Ok, justo ahí. Entonces ahora es una forma de onda real. Sin suboscilador y queremos cambiar esta forma de onda de diente de sierra a ruido. Ahí está. Ese es el sonido simple en sí. Ahora solo necesitamos que se vaya desvaneciendo. Ahí vamos. Y queremos eliminar algo de los graves porque llenará demasiado espacio y hará todo confuso. Así que ponemos un pase-alto. En este caso usé un pase-alto de 24dB.

Obviamente no queremos cortarlo todo porque eso no dejaría nada. Veamos. ¿Qué tan bajo quiero ir? Lo pondré por aquí. Y ese es tu ruido blanco. Tiene el mismo ritmo que el Big Synth. Suena al mismo tiempo. Luego queremos que sea muy ancho, así que usaremos un truco de ensanchamiento con delay. Este es el delay Tal-Dub.

Ahora mismo puedes escuchar los delays y la cola. No queremos eso. En cambio, te mostraré cómo usar esto solo para ensanchar el sonido. Primero lo primero. Ponlo wet. Cien por ciento wet. No queremos nada de damping, no queremos resonancia.

Entonces ahora escuchas bien esos delays. Queremos deshacernos de eso. En su lugar, lo pondremos en manual en vez de sincronizado. Pondremos un canal en cero.

Básicamente es solo el ruido pasando, sin que le pase nada. El derecho lo quieres ajustar lo más que puedas sin escuchar los dos delays separados. Si vas muy pequeño, no queremos que vaya tan lejos como para escucharlos separados, así que lo pondremos por aquí. Ahora el feedback. Aquí se pone complicado. Muy bajo y no obtienes nada. Se hace cada vez más silencioso. Demasiado, uy, obtenemos un poco de feedback.

Lo pondremos por aquí. Ahí está. Ruido ancho. Apagado, está en el centro; encendido, y está ancho. Por último, queremos darle algo de reverb, así que volvamos a encender todo. Medio sutil. Ahí vamos. Ahí vamos. Es muy sutil ahora. Apagado. Encendido. Voy a subirlo para que lo escuches bien. No lo queremos así. Es más bien un relleno sutil en el fondo. Ese es el Big Noise.

Bueno, por último está este sonido de Bending Noise en el cuarto tiempo de cada compás. Podría ser un sample, pero te mostraré cómo hacerlo desde cero con un sinte, un filtro y un flanger. Empecemos con NoiseMaker y vamos a bajar esto considerablemente. Está hecho con ruido, así que sin suboscilador y cambia esto a ruido. Muy bien.

Ahora le añadiremos un poco de ataque. Te mostraré cómo hacerlo. Baja el sustain más o menos a la mitad. Luego sube el decay. No sé si pudiste escuchar ese pequeño TSK al principio. Si bajo el sustain realmente lo escuchas.

Entonces tiene un pequeño ataque al principio. No queremos tanto, solo queremos esto. Ahora quitaremos algunos agudos y graves con el pase de banda, lo ajustamos más o menos a la mitad, bien, eso le da forma. La resonancia le dará aún más forma, le dará algo de medios, hará que muerda un poco más. Ahí está. Hace que corte un poco. Queremos cortar algo más de graves, solo un recorte un poco más sutil para ayudar a que realmente muerda en la mezcla.

Entonces otro pase-alto y ajusta el pase-alto por aquí. Sí, le da un poco más de filo. Y luego el flanger es lo que hace que gire y se doble. Este es un flanger estéreo. Pero solo necesitamos mono para que se quede en el centro. Así que ponemos el spread en cero, la ganancia en cero para que no lo haga más silencioso o más fuerte.

El delay es la parte más efectiva. Ahora mismo, si lo reducimos, obtenemos menos de ese sonido metálico granulado y más remolino y barrido. Sí, ahí vamos. Depth, queremos que vaya muy alto y muy bajo, así que es un flanger extremo. Así que subimos ese depth. Ahí vamos.

Y por último, lo hacemos un poquito más lento. Y ese es tu Bending Noise. Ahora con todo lo demás. Súbelo un segundo. Voy a darle algo de reverb. Ayuda a que se asiente en la mezcla un poco. Lo bajaré de nuevo. Y ese es el Bending Noise.

¡Gracias por ver! Haz clic en el enlace en la parte superior del video para descargar todo lo que necesitas para hacer esto en casa, y échale un vistazo a Syntorial mientras estés ahí.

Synth Tutorial: deadmau5 “Phantoms Can’t Hang”

por

En este tutorial de síntesis, mira cómo Joe Hanley, creador de Syntorial, recrea el lead sintetizado de "Phantoms Can't Hang". El video incluye información valiosa sobre cómo apilar patches de sinte, y usar el diseño sonoro para construir una pista. No olvides descargar los presets y archivos MIDI. Plugins y software utilizados:

TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO

Muy bien, hoy vamos a analizar el lead sintetizado de Phantoms Can't Hang de Deadmau5. Es un lead interesante, porque recorre casi toda la pista, pero cambia, pasa por cuatro etapas distintas. Las notas se mantienen iguales, pero el sonido en sí cambia en capas, es algo muy interesante.

Antes de empezar, quiero contarte brevemente sobre Syntorial. Syntorial es un software de entrenamiento tipo videojuego que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo diseñé específicamente para darte la capacidad de hacer lo que estoy haciendo en este video. Tomar una canción que escuchas en tu cabeza, o en otra pista, y recrearla.

Lo hace combinando demostraciones en video con retos interactivos, en los que programas más de 700 patches en un sinte incorporado. Y puedes probarlo gratis las primeras 22 lecciones con nuestra demo gratuita, solo haz clic en el enlace que aparece en la pantalla.

Ahora, Phantoms Can't Hang. Como mencioné antes, el lead pasa por cuatro etapas diferentes. Empezaremos aquí. Comienza con este sonido. Se repite durante un rato, y finalmente se reemplaza por una versión más agresiva. Esta se repite, y luego agregan una capa una octava más alta. Y después meten el lead de trance.

Vamos a empezar con ese primer lead aquí. Este. Ahora. Vamos a usar Synth 1 para esto. Synth 1 es un sinte gratuito que puedes descargar con el enlace que aparece en tu pantalla. Está disponible como VST para Mac y PC, y acaban de lanzar una versión Audio Unit para usuarios de Logic. Así que solo haz clic en el enlace de la pantalla y puedes descargarlo ahí.

