Phantoms Can’t Hang

In diesem Synth-Tutorial siehst du Joe Hanley, den Entwickler von Syntorial, dabei zu, wie er den Synth-Lead aus „Phantoms Can't Hang" nachbaut. Das Video enthält wertvolle Infos über das Layering von Synth-Patches und den Einsatz von Sounddesign beim Aufbau eines Tracks. Vergiss nicht, herunterzuladen . Verwendete Plugins und Software:

• Synth1
• Ableton Live
• Magnus Ambience

VIDEO-TRANSKRIPT

Okay, heute schauen wir uns den Synth-Lead aus Deadmau5s „Phantoms Can't Hang" an. Das ist ein interessanter Lead, weil er durch den Großteil des Tracks läuft, sich aber verändert – er durchläuft nämlich vier verschiedene Phasen. Die Noten bleiben gleich, aber der Klang selbst verändert sich in Layern – eine wirklich spannende Sache.

Bevor wir loslegen, möchte ich dir kurz etwas über Syntorial erzählen. Syntorial ist eine Lernsoftware im Videospiel-Stil, die dir beibringt, Synth-Patches nach Gehör zu programmieren. Ich habe sie speziell entwickelt, um dir die Fähigkeit zu geben, das zu tun, was ich in diesem Video mache: einen Song, den du im Kopf oder auf einem anderen Track hörst, nachzubauen.

Das geschieht durch eine Kombination aus Video-Demonstrationen und interaktiven Challenges, in denen du über 700 Patches auf einem integrierten Softsynth programmierst. Du kannst die ersten 22 Lektionen kostenlos mit unserer Demo ausprobieren – klick einfach auf den Link, der gerade auf dem Bildschirm erscheint.

Jetzt zu „Phantoms Can't Hang". Wie gesagt, der Lead durchläuft vier verschiedene Phasen. Fangen wir also hier an. Er startet mit diesem Sound. Das wiederholt sich eine Weile, bis es schließlich durch eine aggressivere Version ersetzt wird. Diese wiederholt sich, und dann wird ein Layer eine Oktave höher hinzugefügt. Und dann kommt der Trance-Lead dazu.

Wir fangen also mit diesem ersten Lead hier an. Diesem hier. Dafür verwenden wir Synth 1. Synth 1 ist ein kostenloser Synth, den du über den Link herunterladen kannst, der gerade auf deinem Bildschirm erscheint. Er ist als VST für Mac und PC verfügbar, und sie haben gerade eine Audio-Unit-Version für euch Logic-User rausgebracht. Klick also einfach auf den Link und lade ihn dir dort herunter.

Unser erster Schritt ist die Initialisierung. Ich habe diesen initialisierten Patch erstellt. Du kannst ihn jetzt herunterladen, zusammen mit allen anderen Patches und den MIDI-Dateien dafür – über den Link, der gerade auf deinem Bildschirm erscheint. Er führt dich zu einer Seite mit diesem Video und dem Download-Link. Und wenn du dort bist, kannst du unseren Newsletter abonnieren, dann leiten wir dich zu einer neuen Seite weiter, auf der du dieses Tutorial findest, zusammen mit vielen anderen Video-Tutorials, interaktivem Material und jeder Menge Synth-Schätzen. Meld dich also für den Newsletter an, während du dort bist.

Wir haben also unseren initialisierten Sound. Er ist etwas laut, also drehe ich ihn erst mal runter. Und du hörst wahrscheinlich etwas reverb. Ich habe hier einen reverb als Send-Effekt eingerichtet. So kann ich alle diese Leads nehmen und sie zu diesem reverb schicken. Ich schalte ihn jetzt erst mal aus. Ich komme gleich wieder auf den reverb zurück. Hier ist jetzt also unser echter Roh-Sound.

Erst mal das Wichtigste: Wir wollen eine andere Wellenform. Wir wollen schon die Pulswelle, aber mit voller Rechteck-Breite. Und dann – dieser Sound startet brillant, wenn du eine Note anschlägst, und wird bis zum Ende der Note dunkel. Dafür verwenden wir eine Filter‑Hüllkurve.

Zuerst stellen wir unseren cutoff auf den dunkelsten Punkt, also das Ende der Note – ungefähr hier. Aber wir wollen, dass es brillant startet. Dafür nutzen wir den Filter‑Hüllkurven-Betrag. Der bestimmt den Anfang unseres Sounds, den hellsten Punkt. Und unser sustain – wenn wir ihn ganz runterdrehen, führt die Filter‑Hüllkurve uns bis ganz runter zum cutoff. Null sustain entspricht unserem cutoff.