Y nuestro primer paso es inicializarlo. He creado este patch inicializado. Puedes descargar este patch ahora, junto con todos estos otros patches y los archivos MIDI con el enlace que aparece en tu pantalla. Te llevará a una página con este video y el enlace de descarga. Y cuando estés ahí, puedes suscribirte a nuestro boletín y te enviaremos a una nueva página que tiene este tutorial, junto con un montón de otros tutoriales en video, cosas interactivas, todo tipo de recursos para sintes. Así que suscríbete al boletín mientras estés ahí.

Tenemos nuestro sonido inicializado. Está un poco fuerte, así que lo bajo por ahora. Y probablemente escuches algo de reverb. Tengo una reverb configurada como efecto de envío aquí. Así puedo tomar todos estos leads y enviarlos a esa reverb. Voy a apagarla ahora mismo. Volveré a la reverb en un momento. Así que ahora tenemos nuestro verdadero sonido en crudo.

Lo primero es lo primero: queremos una forma de onda diferente. Sí queremos la onda de pulso, pero queremos que sea de ancho cuadrado completo. Y luego, este sonido empieza brillante cuando tocas una nota y se oscurece al final de la nota. Así que vamos a usar una envolvente de filtro para lograr eso.

Primero, ajustamos nuestro cutoff al punto más oscuro, el final de la nota que es… por ahí. Pero queremos que empiece brillante. Así que usamos la cantidad de envolvente de filtro. Eso determina el inicio de nuestro sonido, el punto más brillante. Y nuestro sustain, si lo bajamos completamente, la envolvente de filtro nos llevará hasta nuestro cutoff. Sustain en cero es nuestro cutoff.

Entonces ahora, si llevamos esto a cero, nuestro sonido empieza en esta cantidad de envolvente de filtro y baja a nuestro cutoff así. Y queremos que ese movimiento descendente sea más rápido, porque realmente queremos un buen sonido de pluck rápido. Así que vamos a hacer el decaimiento más rápido. Ahora hemos creado ese transitorio de pluck. Solo lo voy a subir un poco, porque bajar el cutoff lo hace bastante más silencioso. Vamos más o menos hasta ahí. Listo.

Ahora, algo interesante sobre el patch real en la pista de Deadmau5 son las notas altas. Estas de arriba son más brillantes que estas notas graves. Por defecto, un filtro pase-bajo hace lo contrario. Hace las notas graves más brillantes y las notas agudas más oscuras. Y podemos usar key tracking para revertir ese efecto. Pero en este caso, no solo lo vamos a revertir para equilibrarlo, vamos a ir más allá, y hacer las notas agudas más brillantes y las notas graves más oscuras. Así que voy a subir el key tracking al máximo. Y ahora nuestra nota más aguda va a ser más brillante que nuestra nota más grave.

Desafortunadamente, esto aclaró todo. Hizo nuestras notas agudas más brillantes que las graves, pero aclaró todo incluyendo las notas graves. Así que necesitamos compensar eso bajando la frecuencia, el cutoff. Ahora tenemos lo que buscamos. Antes teníamos esto. Las notas graves suenan genial, pero las agudas no son lo suficientemente brillantes. Subes esto, bajas esto. Ahora. Solo las notas agudas se volvieron más brillantes.

Y luego, vamos a agregar un poco de resonancia, para darle algo de presencia. Sacar ese sonido, hacerlo resaltar un poco. Agregar un poco de resonancia es una excelente forma de darle vida a un sonido plano. Hacerlo más presente, traerlo al frente en la mezcla.

Y luego, solo queremos cortar la nota un poco más corto, está sonando demasiado. Así que vamos a bajar el sustain del amp completamente. Ahora, eso es demasiado. Así que voy a alargar el decaimiento. Listo. Antes era así. Ahora es. Solo quitamos un poco del final. Este es un patch mono. Y luego, queremos extenderlo. Así que activamos el unísono y subimos la extensión al máximo.

Ahora, como en la pista de Deadmau5, el sonido se mueve de izquierda a derecha muy sutilmente, y tenemos eso con la extensión del unísono. Pero está pasando muy rápido. Suena un poco maníaco. Así que lo vamos a ralentizar reduciendo la cantidad de desafinación. Perfecto.

Ahora queremos traer esa reverb de vuelta. Así que voy a aumentar este envío. Voy a exagerarlo para que realmente escuches la reverb por un momento. La reverb que estoy usando se llama Ambience. Es otro plugin gratuito, y lo voy a borrar para meter uno nuevo y poder diseñarlo desde cero. Y todo lo que hice fue un pequeño cambio. Aquí está por defecto. Es muy corta. Así que simplemente aumento el tiempo. Y luego, no la queremos tan wet. Listo. Entonces es una reverb larga, pero no muy, muy wet. Está como en la distancia. Nuestro sonido debe seguir siendo agradable y dry al frente con esta cola de reverb larga en el fondo.

Ahora tenemos el lead un poco más agresivo. Volvamos a eso. Y vamos a inicializarlo. Aquí está nuestro sonido en crudo. Lo subo un poco por ahora. Y en este también vamos a usar una onda de pulso, pero no vamos a ir a cuadrada completa. En este también queremos notas más brillantes arriba, notas más oscuras abajo.

Así que vamos a subir el key tracking de antemano. Y también queremos que esto empiece brillante, usando una envolvente de filtro y que se oscurezca. Pero queremos que se oscurezca tanto que ni siquiera podamos escucharlo. Así que vamos a usar la envolvente de filtro, como si fuera también una envolvente de amplitud, la vamos a usar para cortar el sonido. Así que vamos a empezar en más o menos… este brillo. Y si quieres bajar completamente al cutoff, tenemos que bajar el sustain a cero.
Listo. Y por cierto, también tenemos reverb en este, puedes escucharla en el fondo. Tenemos reverb en todos estos leads. Y es la misma reverb que estamos usando para los cuatro leads.

Y luego, queremos que esto sea un poco más largo, darle un poco más de cuerpo. Es sutil. Pero está ahí. Iguala el release con el decaimiento. Solo le da un poco más de duración. Ahora no suena nada parecido. Así que vamos a usar saturación de filtro, que es básicamente como overdrive. Si empujas este filtro lo suficiente, empieza a saturarse, distorsionarlo de una forma cálida y agradable. Escucha. Ahí es donde obtenemos nuestra distorsión.

Él puede usar un plugin de distorsión u overdrive real, pero cuando puedes saturar el filtro dentro del sinte, es agradable, generalmente es un efecto de overdrive cálido y agradable.

De nuevo tenemos un patch mono aquí, solo una nota a la vez. Y vamos a usar unísono como la última vez para extenderlo. Así que unísono con dos voces, subimos la extensión al máximo. Y luego, vamos a aumentar nuestra desafinación solo para engrosarlo un poco. Generalmente, mientras más desafinación le das a un patch, más gordo se vuelve el efecto. No necesitamos mucho más.

No queremos exagerar. Pero voy a aumentarlo solo un poco. Es sutil, pero le da un poco más de movimiento, un poco de pulsación, un poco de grosor. Y luego, voy a bajar el volumen. En realidad, lo voy a subir. Ahí está. Ya tenemos la reverb ahí.

Ahora, la última diferencia es que el patch en la pista tiene un poco más de cuerpo, tiene un poco más, digamos de medios-graves. Así que voy a meter un EQ, y puedes usar cualquier EQ para esto. Y voy a realzar 450. Así que escucha la diferencia con y sin. Con. Sin. Solo le da un poco más de ese oomph.

Y luego, voy a cortar los graves más profundos. Esto a veces aprieta tu sonido, y es genial para la mezcla. Si te deshaces de esos graves que no necesitas, limpia un poco la mezcla. Así que lo vamos a hacer shelf. Lo bajamos completamente. Y ahí. Y luego aumentamos este para que cortemos, de forma algo abrupta como puedes ver. Pero solo tenemos que cortar este pedazo de graves.

Pero no queremos afectar este realce que agregamos aquí. Así que le damos algo de cuerpo y lo apretamos un poco, al mismo tiempo. Ahí está ese sonido.

Ahora, el siguiente sonido es en realidad el mismo sonido, pero una octava más alta. Así que todo lo que voy a hacer es copiar este sinte. Lo muevo ahí. Este MIDI aquí es exactamente igual a este, pero una octava más alta. Entonces lo que obtenemos es… eso. Y luego, cuando juntas los dos. Ahora, hay un par de diferencias.

Para este más agudo, queremos reducir el volumen, no queremos que sea tan fuerte. Tiene que ser la capa, no el sonido principal. El más grave es nuestro sonido principal. Bien. Queremos que suene un poco más tiempo que el grave. Este es un gran truco: si quieres que un sonido más silencioso se escuche más, sin subirlo, solo aumentas su cola. Aumentas su duración, y sonará un poco más que el otro.

Así que voy a aumentar el decaimiento y el release del filtro solo un poco. Ahora, sigue siendo más silencioso, pero podemos escucharlo mucho mejor solo dándole una cola más larga. Y luego, también le vamos a aplicar EQ. Porque ahora mismo, cuando entra, no solo escuchas esos agudos, sino que cambia el patch grave, escucha. Es más difícil escuchar ese patch grave por sí solo, se han mezclado.

Ahora, si eso es lo que buscabas, esto sería perfecto. Pero no es lo que buscamos. Queremos que este más agudo sea más pequeño y separado. Así que voy a cortar un gran pedazo de los graves, usando un shelf, lo bajo, y vamos hasta… más o menos… aquí. Y lo ajusto. Es algo pronunciado. Y ahora, sin el lead agudo. Cuando lo meto, no va a cambiar el patch grave. Lo mantiene más separado. Sin EQ. Escucha lo que pasa con el patch grave cuando apago el EQ. Aquí está encendido. ¿Ves cómo cambia el carácter? Entonces en este caso, estamos usando EQ para separar estos dos patches, para que suenen más distintamente diferentes entre sí.

Y finalmente, traemos nuestro lead de trance. Este también va a tener EQ, lo borraremos por ahora. Synth 1, inicializar. Vamos a subirlo un poco. Este va a ser diente de sierra. Y luego, para lograr ese sonido gordo y desafinado agradable, usamos nuestra desafinación aquí, y esto duplicará este oscilador y lo desafinará. Agradable, gordo y amplio.

Pero queremos que la cola, cuando soltamos la tecla, sea más corta. Queremos que sea un poco más abrupta. Así que vamos a bajar el release del amp. Y quiero resaltar ese chisporroteo de agudos un poco más. Como nuestro cutoff ya está al tope, usaremos la resonancia para eso. Quiero bajar ese chisporroteo ligeramente, para que sea un poco menos ruidoso y un poco más filoso. Y luego, vamos a agregar algo de esta saturación, este drive de filtro, para darle un poco más de agresividad. Es un patch mono. Y luego, vamos a usar unísono no solo para extenderlo, sino para engrosarlo un poco. Así que lo vamos a activar, e ir con tres voces. Y agregar un poco de grosor subiendo la desafinación.

Esta es como la capa de fondo, así que vamos a bajar el volumen. Tiene reverb, escuchémoslo todo junto. Ahora, voy a apagar el agudo para que solo podamos escuchar el lead principal y este lead de trance. Cuando se agrega el lead de trance, perdemos algo del cuerpo del lead principal, escucha. De repente, ese lead principal, solo escuchas más el corte, el ataque. El filo, digamos. Pero no escuchas ese oomph, ese cuerpo. Eso significa que algo de este lead de trance está enmascarando ese lead principal.

Ahora, si recuerdas, con este lead principal realzamos 450. Así que vamos a entrar al trance y vamos a cortar 450. Vamos a remover ese, ese pedazo de cuerpo de este lead de trance, y eso nos permitirá escuchar el cuerpo del lead principal mucho mejor. Eso era 450. Y lo vamos a cortar. Cuando cortas, siempre quieres estrecharlo un poco.

Así que escucha el lead principal, no el lead de trance, cuando activo y desactivo este EQ. Activado. Es sutil, pero ese lead principal de repente se vuelve un poco más delgado, un poco más ligero. Pierde algo de cuerpo cuando este EQ está desactivado. Entonces de nuevo, estamos usando EQ para separar los dos sonidos.

En este caso, estas tres capas necesitan estar claramente separadas. Así que usamos EQ para cortar diferentes aspectos de ellas, para que todas funcionen bien juntas. Es básicamente una técnica de mezcla que estamos usando en el diseño sonoro. Y eso es todo. Gracias por ver.

Synth Tutorial: Ellie Goulding’s “Lights”

por

En este tutorial de sinte, Joe Hanley, creador de Syntorial, recreará "Lights" de Ellie Goulding en Ableton Live. No olvides que puedes descargar los archivos MIDI, presets de sinte, archivos de audio, archivos de sesión y todo lo demás que necesitarás para seguir el tutorial en casa. Plugins utilizados:

TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO:

Bienvenido. Hoy vamos a recrear el beat de "Lights" de Ellie Goulding. Estoy usando plugins gratuitos tanto para los sintes como para los efectos, así que sin importar el software que uses, podrás seguir el tutorial exactamente igual.