Wenn wir das jetzt auf null stellen, startet unser Sound bei diesem Filter‑Hüllkurven-Betrag und geht so runter bis zu unserem cutoff. Wir wollen, dass diese Abwärtsbewegung schneller geht, weil wir einen richtig schönen, schnellen Pluck-Sound wollen. Also machen wir den decay schneller. Jetzt haben wir diesen Pluck-Transienten erstellt. Ich drehe es mal etwas lauter, denn wenn man den cutoff senkt, wird's ziemlich leise. Lass uns mal hierhin gehen. So, passt.

Eine interessante Sache beim tatsächlichen Patch im Deadmau5-Track sind die höheren Noten. Diese hier oben sind brillanter als die tieferen Noten. Ein Tiefpass macht normalerweise das Gegenteil: Tiefe Noten werden brillanter, hohe Noten dunkler. Mit key tracking können wir diesen Effekt umkehren. Aber in diesem Fall kehren wir es nicht nur um, um's auszugleichen – wir gehen noch weiter und machen die höheren Noten brillanter und die tieferen Noten dunkler. Ich drehe key tracking also voll auf. Und jetzt ist unsere höchste Note brillanter als unsere tiefste.

Leider hat das jetzt alles aufgehellt. Unsere höheren Noten sind zwar brillanter als die tieferen, aber es hat alles aufgehellt, auch die tiefen Noten. Das müssen wir kompensieren, indem wir die Frequenz senken, den cutoff runterziehen. Jetzt haben wir, wonach wir suchen. Vorher hatten wir das hier: Die tiefen Noten klingen super, aber die hohen sind nicht brillant genug. Das hier aufdrehen, das hier runterziehen. Jetzt. Nur die höheren Noten sind brillanter geworden.

Dann fügen wir noch etwas Resonanz hinzu, um ihm ein bisschen Biss zu geben. Den Sound rausholen, ihn sozusagen ein Stück nach vorn schieben. Etwas Resonanz hinzuzufügen ist eine tolle Methode, um einen Sound sozusagen zu entflatten – ihn präsenter zu machen, im Mix nach vorn zu bringen.

Und dann wollen wir die Note etwas kürzer abschneiden – sie klingt ein bisschen zu lange aus. Also ziehen wir unseren AMP-sustain ganz runter. Okay, das ist zu viel. Ich verlängere den decay etwas. So, passt. Vorher war's so. Jetzt ist's so – wir haben einfach ein Stückchen vom Ende abgeschnitten. Das ist ein Mono-Patch. Und dann wollen wir ihn verbreitern. Also schalten wir Unisono ein und drehen spread voll auf.

Wie in Deadmau5' Track bewegt sich der Sound jetzt ganz dezent zwischen links und rechts, und das erreichen wir mit dem spread-Unisono. Aber es passiert ziemlich schnell. Das klingt etwas hektisch. Also verlangsamen wir's, indem wir den detune-Betrag reduzieren. Perfekt.

Jetzt wollen wir den reverb wieder reinbringen. Ich erhöhe also diesen Send. Ich übertreib's mal, damit du den reverb wirklich hören kannst. Der reverb, den ich benutze, heißt Ambience. Noch ein kostenloses Plugin. Ich lösche es mal und lade ein neues, damit ich es von Grund auf gestalten kann. Und alles, was ich gemacht habe, war eine kleine Änderung. Hier ist er im Standard-Zustand. Er ist zu kurz. Also erhöhe ich einfach die Zeit. Und dann wollen wir nicht so viel wet. So, passt. Es ist also ein langer reverb, aber nicht wirklich, wirklich nass – eher irgendwie in der Ferne. Unser Sound sollte vorn noch schön trocken sein, mit diesem langen Reverb-Schweif im Hintergrund.

Als Nächstes haben wir den etwas aggressiveren Lead. Kommen wir zurück dazu. Und initialisieren ihn. Hier ist unser Roh-Sound. Drehen wir ihn erst mal etwas auf. Bei diesem verwenden wir auch eine Pulswelle, aber nicht als volles Rechteck. Auch hier wollen wir brillantere Noten oben, dunklere unten.