Para descargar los presets, archivos MIDI y archivos de audio, simplemente haz clic en el enlace en la parte superior de este video. Te llevará a la página de Kickstarter de Syntorial. Desplázate hasta la sección de tutoriales en la parte inferior; cada video tendrá un enlace de descarga.

Cuando descargues, obtendrás el bounce del audio, un archivo con enlaces a todos los plugins gratuitos, todo lo que necesitas para recrear cada pista, incluyendo los archivos MIDI y los presets AU o VST, y si
usas Ableton o Reason, las sesiones completas. Para Ableton, solo necesitarás esos plugins gratuitos y todo estará listo para funcionar en cuanto lo abras.

Mientras estés en esa página, echa un vistazo a Syntorial. Es el tutorial de sintetizador definitivo: un software de entrenamiento completamente interactivo que te convertirá en un gurú de la programación de sintes. Empecemos.

Bien, empezando con la batería. Estos drums se hicieron originalmente en Reason y luego se hizo el bounce del audio para traerlos a Ableton, así que tienes el audio del kick, del snare, del hi-hat, etcétera. En las descargas se incluyen todos estos archivos de audio, así como el MIDI original de Reason, así que puedes traer estos archivos de audio como lo hice aquí o puedes importar el archivo MIDI, ver más de cerca cómo son los ritmos y luego reconstruir la batería usando tus propios samples. Tú decides.

Desglosando la batería tenemos: un kick, snare, snare, hi-hat, shaker, floor tom, y luego un fill de mid tom que viene aquí al final. Y luego, dos platillos. Es el mismo sample de crash, solo que en lados diferentes, así que empieza a la izquierda y aproximadamente a la mitad lo oyes de nuevo a la derecha. ¡Esa es la batería!

Ahora tenemos el sinte saltarín, esa cosa que oyes al principio de la canción. El MIDI ya está grabado y por supuesto puedes descargarlo para ver qué notas están
sonando y qué ritmo tienen. Me gusta tener el MIDI grabado y reproduciéndose mientras programo, de lo contrario tienes que tocar el teclado con una mano y programar con la otra, y esto es mucho más fácil. Así que vamos a hacer solo de esto.

El sinte que estamos usando es TAL Noize m4k3r, un buen sinte gratuito VST/AU, Mac/PC. Este es el sonido por defecto, que no se parece en nada a lo que necesitamos. Primero necesitamos múltiples notas, poly. Sin suboscilador.
Y la forma, es como un mazo, una nota corta, así que vamos a bajar el sustain completamente porque ahí es donde queremos que vaya el sonido mientras tocamos, queremos que se desvanezca a cero y queremos que eso suceda bastante rápido. Así que ponemos el decay aproximadamente… aquí.

Eso nos da una nota corta y cuando quieres un sonido tipo mazo, quieres que reaccione igual sin importar si mantienes la tecla presionada o la sueltas, así que haces que el release y el decay sean iguales y ahora responde igual sin importar cómo toques.
Además, el sonido real en la pista es un poco más suave en el attack, así que subimos el attack un poco, solo para suavizarlo.

Bien, ahora volvamos aquí arriba al tono. La nota está demasiado baja, así que la subimos hasta aquí. La forma de onda no es diente de sierra, es pulse y ahora mismo está en cuadrada completa pero en realidad necesitamos algo intermedio. El tipo de filtro es low-pass de 24 dB. Después de experimentar con el sonido, descubrí que este otro low-pass de 24 dB sonaba más preciso.

El cutoff podemos bajarlo bastante para conseguir ese tono redondo y agradable.
¡Y la resonancia! La resonancia es la clave de este sonido, aquí es donde conseguimos ese sonido percusivo muy parecido a un mazo
subiendo la resonancia al máximo. Así mismo. Ahora está empezando a sonar mucho más parecido.

Key tracking. Para quienes no lo sepan, el key tracking básicamente ajusta el cutoff. Lo sube a medida que vas más alto en el teclado y lo baja a medida que vas más bajo. El punto es que sin él, los sonidos agudos sonarán más apagados que los graves que sonarán más brillantes, así que si estás tocando una parte como esta donde tienes notas agudas y graves, quieres tener el key tracking activado para mantener un sonido parejo y redondeado
en toda la parte.

Ese es tu sonido básico, vamos a bajarlo un poco.
Ese es tu sonido de sinte básico. Ahora solo necesitamos un buen delay. Este es el delay por defecto en TAL-DUB, está bastante cerca pero no del todo. El timing está bien, tienes corchea a la izquierda, negra a la derecha. Damping, veamos… un poco más amortiguado. Es muy común amortiguar el sonido del delay para que el sonido fuente sea más brillante al frente y el delay sea un poco más redondeado detrás.

No queremos nada de esta resonancia, un sonido suave y limpio. El feedback, que es cuántas veces se repite el delay... está un poco largo. Lo vamos a cortar hasta aquí y podríamos usar un poco más de ese sonido con delay. Ese es tu delay. Volvamos a traer la batería. Lo último es: para esta pista vamos a tener una reverb en un canal auxiliar para que podamos enviar cualquier pista que queramos.

Este es un preset Church en Ableton pero puedes usar cualquier reverb de sala grande que tengas en tu software. Y vamos a enviar una cantidad bastante generosa... ya sabes, porque añadirá espacio y ambiente. ¡Y ese es el sinte saltarín!

Lo siguiente es el bajo, vamos a usar TAL Noisemaker de nuevo.
Voy a bajarlo un poco antes de empezar porque está muy fuerte. También voy a bajar este sub por ahora. Lo vamos a usar pero todavía no. Lo primero es que voy a subir el segundo oscilador para que coincida con el primero. Entonces... Lo bajamos un poco... y bajamos el pitch del segundo para que coincida con el primero.

Así que ahora tenemos dos formas de onda idénticas al mismo pitch con la misma forma de onda y el mismo volumen. Ahora, lo único que tienes que hacer es desafinar ligeramente el segundo. Eso nos da ese sonido arremolinado, como un efecto de chorus. Ese es más o menos el tono principal aquí.

Luego volvemos a traer el suboscilador para dar los graves.
Ahí está tu bajo. El suboscilador en este sinte es una onda cuadrada. Está configurado así de forma permanente porque esa es la forma de onda de suboscilador más típica. Es simplemente una forma de onda sólida, unos graves agradables y consistentes. Casi siempre uso cuadrada y tengo que hacerlo con este sinte.

Así que esta es una versión brillante del bajo. El bajo empieza brillante pero luego baja a un sonido redondo, como un sonido más oscuro al final. Entonces, configuramos el cutoff donde queremos que llegue. Ese va a ser el punto más oscuro que alcanza al final de cada nota.
Déjame subir el contour, que es la cantidad de envolvente de filtro, hasta donde queremos que empiece el sonido.

Sí, así que queremos que vaya desde ese brillo hacia ese cutoff.
Bajamos el nivel de sustain completamente a cero, que es el cutoff. Y luego subimos el decay hasta... más o menos ahí. Así que empieza un poco más brillante y se vuelve más oscuro. Aparentemente el paso clave es la resonancia. Le da como un efecto de wah. Siempre que tengas una envolvente de filtro en uso, puedes aumentar la resonancia para mostrar realmente lo que hace la envolvente y básicamente darle como un efecto de wah.

Ahora, en cuanto al volumen... lo subimos de nuevo. Y ese es tu sonido de bajo.
Ahora la única diferencia es que esto es muy estrecho en el centro. En la pista real es un sonido más ancho. Así que vamos a usar un delay para ensancharlo.

Ahora en realidad no queremos oír todos estos pequeños delays, así que te mostraré cómo hacerlo ancho sin escuchar delay. Primero, ponlo wet al 100%, no queremos oír el sonido dry, luego vamos a ignorar estos valores sincronizados, vamos a poner el delay izquierdo en nada y vamos a bajar este hasta más o menos aquí.

Si lo bajas demasiado, obtienes sonidos extraños. Si lo subes demasiado, oyes notas separadas. Así que justo ahí. Sin damping, sin resonancia. Feedback: muy poco y el sonido empieza a desaparecer. Demasiado y se retroalimenta, así que listo. Y ahí está tu bajo ancho. Bajo estrecho. Bajo ancho. Ese es el bajo. Así que, en total tenemos:

Así que ahora solo nos falta el sonido de cuerdas, el sonido de cuerdas de sinte, un pad muy básico y común usado en muchas pistas. Voy a bajarlo primero, porque va a estar demasiado fuerte pero si no lo hago... ¡ok! Así que como suena ahora mismo es: notas individuales, para empezar, pero estamos tocando múltiples notas así que tenemos que darle más voces.

Sin suboscilador, eso está un poco mejor. Demasiado bajo así que vamos a subirlo... oh, demasiado alto. Ahí está. Ahora queremos el mismo efecto arremolinado que tenía el bajo, así que activamos un segundo oscilador al mismo volumen que el primero. Ahora, la razón por la que el pitch acaba de subir es porque cuando pones dos formas de onda idénticas una encima de la otra, puede hacer cosas raras.

Mira cómo lo desafino para obtener el sonido arremolinado y el pitch volverá a la normalidad. Ahí está. Así que ahí está nuestro sonido básico. Ahora... Queremos que se desvanezca un poco al final. De esa manera cuando vas de acorde en acorde, se va apagando un poco.

Y ahora mismo estamos usando un low-pass, todo abierto, pero en realidad el sonido tiene tanto algunos de sus agudos como algunos de sus graves recortados. Esto significa que está usando un pase de banda; un pase de banda literalmente recorta algunos agudos y graves, así que cuando lo pones aproximadamente en el punto medio, puedes oírlo. No es súper brillante pero tampoco tiene muchos graves, es una buena manera de adelgazar un sonido.

Ahora en realidad queremos que el sonido empiece brillante y se vuelva oscuro como el bajo, pero queremos que baje completamente si mantienes la tecla presionada el tiempo suficiente. Así que baja hasta nada pero empieza aproximadamente ahí. Así que queremos bajar hasta nada, sustain a cero para coincidir con el cutoff y decay aquí arriba. Perfecto.

Ahora quizás hayas notado que perdimos la cola, aunque nuestro release de amp todavía está arriba, ya no se está desvaneciendo. Eso es porque cuando soltamos la tecla, el cutoff se cierra súper rápido porque el release está en cero. Así que subimos el release para que coincida con nuestro decay. De modo que si sueltas la tecla o mantienes la tecla, no importa qué, el filtro va a operar de la misma manera. Así que ahí está tu sonido básico.

Lo único que falta es algo de reverb. Dale un poco de wet. Te mostraré cómo suena realmente. Le pone mucho espacio alrededor, no necesitamos tanto. Volvemos el volumen a... y esa es la pista completa.

¡Eso es todo! Gracias por ver, haz clic en el enlace en la parte superior de la página para descargar todo lo que necesitas para recrear la pista.
Nos vemos la próxima.

Tutorial de sintetizador: “I Can Only Imagine” de David Guetta

por

En este tutorial de sinte, mira a Joe Hanley, creador de Syntorial, recrear "I Can Only Imagine" de David Guetta desde cero. También puedes descargar los presets de sinte, archivos MIDI, audio y la sesión de Ableton. Los plugins usados en este video son:

TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO

Bienvenido, hoy vamos a recrear "I Can Only Imagine" de David Guetta. Estoy usando plugins gratuitos para todos estos sintes, así que cualquiera puede descargar estos plugins además de los presets y archivos MIDI y recrear la pista en cualquier software que uses.

Para descargar todo esto, solo haz clic en el enlace en la parte superior de esta página. Te llevará a la página de Kickstarter de Syntorial. Si bajas hasta el final, verás algunos videos tutoriales incluyendo este y algunos otros, cada uno con un enlace de descarga arriba, que te dará los presets en... Bueno, déjame mostrarte. Obtendrás esto. Tendrás el archivo de audio de toda la pista. Para los usuarios de Ableton aquí está la sesión lista para usar. Pero si no tienes Ableton, solo abre esta carpeta de pistas y verás que tienes el archivo MIDI y el preset para VST incluido ahí, así puedes crearlo en cualquier software que uses.

Mientras estés en la página de Kickstarter de Syntorial, echa un vistazo a Syntorial. Es el tutorial de sintetizadores definitivo. Un software de entrenamiento completamente interactivo que te convertirá en un gurú de la programación de sintes. Así que si quieres ser capaz de hacer lo que estoy haciendo aquí, recrear cosas de oído, este software te dará esa habilidad. Comencemos.

Empezando con la batería, tenemos... El bombo. Tarola. Palmas. Hi-hat. Y luego, de vez en cuando, hay este crash muy lavado. Y luego tienes este redoble de chasquidos antes de cada tarola. También podrías usar palmadas bien apagadas, mientras uses un redoble de ellas en fila. Y esa es la batería.