Also drehen wir key tracking gleich voll auf. Und wir wollen auch, dass dieser brillant startet, mit einer Filter‑Hüllkurve, und dann dunkler wird. Aber wir wollen, dass er so dunkel wird, dass wir ihn gar nicht mehr hören. Wir nutzen die Filter‑Hüllkurve also quasi wie eine Amplituden‑Hüllkurve – wir schneiden den Sound damit ab. Wir fangen also bei ungefähr dieser Helligkeit an. Und wenn wir ganz bis zum cutoff runter wollen, müssen wir sustain auf null stellen.
So, passt. Und übrigens haben wir auch hier reverb drauf, du kannst ihn im Hintergrund hören. Wir haben auf allen diesen Leads reverb. Und es ist derselbe reverb, den wir für alle vier Leads verwenden.

Dann wollen wir, dass dieser etwas länger ist – ihm etwas mehr Körper geben. Es ist subtil. Aber es ist da. Mach release genauso lang wie decay. Das gibt ihm einfach etwas mehr Länge. Jetzt klingt's noch überhaupt nicht danach. Also nutzen wir Filter-Sättigung, was im Grunde so was wie overdrive ist. Wenn du diesen Filter hart genug antreibst, fängt er an zu übersteuren und verzerrt auf angenehm warme Art. Hör mal. Da kommt unsere Verzerrung her.

Möglicherweise nutzt er ein echtes Distortion- oder Overdrive-Plugin, aber wenn du den Filter direkt im Synth übersteuren kannst, ist das schön – meistens ein schöner, warmer Overdrive-Effekt.

Auch hier haben wir wieder einen Mono-Patch, nur eine Note gleichzeitig. Und wir nutzen Unisono wie beim letzten Mal, um ihn zu verbreitern. Also Unisono, bei zwei Stimmen bleiben, spread voll aufdrehen. Und dann erhöhen wir detune ein bisschen, um ihn etwas zu verdicken. Je mehr detune du auf einen Patch gibst, desto fetter wird der Effekt normalerweise. Wir brauchen nicht viel mehr.

Wir wollen's nicht übertreiben. Aber ich erhöhe es noch ein kleines bisschen. Es ist subtil, aber es gibt ihm etwas mehr Action, etwas Pulsieren, etwas Fülle. Und dann ziehe ich die Lautstärke runter. Eigentlich, ich ziehe sie hoch. Da haben wir's. Der reverb ist schon drauf.

Der letzte Unterschied ist, dass der Patch im Track etwas mehr Wumms hat – ein bisschen mehr untere Mitten. Ich hole also einen EQ rein, du kannst dafür irgendeinen EQ nehmen. Und ich booste bei 450. Hör dir mal den Unterschied an, mit und ohne. Mit. Ohne. Gibt ihm einfach ein bisschen mehr Ooh-Ooh.

Und dann schneide ich ganz unten was weg. Das kann deinen Sound manchmal straffen, und ist super fürs Mixen. Wenn du den Tieftonbereich loswirst, den du nicht brauchst, wird der Mix sozusagen etwas aufgeräumter. Also machen wir's zu einem Shelf. Ziehen das ganz runter. Und da. Und dann erhöhen wir das hier, weil wir ziemlich abrupt abschneiden wollen, wie du siehst. Wir müssen einfach diesen unteren Brocken abschneiden.

Aber wir wollen diesen Buckel nicht beeinflussen, den wir hier hinzugefügt haben. Wir geben ihm also etwas Wumms und straffen ihn gleichzeitig ein bisschen. Da ist also dieser Sound.

Der nächste Sound ist im Grunde derselbe Sound, nur eine Oktave höher. Ich kopiere also einfach diesen Synth. Verschiebe ihn dahin. Dieses MIDI hier ist genau wie dieses, nur eine Oktave höher. Was wir also kriegen, ist das. Und wenn du die beiden zusammen nimmst – jetzt gibt's ein paar Unterschiede.

Für diesen höheren wollen wir die Lautstärke reduzieren – er soll nicht so laut sein. Er muss der Layer sein, nicht der Haupt-Sound. Der tiefere ist unser Haupt-Sound. Gut. Wir wollen, dass er etwas länger ausklingt als der tiefere. Das ist ein toller Trick: Wenn du willst, dass ein leiserer Sound besser hörbar ist, ohne ihn einfach lauter zu drehen, erhöhst du einfach sein Ende. Verlängere ihn, und er klingt dann ein bisschen länger aus als der andere.