Siguiente, el Bendy Synth. Este es probablemente el sinte más reconocible de la pista. Vamos a usar Synth 1 para esto, un buen sinte VST gratuito. Primero, voy a inicializar el sonido, este es un preset que hice, es solo una configuración muy básica. Es un buen punto de partida para diseñar un sonido.

Hazle solo. Ahora escuchas como un 'gon, gon gon', escuchas como dos notas superpuestas. Configúralo para que cuando cambies a modo Legato, se empujen una contra otra, de esa forma cuando activemos Portamento, esas notas superpuestas que sonaban bien desordenadas antes, ahora crean un bonito efecto de bend.

Y activaremos auto, para que solo ocurra cuando realmente toquemos Legato. Cuando conectamos las notas el Portamento entra, si no conectamos las notas, Portamento no entrará. Ahora queremos un poco más de cola en este sonido. Le da un poco de duración. Llena más espacio. El primer oscilador debe ser una diente de sierra. Suboscilador, también una diente de sierra, vamos a subirlo al máximo, para que los graves realmente tomen control del sonido.

El segundo oscilador, voy a mezclarlo al 100% para que lo escuches. Perdón, el tercer oscilador. Vamos a subir el tono de este una octava y mezclarlo de vuelta para que sea... Uno de los aspectos más notables, quieres que los agudos resalten un poco.

Siguiente, el filtro, pase-bajo 24, vamos a bajar el cutoff. Ese es el punto más oscuro que queremos que alcance el sonido, pero esto tiene una envolvente de filtro, puedes escucharlo empezar brillante e ir bajando, así que vamos a usar la envolvente de filtro. Sube la cantidad, eso establece dónde comienza, el attack brillante pero queremos que caiga hasta el cutoff, así que nos aseguramos de que el sustain esté completamente en cero, porque sustain en cero equivale a tu cutoff. Y queremos que el barrido hacia abajo sea un poco más rápido, queremos que el decay sea más rápido, o perdón, más lento. Así que llévalo a 76.

Y el release, ajústalo así también, por si soltamos una nota antes de tiempo, que el filtro siga bajando a la misma velocidad. Por último, dale algo de resonancia.

Si te fijas, mantengo Key Tracking desactivado, eso es porque si hago bend hacia arriba en el tono, y luego toco una nota nueva, como hace Portamento, tendría un efecto raro en el cutoff, te lo muestro. Mira mientras hace bend hacia arriba. Después del bend, la nota siguiente, ¡súper brillante! Suena medio antinatural y extraño. Sin eso, es un poco más suave, así que nada de key tracking para esto.

Siguiente, queremos esto grande, ancho y difuminado. Activa algo de Unison, agrega una tercera voz, y realmente desafínala, ese Unison. Aquí es donde obtienes esa inestabilidad genial, la intensidad viene de la desafinación del unison. Y luego extiéndelo. Luego para hacerlo aún más difuminado y con remolino, agrega algo de chorus y súbelo.

Ahí está tu sonido básico, pero queremos darle más attack, queremos tener un transitorio de ataque más marcado. Entonces, ya tenemos un decay corto y bonito para darnos esto, pero la envolvente de amplitud sostiene todo el camino arriba, lo que significa que el decay no está haciendo nada, vamos a extender este decay bastante más.

Así escuchas el transitorio de ataque, el frente de este sonido realmente salta. Ahora debido a lo que acabamos de hacer, el volumen percibido del sonido bajó mucho, así que vamos a arreglarlo subiéndolo. Trae los otros tambores. Y ese es tu Bendy Synth.

Siguiente, tenemos el Bass Synth. Para esto, vamos a usar TAL-Noisemaker. Este es quizás uno de los patches de sinte más simples jamás creados. Solo tiene una forma de onda, así que no vamos a usar un suboscilador. Y esto también usa portamento, más o menos como lo hizo el Bendy Synth, así que queremos subir el tiempo de portamento hasta... aquí. Y activa auto para que suceda cuando toques Legato.

Entonces, cuando subes es una nota Legato. Ahí está nuestro Portamento, ya está configurado a diente de sierra. Ahora todo lo que tienes que hacer es bajar el cutoff del filtro de 24dB. Y eso es todo. Escuchémoslo con... La batería. Está como entre los bombos. Y luego el Bendy Synth. Y ese es el bajo.

Por último, tenemos unos pequeños Blippy Synths a los lados de la mezcla. Para esto también vamos a usar TAL-Noisemaker. Entonces, sin suboscilador. Y queremos hacer este sonido muy corto, así que baja el sustain del amp completamente a cero, y sube el decay un poquito, release igual, por si acaso. Así, ahora sin importar cómo toques este sonido, solo va a ser esta notita cortita.

Vamos a cambiar a un pase-bajo de 12dB. Esto te da, tiende a ser un sonido más brillante. Honestamente, con leads, bajos tiendo a usar pase-bajo de 24dB, y luego con pads y otras cosas, uso 12dB, suena así, sabes, solo experimento entre los dos, pero en general, obtienes un sonido como más delgado, no más delgado sino más brillante, una especie de sonido más brillante con 12dB, con 24 obtienes más un sonido moldeado. Entonces, cuando quieres que algo realmente corte y tenga forma seria y cuerpo, uso 24. Cosas que son un poco más ligeras, quieres que suenen más naturales, un poco más brillantes, 12dB, pero realmente, solo experimentas, cambias entre los dos hasta que obtienes el sonido correcto.

En este caso, estamos usando 12dB, vamos a bajar el cutoff hasta el punto más oscuro que queremos que sea el sonido, y luego vamos a usar la envolvente para moldearlo, así que vamos a subir al máximo el contour. Entonces el inicio del sonido es su momento más brillante, queremos que baje hasta este punto oscuro que dijimos, con el contour. Así que ponemos nuestro sustain completamente en cero, para que sea igual al cutoff. Y luego, sube. Ahí vas. Ajusta el release igual al decay.

Así que ahora, mueve el filtro hacia abajo muy rápido, de más brillante a muy oscuro. Le da solo un poquito de forma. Ahora ese es tu sonido básico de sinte. La única diferencia es que está en los lados izquierdo y derecho de la mezcla, es un sonido muy ancho, así que vamos a traer un delay y usarlo para hacer este sonido ancho, ahora para hacer esto, vamos a ponerlo 100% ancho, para que todo lo que escuchemos sea el sonido del delay. No queremos nada de amortiguamiento ni resonancia, para que el sonido natural pase completamente a través del delay.

Siguiente, vamos a bajar el feedback, te muestro por qué en un segundo. Veamos, todo el camino abajo hasta más o menos aquí. Volvemos a eso. Ahora, vamos a poner estos tiempos de delay en manual, el izquierdo, cero, así este sonido simplemente pasa sin que nada le pase al lado izquierdo, y el lado derecho, quieres bajarlo hasta que suene como un solo sonido. Ahora, volviendo al feedback. Eso es lo que pasa si el feedback está muy alto. Entonces, quieres bajarlo lo suficiente, mucho y pierdes el sonido, así que justo la cantidad correcta. ¡Ahora es estéreo!

Trae todo lo demás de vuelta. Aquí está el bajo. Y luego, la pieza central. Y luego, agregamos un poco de compresión de bus, un poco de Mix Gel, como lo llama Ableton. Esto empezó como un preset que seleccioné: Mix Gel, pero luego tienes que ajustar el attack release threshold, realmente lograr que empiece a pegarse y pulsar un poco. Y luego, para hacer esto fuerte, simplemente Brick Wall. Y hace que bombee aún más. Creo que tengo una cantidad bastante severa de compresión. Suena bien, así que...

¡Y eso es todo! Una vez más, para descargar todos los archivos MIDI y presets, haz clic en el enlace en la parte superior de este video, te llevará a la página de Kickstarter de Syntorial, baja hasta el final aquí, donde verás un montón de videos tutoriales, incluyendo este, y haz clic en el enlace arriba de cada video para descargar todas las bondades que vienen con él. Y mientras estés ahí, echa un vistazo a Syntorial, de nuevo, si quieres ser capaz de hacer lo que estoy haciendo, programar todos estos sonidos de oído, entonces este programa te dará esa habilidad, te entrenará para convertirte en un gran programador de sintes. ¡Gracias por ver!

"Rather Be" de Clean Bandit - Tutorial de Sinte

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Mira a Joe Hanley, el creador de Syntorial, mientras recrea el patch de sinte principal de "Rather Be" de Clean Bandit. El video incluye información valiosa sobre cómo finalizar un patch de sinte y hacer que un sonido simple sea interesante. No olvides descargar los presets y archivos MIDI. Software y plugins utilizados:

TRANSCRIPCIÓN DEL VIDEO

Hoy vamos a ver cómo recrear el patch de sinte principal de Rather Be de Clean Bandit. Este patch es bastante simple en sí mismo, pero es una gran lección sobre cómo tomar algo muy simple y básico y hacerlo interesante, lo cual es importante cuando se trata de un sonido protagonista. En este tema, aparece solo en algunos momentos, o está únicamente con la voz. Así que tiene que ser interesante cuando lo usas como sonido destacado. Y esta es una gran lección sobre cómo tomar algo simple y hacerlo interesante.

Antes de empezar, quiero contarte rápidamente sobre Syntorial. Syntorial es un software de entrenamiento similar a un videojuego que te enseña a programar patches de sinte de oído. Lo diseñé para darte las habilidades que estoy usando en este video: tomar un sonido que escucho en mi cabeza o un sonido que escucho en un tema y recrearlo.

Lo hace combinando videos demostrativos con retos interactivos en los que programas patches en un soft synth integrado. Y puedes probarlo gratis: solo haz clic en el enlace que aparece en tu pantalla ahora, te llevará a nuestro sitio donde puedes descargar la demo gratuita.

Entonces, Rather Be, aquí está el patch. Simple pero muy tocable, y hay muchos detalles que lo hacen interesante. Lo primero que voy a hacer es eliminar todo excepto el sinte.

Estoy usando Synth1 y puedes descargar estos plugins —todos son gratuitos. Puedes descargarlos desde los enlaces que aparecerán en la pantalla cada vez que los abra. Y vamos a empezar inicializando el sinte. Ahora, creé un patch inicializado, y puedes descargar ese patch inicializado junto con todos los presets usados en este tutorial haciendo clic en el enlace que aparece en tu pantalla ahora.

Te llevará a nuestra página de tutoriales en el sitio de Syntorial y podrás descargar todo eso junto con el archivo MIDI. Así que si tienes curiosidad sobre qué notas hay aquí y cómo se toca, puedes usar el archivo MIDI para verlo en detalle. Después de instalar el patch inicializado, puedes seleccionarlo aquí. Y ahora suena así, ¡Ups! Perdón. Tengo que salir de ahí, listo.

Es solo una diente de sierra simple y ya estamos en modo poli. Así que tenemos varias voces, más que suficientes. Vamos a cambiar a una onda sinusoidal y ya casi llegamos. Ahora hay un par de ajustes pequeños que debo hacer a la envolvente de amplitud.

Quiero poner el sustain en cero porque queremos que el sonido desaparezca, que se corte sin importar si mantenemos una tecla presionada o la tocamos brevemente; siempre queremos una nota corta para esto. Así que ahora tenemos esto. Es un poco demasiado corta. Voy a aumentar el decaimiento y el release solo un poquito.

Sabes, porque lo interesante es que el release es obvio, solo es cuánto tiempo suena, pero en estos intervalos cortos, estos pequeños ajustes pueden marcar la diferencia entre un sonido lleno y uno pequeño. Solo con extenderlo un poco, obtenemos un poco más de cuerpo, un poco más de duración, y simplemente le da a nuestro sonido un poco más de plenitud.

Así que aquí está nuestro patch básico. Estarías bien simplemente usándolo así. Es muy tocable. Suena lindo. Pero nuevamente, quieres hacerlo interesante. Tiene que tener algo especial si va a ser un patch protagonista. Así que hacen varias cosas aquí.

La primera es que usan un LFO para hacer que suene un poco desafinado, medio inestable, casi como cuando escuchas un tocadiscos, cuando hay un pequeño fallo en el disco y escuchas que todo baja de tono y vuelve a subir. Queremos darle ese tipo de bamboleo inestable. Así que activamos el LFO y queremos rutear hacia el tono del oscilador uno, que ya lo está. Aquí está el oscilador uno y dos. Está bien, no estamos usando el dos.

Y luego cuando aumentas la cantidad solo un poco, si nos excedemos va a sonar demasiado loco. Obviamente eso es demasiado. Así que queremos algo sutil. Queremos poder escuchar el cambio de tono, pero aún queremos escuchar las notas.

Y luego queremos reducir la velocidad un poco porque ahora suena demasiado errático. Así que ahora comparemos LFO apagado. Y encendido. Le hemos dado personalidad con esto. Hemos tomado algo simple y básico que no tiene nada especial y le hemos dado un poco de personalidad haciendo que el tono sea un poco inestable.