Ich erhöhe also filter-decay und -release ein kleines bisschen. Jetzt ist er immer noch leiser, aber wir können ihn viel besser hören, nur indem wir ihm ein längeres Ende geben. Und dann bearbeiten wir ihn auch mit EQ. Denn gerade jetzt hörst du, wenn er reinkommt, nicht nur das hohe Ende, sondern er verändert auch den tieferen Patch – hör mal. Den tieferen Patch für sich allein zu hören wird schwieriger, sie sind sozusagen zusammengemischt.

Wenn du genau das willst, wäre das perfekt. Aber wir wollen das nicht. Wir wollen, dass dieser höhere kleiner und getrennt ist. Ich schneide also einen großen Brocken vom Tieftonbereich ab, mit einem Shelf, drehe es runter und gehe bis ganz nach – ungefähr – hier. Und passe es an. Ziemlich steil. Und jetzt, ohne den hohen Lead. Wenn ich ihn reinbringe, verändert er nicht den tieferen Patch. Er bleibt stärker getrennt. Ohne EQ. Hör mal, was mit dem tieferen Patch passiert, wenn ich den EQ ausschalte. Hier ist er an. Siehst du, wie sich der Charakter ändert? In diesem Fall nutzen wir also EQ, um diese beiden Patches zu trennen, damit sie deutlicher unterschiedlich voneinander klingen.

Und zum Schluss bringen wir unseren Trance-Lead rein. Der kriegt auch EQ, aber wir löschen ihn erst mal. Synth one, initialisieren. Drehen wir's etwas auf. Der wird eine Sägezahnwelle. Und um diesen schönen, fetten, verstimmten Sound zu kriegen, nutzen wir hier unser detune, und das wird diesen Oszillator doppeln und verstimmen. Schön fett und verschmiert.

Aber wir wollen, dass das Ende, wenn wir die Taste loslassen, kürzer ist. Wir wollen, dass es etwas abrupter ist. Also drehen wir unser AMP-release runter. Und ich will das obere Zischen etwas mehr rausholen. Da unser cutoff schon ganz oben ist, nutzen wir Resonanz dafür. Ich will das Zischen leicht runterziehen, damit's etwas weniger nach weißem Rauschen klingt, etwas mehr nach Kante. Und dann fügen wir etwas von dieser Sättigung hinzu, diesen Filter-Drive, um ihm etwas mehr Aggressivität zu geben. Es ist ein Mono-Patch. Und dann nutzen wir Unisono, nicht nur um ihn zu verbreitern, sondern auch um ihn etwas zu verdicken. Wir schalten es also ein und nehmen drei Stimmen. Und fügen etwas Fülle hinzu, indem wir detune aufdrehen.

Das ist quasi der Hintergrund-Layer, also ziehen wir die Lautstärke runter. Reverb ist drauf, lass uns das alles zusammen hören. Jetzt schalte ich den hohen aus, damit wir nur den Haupt-Lead und diesen Trance-Lead hören. Wenn der Trance-Lead hinzugefügt wird, verlieren wir etwas vom Körper des Haupt-Leads, hör mal. Plötzlich hörst du vom Haupt-Lead mehr das Abschneiden, das Attackieren. Die Kante sozusagen. Aber du hörst nicht mehr dieses Ooh, diesen Körper. Das heißt, irgendetwas von diesem Trance-Lead maskiert den Haupt-Lead.

Wenn du dich erinnerst: Beim Haupt-Lead haben wir bei 450 geboostet. Wir gehen also in den Trance-Lead und schneiden bei 450. Wir entfernen diesen Brocken Körper aus diesem Trance-Lead, und das lässt uns den Körper des Haupt-Leads viel besser hören. Das war also 450. Und wir schneiden es ab. Wenn du absenkst, willst du's immer etwas schmaler machen.

Hör also auf den Haupt-Lead, nicht auf den Trance-Lead, wenn ich diesen EQ ein- und ausschalte. An. Es ist subtil, aber der Haupt-Lead wird plötzlich etwas dünner, etwas leichter. Er verliert etwas Körper, wenn dieser EQ aus ist. Wir nutzen also wieder EQ, um die beiden Sounds zu trennen.

In diesem Fall müssen diese drei Layer deutlich getrennt sein. Wir nutzen also EQ, um verschiedene Aspekte von ihnen rauszuschneiden, damit sie alle gut zusammen spielen. Es ist im Grunde eine Mixing-Technik, die wir in der Sounddesign-Kapazität anwenden. Und das war's. Danke fürs Zuschauen.