Ahora queremos darle algo de actitud. Queremos agregarle variación. Y vamos a usar overdrive para eso. Hay muchos plugins de overdrive, distorsión y wave shaping gratuitos por ahí. Pero los que estaba usando no me gustaban. Muchos de ellos dan, junto con el crunch, también un ruido blanco feo, lo cual nunca me gustó. Así que busqué de nuevo y encontré uno que me gusta mucho llamado TubeDriver hecho por Nick Crow Lab.

Y te da esa distorsión cálida agradable, ese crunch sin agregar ese ruido áspero. Por defecto ya suena bien. Es sutil pero es un lindo calentamiento sutil y distorsión sutil. Pero vamos a ajustarlo un poco aquí. Ahora voy a apagar esto por un segundo. Una cosa que olvidé mencionar.

Puedes notar que cada vez que se toca una nota, escuchas un pequeño "tt", un ruidito de clic. Solo un pequeño "tt". Esto pasa mucho con los sintes cuando están tocando ondas sinusoidales: al comienzo de cada nota escuchas ese pequeño transitorio de ataque.

A menudo puedes eliminarlo simplemente aumentando el ataque de amplitud solo un poco, pero en su caso les gustó, así que lo dejaron y lo usaron como el transitorio de ataque. Nosotros en realidad queremos aumentarlo. Queremos hacerlo más fuerte. Así que todo lo que tenemos que hacer es realzar los agudos y TubeDriver tiene un EQ incorporado, un high shelf. Así que vamos a activar esto. Vamos a usar el rango de un kilohertz. Realmente queremos realzar bastante los agudos y escucha el sonido de clic mientras subo esto.

Ahora, como aumentamos tanto el volumen de los agudos, empujó aún más el drive. Así que tenemos más crunch, más distorsión. Pero lo queremos aún más. Así que vamos a aumentar la perilla de drive un poco. Puedes escucharlo especialmente con los acordes: cuando tocas más notas, más señal estás empujando al overdrive. Así que vas a obtener un poco más de distorsión.

Ahora también teníamos demasiado volumen, así que estamos saturando, entonces vamos a bajar el volumen aquí. Muchas veces cuando agregas drive, obtienes un aumento en el volumen, así que simplemente puedes compensar el volumen ahora.

Lo último que tenemos es esta perilla de bias. La mejor manera de aprender qué está haciendo esto es probar los extremos. De hecho, si tienes curiosidad sobre qué hace una perilla o un botón o lo que sea, lo mejor que puedes hacer para descubrir qué le está haciendo a tu sonido es siempre probar los extremos: súbelo al máximo, bájalo al mínimo y escucharás las diferencias y qué está haciendo realmente esta cosa.

Girémoslo todo hacia la izquierda. Casi le da como un sonido de steel drum, un tono algo metálico. Todo hacia la derecha, básicamente eso desaparece. Obtenemos un sonido de overdrive mucho más puro con el bias al máximo. Y eso es lo que queremos con este.

Ahora, este efecto de steel drum sería genial si quisieras agregar algo de personalidad. Pero ya tenemos personalidad con ese bamboleo del LFO. Así que vamos a poner el Bias al máximo para obtener un overdrive lindo, puro y limpio. Sin. Es como limpio, discreto.

Esto está bien, lo trae hacia adelante, lo hace un poco más agresivo, nos da algo de actitud. Y ahora cuando tocas acordes es un poco crunchy, las notas individuales son un poco más limpias. Es solo variación en el sonido.

Ahora vamos a quitarle algo de pesadez. Está un poco abultado. Con EQ puedes usar cualquier EQ que quieras. Yo fui con 711 Hertz, menos 5.16 dB. Y luego cuando hago el corte, me gusta estrechar el corte un poco, así que aumenté el Q hasta aquí.

Comparemos apagado, encendido. Simplemente quita algo de esa pesadez. Esa es una elección estética. Y por lo que sé, el ingeniero de mezcla pudo haberlo hecho porque tal vez estaba interfiriendo con la voz, quién sabe, pero solo estoy tratando de imitar ese patch lo más posible. Y me gusta. Quitamos algo de esa pesadez, lo limpia, lo adelgaza un poco, pero no quita demasiado cuerpo ni graves.

Y por último queremos darle vida a este patch. Así que vamos a usar reverb para eso. Voy a usar este plugin gratuito Ambience y por defecto el dry está en cero. Así que solo estamos obteniendo wet. Llevemos nuestro dry de vuelta al 100% y no queremos tanto wet. ¡Ups! Ahora mismo está extremadamente wet. Así que lo vamos a bajar a aproximadamente la mitad por ahora; más adelante lo vamos a bajar aún más, pero lo voy a dejar aquí arriba para que puedas escuchar qué está pasando.

Primero quiero hacerlo más largo. Quiero que esa reverb suene un poco más tiempo. Y luego quiero reducir la sala un poco, solo para hacer el tamaño general de la reverb un poco más pequeño. Luego lo queremos totalmente extendido a izquierda y derecha. Aprovechar realmente nuestro campo estéreo con este. Si estás usando auriculares puedes escuchar la diferencia, ahora está lindo y ancho.

Y luego esta reverb tiene mucho espacio. Está ocupando toneladas de nuestra mezcla y hay muchos graves embarrados y difusos. Así que queremos cortar eso con un EQ y esta reverb tiene un EQ incorporado. Lo primero que voy a hacer es simplemente bajar nuestro corte low-shelf al máximo. Eso ayuda pero queremos cortar aún más. Así que voy a aumentar la frecuencia para que estemos cortando más, más de los graves. Ahí vamos.

Voy a comparar la diferencia entre el corte lowshelf con y sin. Ese "oooh", esos graves se fueron ahora. Suena mucho más limpio, pero todavía tenemos la sala grande y linda alrededor. Ahora queremos que esto sea mucho más sutil. Así que vamos a bajar bastante nuestro wet gain.

Comparemos apagado. Encendido. Es sutil pero le da vida. Porque los sintes, particularmente los soft synths, cualquier sinte que conectes directamente, no tienen sala alrededor. No tienen tamaño alrededor. Son sonidos muy estériles. Cuando agregas un poco de reverb, incluso solo un poquito como esto o delay, de repente le pone espacio alrededor. Le agrega vida.

Entonces el LFO le da personalidad, el drive le da actitud y variación, y la reverb nos da vida. Y eso es todo. Gracias por mirar.